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Conseils de carrière sur la réalisation dans l'industrie de l'animation

par Mike Schnier - 13 Juil 2023
Carrières Industrie de l'animation Directeur

Vous avez une question sur la mise en scène mais vous ne savez pas à qui vous adresser ? Lors de l'événement "2023 animation Trends", Toon Boom Animation a réuni un panel de réalisateurs pour discuter de leurs expériences dans l'industrie de l'animation. Parmi les experts invités, citons

  • Evally Aguila: Réalisatrice, artiste du storyboard et du développement visuel. La première production d'Evally en tant que réalisatrice a été Juan Futbol chez Mighty Animation.
  • Liza Singer: Réalisatrice et scénariste pour la télévision et le cinéma. Le premier rôle de Liza dans la réalisation d'une série a été dans Spider-Man : Freshman Year chez Marvel Studios.
  • Chaz Bottoms: Réalisateur, scénariste, écrivain et propriétaire de CBA Studios. Chaz a commencé à réaliser un court métrage Kickstarter intitulé The Indies : Un court métrage d'animation.
  • Jake Hollander: Réalisateur superviseur, réalisateur d'épisodes, scénariste et créateur. Jake a fait ses débuts de réalisateur dans Duncanville, une émission de la Fox produite par Bento Box Entertainment.

L'article suivant est un extrait de notre entretien en direct. Nous avons invité nos invités à discuter de l'étendue et de l'ampleur des responsabilités d'un metteur en scène sur une production, des parcours professionnels qui mènent à la mise en scène et des compétences que les artistes peuvent développer si la mise en scène est un rôle qu'ils souhaitent poursuivre.

Regardez l'intégralité de la discussion sur YouTube, à l'occasion de l'événement "2023 Animation Trends" organisé par Toon Boom Animation.

Comment décririez-vous l'étendue du rôle d'un réalisateur sur une production d'animation, et qu'est-ce qui vous a intéressé dans ce rôle ?

Chaz : Je pense que le champ d'application est assez vaste dès le début de la préproduction. Et vous allez suivre le projet jusqu'à son terme. Il faut presque avoir une vision, une idée très claire de ce que l'on veut dès le départ. Tout au long de la préproduction, avec les artistes du story-board, les animateurs et l'ensemble de la production, vous devez vraiment vous assurer que vous communiquez correctement cette vision, tout en veillant à ce que les commentaires des cadres ou les notes prises en cours de route soient correctement mis en œuvre. Cela peut être assez intimidant, mais c'est aussi très amusant.

Ce qui m'intéressait vraiment dans ce rôle, c'était d'être un conteur. En sortant de l'université, je voulais devenir animateur, mais j'ai découvert, en travaillant en free-lance et en faisant des choses personnelles, que ce que j'aimais vraiment, c'était le travail d'équipe et la collaboration. J'aime vraiment pouvoir être la voix principale d'une production, ou l'une des nombreuses voix principales d'une production, ainsi que l'aspect humain de la chose.

Lorsque j'étais à l'école d'animation, je connaissais les principaux rôles : animateur, dessinateur de story-board, concepteur de personnages, dessinateur d'arrière-plan. Mais lorsque vous commencez à avoir de l'expérience en travaillant sur des productions, vous voyez qu'il y a d'autres rôles auxquels vous n'auriez pas pensé au départ.

Ce qui m'a donné envie de passer à la réalisation, c'est qu'en tant qu'animateur, on est un peu enfermé dans sa boîte, on ne fait que travailler sur des scènes et on ne parle pas vraiment aux gens. J'aime collaborer et travailler avec tous les acteurs de la production.

Mon expérience, à ce moment-là, était celle de films d'étudiants où je faisais tout. J'avais donc une bonne idée de la chaîne de production et de ce qui est nécessaire à chaque étape. J'étais vraiment intéressé par le fait d'être "Oh, eh bien, cela ne me dérange pas de participer à des projets, parce que je sais comment parler le langage d'un animateur".

Mais je peux aussi travailler avec des gens qui sont bien meilleurs que moi pour dessiner des arrière-plans et bien meilleurs que moi pour la direction artistique. C'était vraiment bien de m'entourer de personnes qui pouvaient m'aider à être meilleur dans mes angles morts. Je pense que c'est ce qu'il y a de bien dans la réalisation : Vous pouvez travailler avec des "mercenaires" qui sont vraiment géniaux et vous pouvez apprendre d'eux et de leurs expériences.

Jake : La réalisation varie d'une production à l'autre en fonction de l'équipe et de la filière. Mais ce qui m'a le plus marqué, c'est la capacité à tirer le meilleur de mon équipe. Et la capacité de prendre les histoires que vous trouvez dans les scénarios que l'on vous donne et d'essayer de vraiment mettre l'accent sur les moments et la construction, pour vraiment faire ressortir le meilleur de votre équipe.

Parce que tout ce que vous écrivez en tant que réalisateur, lorsque vous le décomposez en séquences dans le scénario et que vous les distribuez à votre équipe, vous les préparez essentiellement à frapper un coup de circuit. Et en tant que directeur, vous pouvez les aider à réaliser ce coup de circuit. Pouvoir guider votre équipe, quelle que soit votre vision et quelle que soit leur vision, c'est ce que je trouve le plus amusant dans la mise en scène.

Quelqu'un m'a dit qu'un grand réalisateur demanderait 70 à 80 % aux artistes de son équipe pour obtenir cette scène. Puis, tous les deux, vous transformez les derniers 20 % en la meilleure séquence possible. Parfois, on en trouve de très bonnes et on se dit : "Oh, c'est parfait, peu importe." Mais il arrive parfois qu'ils vous inspirent une idée géniale. Et vous vous dites : "J'adore ce que vous avez fait, je ne m'y attendais pas du tout. Pourquoi ne pas faire ça, ça et ça ?" Cette discussion a lieu ensuite. Et cela peut se transformer en quelque chose de meilleur que vous n'auriez jamais imaginé.

Travailler dans ce genre de situation, surtout pour un extraverti comme moi, avoir ce va-et-vient, c'est tout simplement le meilleur. Je suis très enthousiaste à l'idée d'en parler. Mais l'autre chose, en tant que directeur, c'est d'être capable de communiquer, de faire savoir à son équipe ce dont on a besoin et vice-versa. Et cela a été très amusant.

Ce sont ces surprises que l'on recherche, car elles rendent les choses plus amusantes. Ils améliorent l'émission. Il ajoute des scripts. J'ai surtout travaillé sur de nombreuses comédies pour adultes, comme Duncanville, Disenchantment, etc. Et le meilleur travail vient de la façon dont vous interprétez ces lettres sur un papier pour en faire des moments amusants pour les personnages. C'est vraiment la meilleure chose à faire.

Liza : En ce qui me concerne, ce qui m'a attirée vers la réalisation, de manière assez amusante, c'est que j'ai toujours eu des superviseurs qui voyaient en moi la réalisatrice. Très tôt dans ma carrière, mes supérieurs m'ont dit : "Un jour, tu seras directeur". Je pense que cela a beaucoup à voir avec mon enthousiasme à apprendre et mon désir de comprendre tous les aspects du pipeline. Je me suis donc toujours lié d'amitié avec la production et les autres artistes de l'équipe. Je voulais toujours savoir ce qu'ils faisaient, comment mes planches pouvaient mieux aider d'autres parties de la production.

Et je me préoccupe aussi beaucoup des gens. J'ai davantage l'impression de travailler au mieux de mes capacités en tant que réalisateur qu'en tant que scénariste. Et ce n'est pas pour autant que l'art de l'histoire ne me motive pas. J'adore le faire. Mais je pense que l'aspect collaboratif de la réalisation est tellement plus gratifiant. J'aime travailler avec les gens.

Je veux créer et faciliter des expériences et des environnements d'apprentissage formidables pour les gens. Parce que cela n'a pas toujours été le cas pour moi. Je pense que certaines personnes ont toujours eu des emplois difficiles. Et je voulais m'assurer que si les gens venaient me voir, je leur donnais toujours les meilleurs outils pour réussir dans leur prochain emploi. Le premier jour où je rencontre mon équipe, je lui dis toujours : "Mon objectif est de vous former pour que vous puissiez un jour prendre mon poste ; si je ne le fais pas, je ne réussirai pas.

La réalisation vous a-t-elle permis d'acquérir des connaissances sur le secteur de l'animation que vous n'aviez pas avant de devenir réalisateur ?

Liza : Absolument. La réalisation vous offre une première fenêtre sur l'aspect bureaucratique de l'animation, car l'animation est une entreprise, et c'est une entreprise d'entreprise. Et je pense que les artistes ne sont pas des hommes d'affaires. C'est donc en quelque sorte le plus grand choc de coquilles. Lorsque l'on débute en tant que dessinateur de story-board, on n'a pas l'occasion d'apprendre les budgets, les plannings et tous les autres aspects de l'entreprise, ainsi que les aspects politiques.

Vous apprenez donc beaucoup sur la quantité de travail nécessaire à la production dans son ensemble. Il ne s'agit pas seulement de l'art. Il s'agit en fait de toutes les autres personnes que vous devez satisfaire. Parfois, nous recevons des notes sur des épisodes qui proviennent de notre département jouets. Nous avons dû refaire l'introduction d'un personnage parce qu'ils nous disaient : "On a besoin d'une meilleure intro pour les jouets parce qu'on doit montrer XYZ." Et on se dit : "Oh, c'est vraiment perspicace à comprendre." Nous ne travaillons pas seulement pour nous, mais aussi pour l'entreprise.

Il y a une chose que j'apprécie beaucoup, c'est le respect des horaires et le fait de savoir quand il faut faire les choses. Lorsque vous êtes seul, je ne pense pas que vous compreniez pleinement l'effet domino que vous avez sur tout le monde et à quel point il est important de rendre vos travaux à temps. Parce que cela a un impact sur tout le monde. Et quand on est dans le fauteuil du réalisateur, on en est très conscient. En effet, cela incite les gens à rester tard le week-end, ce qui n'est pas souhaitable. Et il suffit qu'un artiste soit en retard pour que cela se produise. Il faut donc essayer de respecter le temps de chacun lorsque l'on occupe un poste de direction.

Evally : Nous avons besoin de raconter des histoires et nous espérons que les choses que nous animons ont un impact. Mais en fin de compte, tout ce qui se fait à la télévision ou au cinéma est destiné au client ou aux grandes entreprises. Il y a donc un conflit.

Parfois, nous travaillons avec le client. Nous avons parfois des projets axés sur les jouets, comme l'a mentionné Lisa. Et parfois, le dessin du jouet est tellement plus beau que le jouet final. C'est comme "Je veux qu'ils réparent leurs jouets pour qu'ils soient aussi mignons que les miens". Pour ma part, je préfère vraiment que le client soit plus présent. Mais cela dépend vraiment du projet. S'il s'agit d'un court métrage d'animation, nous pouvons nous contenter de révisions exécutives.

Chaz : Pour moi, passer de l'espace indépendant à celui des studios, travailler avec des contraintes et des calendriers est en fait quelque chose auquel je n'avais pas vraiment pensé. J'ai réalisé des clips musicaux, des annonces, des publicités, des contenus courts et j'ai travaillé sur des épisodes complets. Chacun d'entre eux est un type de projet différent qui nécessite un calendrier différent et des budgets différents.

Le fait d'avoir une vue d'ensemble et de savoir ce qu'il faut faire pour que ce projet soit le meilleur possible compte tenu du calendrier, des délais et du budget a été très utile. En fait, c'est quelque chose que je n'avais jamais vraiment envisagé. En tant que réalisateur, vous êtes vraiment en première ligne des décisions créatives et de la réussite globale d'un projet.

Il est important que vous puissiez optimiser votre temps et celui de votre équipe. Et de savoir : "Très bien, voilà ce que nous pouvons faire. On a six semaines, ne faisons pas de plans de foule, ne faisons pas de numéros de danse compliqués ou de scènes de combat." J'ai l'impression que Liza et Evally ont mis le doigt sur beaucoup de choses.

Jake : Je pense que la chose la plus importante que tout le monde dit, c'est qu'il s'agit vraiment de la façon dont vous communiquez avec votre équipe, d'être enthousiaste à l'idée de venir et d'essayer de faire de votre mieux avec ce que vous avez. Et je répète que vous avez beaucoup de restrictions qui peuvent parfois se transformer en défis qui deviennent quelque chose que vous n'aviez même pas prévu.

Par exemple, l'un des éléments fondamentaux de l'animation télévisée est la rapidité de la chaîne de production. Parfois, vous n'avez même pas le temps de vous demander : "Comment pouvons-nous vraiment développer ceci ? Ou comment prendre cette idée et lui donner le temps qu'il faut ?" Et parfois, le fait d'être si rapide dans ces décisions donne des résultats vraiment incroyables.

L'un des éléments fondamentaux du métier de réalisateur, je pense, est de dire : "Voilà, c'est ce que nous faisons. Allez-y." En effet, si vous donnez à quelqu'un une réponse du type "un pied à l'intérieur, un pied à l'extérieur", il ne saura peut-être pas comment l'appliquer. Clarté, communication, savoir comment ils communiquent, savoir comment vous communiquez, faire en sorte que tout se passe le mieux possible.

Tout le monde l'a répété et je suis tout à fait d'accord, c'est un produit que l'on fabrique. Mais ce qui est amusant, c'est que vous avez la possibilité d'être extrêmement créatif avec ce produit. Et c'est un peu l'équilibre du métier de réalisateur : rendre un produit vraiment beau, vraiment racontable, vraiment drôle, vraiment triste et vraiment dramatique. C'est un peu le but du jeu.

Quelles sont les principales idées fausses que vous avez rencontrées à propos de la mise en scène ?

Jake : Je pense que la plus grande idée fausse - et je suis heureux que ce soit une idée fausse - est que vous entrez là et que vous vous dites : "C'est mon idée, et je vais réaliser ma vision." Je pense qu'il s'agit d'une énorme méprise, car ce n'est pas du tout de la mise en scène. Vous avez vos idées, vous avez vos moments en tête lorsque vous lisez le scénario, lorsque vous décomposez les séquences et lorsque vous faites les choses, mais vous n'êtes pas celui qui fait tout. Vous avez besoin d'une équipe, vous devez en parler, vous devez laisser les artistes du storyboard faire ce qu'ils font le mieux : raconter des histoires. Et je pense que la plus grande erreur que vous puissiez commettre et la plus grande méprise est de penser que vos idées, votre art et vous êtes la réponse la plus importante à la conversation.

Il est vraiment important d'écouter son équipe, d'entendre les pensées et les opinions des autres, et en particulier celles des scénaristes et des showrunners, de vos autres réalisateurs, de votre réalisateur superviseur. Il y a tellement de facteurs qui entrent en ligne de compte qu'il ne faut pas s'en offusquer. Quelqu'un dit : "Oh, j'ai cette idée", et on ne peut jamais dire : "Voilà, c'est ce que je veux". Il ne faut jamais dire cela, car c'est ainsi que l'on fait stagner les choses. C'est ainsi que l'on perd de grandes idées. Et le noyau d'une belle chose peut être détruit simplement en disant : "Je veux faire ce que je veux".

Et je pense que l'autre idée fausse la plus répandue est qu'il est facile de dire : "Voici ma ligne rouge. Voilà ce que je veux. Faites-le bien." Tout le monde a une façon différente de communiquer, et vous, en tant qu'individu, avez une façon spécifique de communiquer et de recevoir des informations. L'une des plus grandes idées fausses est de ne pas réaliser qu'il faut comprendre comment les gens communiquent, afin de pouvoir leur donner les outils dont ils ont besoin.

Sinon, vous risquez de construire une sorte de mur autour de vous et de votre équipe, qui ne sera pas en mesure de communiquer avec vous, ou qui sera effrayée par la façon dont la communication est rompue.

Liza : Je pense que Jake a bien parlé de la communication. Je dis souvent que le rôle d'un directeur est davantage celui d'un facilitateur que celui d'un porteur d'idées. C'est la raison d'être de vos PE, et même dans ce cas, il se peut qu'ils répondent aux dirigeants.

Et je pense que l'une des plus grandes idées fausses que beaucoup de gens se font lorsque je leur parle, c'est la différence entre un réalisateur de long métrage et un réalisateur de télévision. Les réalisateurs de longs métrages sont beaucoup plus proches des producteurs exécutifs de la télévision - les showrunners qui vendent l'émission. Les directeurs de l'animation sont un peu plus des cadres moyens. Ainsi, dans un long métrage, un réalisateur se voit confier l'ensemble du film. À la télévision, c'est ce que fait le réalisateur superviseur, qui se voit confier toute la saison, toute la série, puis chaque réalisateur se voit attribuer certains épisodes.

Pour Spider-Man, j'ai eu cinq épisodes. Mais il se peut qu'il n'y en ait que trois lors d'une rotation de plusieurs réalisateurs sur une série de 10 épisodes. Cela dépend vraiment du type d'émission à laquelle vous participez. Vous vous concentrez donc sur l'apport de cet épisode spécifique et de l'équipe spécifique qui est sous vos ordres à la vision globale de l'émission. Et surtout parce que chaque artiste a une personnalité différente, une façon différente de travailler - vous pouvez avoir des artistes verts. Vous avez peut-être fait l'expérience d'artistes. Et vous devez savoir comment faire en sorte que tout cela forme un ensemble cohérent qui donne à l'émission un aspect homogène.

Si vous travaillez sur une production en 2D, vous devrez peut-être vous assurer de suivre un certain guide de style - une façon d'agir pour les personnages. Pour les productions 3D - ou toute autre production - il s'agit du langage de la caméra. Comment fonctionne la caméra dans votre émission ? Il est très important pour un directeur de disposer de cette bibliothèque de connaissances.

Comme Jake l'a déjà dit, la communication est essentielle. Il est presque plus essentiel d'être un bon communicateur qu'un bon artiste. Il faut savoir regarder et être capable de détecter et de changer les choses en tant que réalisateur. En tant qu'artiste, vous devez donc être capable de penser rapidement et à la volée. Mais là encore, il s'agit de savoir comment cultiver et comment façonner. Vous n'êtes pas un one-man-show, alors laissez les artistes faire ce qu'ils font le mieux et ne prenez pas le contrôle de leur travail, ce qui rendra le poste de directeur un peu plus facile.

Evally : Il y a plusieurs niveaux de direction. Dans certains cas, vous disposez d'une liberté de création, mais en fin de compte, le projet reste la propriété du client. Et il y a toujours ce conflit entre ce que les artistes qui réalisent le projet croient être le mieux par rapport à la vision artistique, au calendrier, au budget et à ce que veut le client. En tant que directeur, vous devez rechercher la meilleure décision pour tout le monde.

Par ailleurs, au quotidien, j'ai rarement vu des femmes diriger. C'est vraiment triste, parce que nous avons beaucoup d'artistes créatifs, mais normalement les femmes occupent un poste dans la production. Et il y a beaucoup d'artistes, d'animateurs, de femmes animatrices et de femmes du département artistique qui passent au département de la production, au lieu de passer au département de la direction. J'ai constaté que si une femme commence à prendre des décisions, on lui dit qu'elle est trop autoritaire ou qu'elle ne sait pas communiquer. C'est pourquoi de nombreuses femmes commencent par occuper des postes de production et d'administration, au lieu de passer à la réalisation. Beaucoup d'hommes n'ont pas peur de passer du statut d'artiste à celui de réalisateur.

En fin de compte, être réalisateur, c'est beaucoup communiquer et prendre soin de son équipe. Peu importe qu'il s'agisse d'une émission indépendante ou d'une émission de télévision. Je pense donc que tout le monde devrait pouvoir prendre cette décision. C'est beaucoup de pression, mais en fin de compte, vous êtes bon si vous savez comment vous occuper de votre groupe et si vous possédez des compétences en matière d'organisation.

Chaz : En grandissant, je n'ai pas vu beaucoup de réalisateurs d'animation noirs ou bruns. Et la plus grande erreur que j'ai commise en arrivant dans le secteur était de croire qu'il n'y en avait pas. Et tout au long de mon parcours, jusqu'à présent, j'ai découvert qu'il y en a. Mais ce n'est pas encore suffisant pour que les étudiants noirs et bruns sachent qu'ils peuvent être réalisateurs dans ce secteur. Notre chemin sera peut-être un peu différent, si l'on se réfère à l'histoire de l'industrie depuis sa création, mais vous pouvez y arriver.

Il y a des barrières invisibles que nous devons franchir. Mais tout au long de ce parcours, ne laissez personne vous priver de votre voix ou essayer de vous dire que vous n'y arriverez pas. Vous savez, il y a des détracteurs dans tous les secteurs. En abordant ce projet, je savais que les chances étaient étrangement contre moi. Mais en même temps, la communauté de l'animation est petite, surtout si l'on considère les artistes du story-board et les réalisateurs. Nous sommes donc tous dans le même bateau.

Depuis que je suis dans le secteur, nous avons assisté à des changements. Mais la réalisation d'un film d'animation prend trois à quatre ans. Nous sommes donc toujours un peu en retard par rapport à l'action en direct - qui, je pense, a fait un travail fantastique en faisant venir des femmes, des Noirs, des gens du monde entier, pour être réalisateurs, scénaristes, pour avoir leurs propres émissions télévisées.

Je pense que l'une des plus grandes idées fausses que j'ai rencontrées est que l'animation était un moyen de jouer la carte de la sécurité. Et j'ai l'impression que nous arrivons tout juste à ce point où, visuellement, nous commençons à voir des projets incroyablement beaux qui ont des pistes diverses et qui essaient de faire quelque chose de différent. Tout le monde s'en porte mieux. Notre industrie s'en trouve améliorée dans son ensemble. Il nous permet de raconter des histoires différentes, des histoires qui restent universelles et qui peuvent encore toucher tout le monde.

Avez-vous des recommandations à faire aux artistes intéressés par la mise en scène, et des ressources qui pourraient les intéresser ?

Chaz : Ce qui m'a vraiment aidé à trouver mon rythme et ma voie en tant que réalisateur très tôt, c'est l'étude. Il s'agit simplement de trouver une séquence d'un film ou d'une émission de télévision que j'ai vraiment aimée. qui a suscité une réaction de ma part, et le rembarquement de l'ensemble. Et le faire en groupe aussi. Je sais que nous sommes à l'ère de Zoom, FaceTime et Discord. Il est aujourd'hui plus facile que jamais de réunir un petit groupe d'artistes et d'apprendre ensemble, de parler de ces études ensemble.

Par ailleurs, nous parlons tous de créativité, mais en fin de compte, il s'agit d'un travail. Et il est parfois facile de s'épuiser. Il faut donc trouver des moyens d'éviter cet épuisement ou de mettre en place une procédure pour le cas où vous commenceriez à vous sentir un peu fatigué ou épuisé. Pour moi, c'est aller dans les musées, c'est regarder l'animation internationale, des choses que l'on ne penserait même pas à regarder. Annecy a toujours eu de très bons produits. Catsuka est génial. Suivez-les sur les médias sociaux si vous ne l'avez pas encore fait. Il présente toujours des clips d'animation étonnants et inspirants issus de différents projets dont vous n'avez peut-être même pas entendu parler.

Ce qui m'a vraiment aidé, c'est de transformer mon fil d'actualité sur les médias sociaux, en passant des amis et de la famille aux artistes que j'admire, avec lesquels j'ai envie de travailler et avec lesquels j'ai déjà travaillé. Ainsi, chaque fois que j'ouvre Twitter ou Instagram, je peux voir quelqu'un. Il n'est même pas nécessaire de publier des œuvres d'art en permanence. Mais si vous voyez quelque chose qui vous plaît, laissez un commentaire, laissez un like, faites savoir que vous êtes là, que vous faites partie de cette industrie. Cela a été une véritable réussite pour moi et mes amis.

Jake : Chaz a donné beaucoup d'excellents exemples. Observez ce que vous aimez pour vous aider à développer votre propre style. La plupart des gens recherchent ce qu'ils admirent pour développer leur style et les points forts qu'ils pensent avoir, mais il faut se concentrer sur ce que l'on aime et s'en inspirer pour s'améliorer dans ces domaines et se concentrer sur ce que l'on aime vraiment.

Et dites à tout le monde que vous voulez devenir réalisateur. Ne le cachez pas. Si vous voulez être un artiste de storyboard, si vous êtes un révisionniste, si vous voulez être un réalisateur, si vous êtes un artiste de storyboard, communiquez ces choses à d'autres réalisateurs, comme le disait Chaz. Obtenez ce retour d'information pour passer à l'étape suivante. Croyez suffisamment en vous pour savoir que c'est quelque chose que vous voulez.

En ce qui concerne les ressources, il existe de nombreux Discords que vous pouvez rejoindre. Pour la réalisation, cependant, un groupe d'artistes syndiqués et moi-même avons créé un Discord appelé Animation Story Group. Et nous sommes quelques-uns à critiquer le travail des gens chaque fois qu'ils apparaissent sur ce serveur. Il existe donc des canaux pour cela, pour interroger les professionnels de l'industrie.

Si vous souhaitez avoir une ligne de communication directe avec des professionnels et si vous voulez entrer dans le secteur, il est extrêmement important d'avoir un bon portfolio. Cela permet de couvrir les risques. Lorsque vous vous dites "Hé, je veux devenir artiste" et que quelqu'un vous demande "Qu'est-ce que vous avez ?", il est préférable d'avoir trois exemples de tableaux ou de votre travail personnel.

  • Pour plus d'informations sur l'ensemble du travail d'Evally Aguila, visitez son portfolio ArtStation.
  • Liza Singer est disponible sur le site liza-singer.com. Pour suivre Liza sur les médias sociaux, visitez son LinkTree ici
  • Chaz Bottoms est disponible en ligne sur chazbottoms.com et sur Instagram sur @ChazDraws.
  • Le portfolio de Jake Hollander est jakehollander.com, et on peut le trouver sur Instagram à @GardenBearJake.
  • Vous souhaitez assumer une nouvelle fonction au sein d'un studio ? Toon Boom Animation propose des cours avec instructeur pour le storyboard, l'animation, le rigging, le compositing et plus encore.
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