Felipe Almeida sur adapter le travail d'illustration et de conception artistique pour l'animation

Felipe Almeida est un superviseur d'animation qui travaille actuellement à Vancouver. Il a notamment produit les émissions Peanuts Specials d'Apple TV, The Day the Earth Blew Up et l'animation 2D de Il était une fois 2. Nous avons invité Felipe à participer à notre livestream pour discuter de sa carrière, de son approche de l'animation numérique traditionnelle et de son expérience en matière de partage de ressources avec sa communauté en ligne.

Il s'agit d'un extrait adapté de notre session livestream « Show & Tell », diffusée initialement en avril. Vous pouvez lire l'entrevue ci-dessous ou la regarder au complet sur YouTube, qui contient des détails supplémentaires sur le processus d'animation de Felipe.

Comment décririez-vous une journée typique en tant que superviseur d'animation?

Felipe : En tant que superviseur d'animation, mon rôle principal est de fournir à mon équipe tout ce dont elle a besoin pour faire son travail et l'aider à atteindre ses objectifs. Certaines journées sont remplies de conversations, où chacun est informé de sa mission et de ce qu'il doit savoir pour commencer son travail. Je suis le processus, m'assurant que s'ils ont des questions, je connais la réponse ou je peux la trouver rapidement.

Je passe également en revue les prises de vue. Si je peux aider à les améliorer, je fais des suggestions. Parfois, il s'agit simplement de prendre du recul et de les laisser faire de leur mieux. Dans l'ensemble, il s'agit de traiter avec les gens et de veiller à ce que chacun se sente soutenu.

Vous avez récemment collaboré sur une courte vidéo appelée Pink Hair avec une illustratrice sur Instagram, Lilly Wolters (@Liliyth). Comment est né ce projet?

Felipe : J'essaie de réserver du temps chaque semaine pour explorer Instagram à la recherche de différents artistes, qu'ils animent, peignent des arrière-plans ou fassent n'importe quel type de design. Une fois, je suis tombée sur la page de Lilly et son travail était si beau et si inspirant. Je l'ai contactée pour lui dire que j'aimais son travail, ce qui a conduit à une conversation et finalement à une amitié.

J'ai été frappée par le contraste entre son style de peinture moderne et ses dessins de personnages d'anime des années 80, qui m'ont donné un sentiment de nostalgie. J'ai suggéré avec enthousiasme que nous collaborions à une animation, ce à quoi elle a répondu positivement. J'ai choisi l'une de ses charmantes œuvres qui, selon moi, pouvait être réalisée dans un délai relativement court et elle était partante. Je l'ai tenue informée tout au long du processus et c'est ainsi que tout a commencé.

Vous avez mentionné que son travail vous faisait penser aux animes des années 80. Quels sont vos références en matière d'anime? On entend souvent parler du "style anime", mais c'est davantage une pluralité de styles. Quels animes vous inspirent?

Felipe : Enfant, j'ai grandi en regardant Saint Seiya, qui m'a appris à dessiner. J'ai également adoré Yu Yu Hakusho et Ranma 1/2, l'une de mes séries d'animes d'action et de comédie préférées. Il y avait aussi une série intitulée Bucky, qui n'était pas très jolie, mais que j'adorais pour ses personnages fantastiques, dont un esprit qui était en fait une boule rose avec des bras et des jambes. Cette époque de l'animation japonaise a été très importante pour mon développement en tant qu'animateur. Et, bien sûr, tout ce qui vient du Studio Ghibli est une influence énorme pour beaucoup de gens dans l'industrie de l'animation.

L'une des difficultés de l'adaptation d'une illustration à l'animation réside dans le fait que toutes les illustrations ne se traduisent pas facilement, en raison de facteurs tels que la taille du trait et le style. Quelle a été votre approche pour adapter le personnage aux cheveux roses à cette scène d'animation?

Felipe : Vous avez raison, il arrive qu'une illustration, aussi belle soit-elle, ne se prête pas directement à l'animation. Une grande partie du processus consiste à simplifier certains éléments. Pour ce personnage, elle avait une belle forme, mais une veste très ample, volumineuse et pleine de plis. J'ai dû déterminer les aspects importants du dessin à conserver et ceux qui pouvaient être simplifiés pour faciliter l'animation sans perdre l'essence du personnage.

Le contexte est un autre élément à prendre en considération : que fera le personnage? Dans le cas présent, elle riait joyeusement, ce qui est devenu le point central de l'animation. J'ai pensé à son environnement, comme si elle se trouvait sur une plage venteuse, regardant l'océan, et que quelque chose attirait son attention, provoquant son rire. Enfin, comme il n'y avait pas de feuille de modèle, j'ai examiné le travail de Lilly pour comprendre comment elle représentait ses personnages sous différents angles.

Comment approchez-vous les ombres et la lumière avec ce personnage?

Felipe : C'est une excellente question! Elle est liée à une question fréquemment posée dans les commentaires sur mon approche sans ligne. L'un des éléments clés était de simplifier tout en conservant l'essence du personnage. J'utilise les fonctions de Toon Boom que j'aime. L'objectif est de rendre les choses suffisamment simples pour qu'elles s'intègrent dans l'univers du personnage. En ce qui concerne l'éclairage, je cherche à éviter l'effet « autocollant » ; l'éclairage doit être organique et intangible.

Mike : Nous avons vu des techniques de compositing où le contour du personnage est utilisé pour l'éclairage et les ombres, ce qui peut être différent des techniques de dessin à la main.

Felipe : Tout à fait! Il n'y a rien de tel que de faire des choix conscients image par image. J'aime que les choses soient organiques et un peu imparfaites pour capturer cette ambiance. Pour l'application pratique, j'ai traité cette pièce comme une pièce avec des lignes noires, en peignant chaque couleur sur des couches séparées. J'ai utilisé les options de masquage de Toon Boom, ce qui m'a permis de peindre les ombres et les lumières sans me soucier de sortir des lignes.

Mike : L'option Stencil Brush est très puissante.

Felipe : Je l'utilise constamment! En travaillant sur le film Ma petite pouliche, j'ai été confrontée à des défis liés à la dynamique complexe des cheveux. L'outil pochoir m'a permis de créer des lignes nettes sans me soucier des angles parfaits. Il simplifie grandement le processus, en particulier lorsqu'il s'agit d'obtenir un look sans ligne.

Quels sont tes conseils pour les artistes souhaitent dessiner des cheveux et des vêtements en mouvement?

Felipe : Excellente question! J'ai grandi avec l'animation japonaise dramatique qui mettait en scène des cheveux dynamiques. Mon approche de base consiste à superposer les cheveux ; je fais attention à la façon dont les sections de cheveux interagissent les unes avec les autres. J'aime ajouter des parties qui se déplacent devant le visage du personnage pour obtenir un volume plus tangible. J'envisage également les cheveux en termes de courbes et de formes en S. Je réfléchis à la façon dont chaque section s'articule et à la façon dont les cheveux sont coiffés. Je prends en compte la fluidité de chaque section et je m'assure de décaler les pièces de la masse principale pour créer une impression de profondeur.

Je commence par remonter le volume, en créant une forme de C dans un sens, puis dans l'autre. Je m'efforce de créer un cycle, mais aussi de le personnaliser. J'applique le même concept de fouet à la masse principale des cheveux et, pour les plus petits morceaux, je les décale de la masse principale pour créer un look plus dynamique.

Il y a un niveau de détails en animation que le public ne perçoit pas consciemment, mais qu'il peut clairement sentir.

Felipe : Tout à fait! L'objectif est de créer quelque chose qui semble organique et naturel. Dans le domaine de l'animation, plus vous réussissez à donner une impression de naturel, moins le spectateur le remarque. Vous savez que vous avez fait du bon travail lorsque personne ne remarque votre travail ; s'il ressort, c'est souvent que quelque chose n'a pas fonctionné. Je traite mes dessins comme des images clés, en ajustant le nombre d'entre-deux en fonction de l'intensité du vent et du niveau d'action du plan. Je planifie les endroits où je dois ralentir ou accélérer les choses, afin de créer un certain dynamisme.

Si vous regardez de près ce que je fais, cela revient à utiliser un concept simple pour la masse globale et je l'applique à chaque mèche de cheveux. La synchronisation est cruciale. Je décale les différentes parties des cheveux pour créer un flux naturel. La superposition est également importante ; par exemple, si un personnage a une tête et des cheveux, une mèche peut se déplacer sur le personnage, puis se fondre dans la masse plus tard. Chaque mèche se déplace différemment pour créer de la variété. Il s'agit de différencier chaque mouvement en fonction du poids et de la superposition.

Par exemple, un personnage ayant des cheveux longs et un petit toupet ne verra pas ces éléments bouger de la même manière en raison de leur poids différent. Il est important de tenir compte du poids réel des cheveux. Une longue queue de cheval et un petit chignon se comporteront différemment dans le vent, la queue de cheval bougeant moins en raison de sa masse. Je tiens également compte du contexte ; s'il y a une forte rafale de vent, je me permets de m'éloigner temporairement du modèle, ce qui peut rendre l'animation plus réaliste et plus attrayante. Je m'efforce de revenir au modèle par la suite.

Lorsque vous vous concentrez trop sur la rigidité du modèle, l'animation peut sembler moins naturelle. Les cheveux ne sont pas une masse solide ; c'est un ensemble de milliers de fines mèches et cela doit se refléter dans l'animation.

Vous avez mentionné que le fichier de votre projet Toon Boom Harmony est disponible sur Gumroad. Qu'est-ce que les artistes peuvent apprendre en le consultant?

Felipe : Excellente question! Lorsque j'ai commencé, surtout dans le domaine de l'animation traditionnelle, les ressources étaient rares. Je me tournais souvent vers le blog Deja View d'Andreas Deja, qui est riche en contenu d'animation, y compris des scans d'œuvres d'animateurs classiques. Je téléchargeais des séquences avec des diagrammes temporels clairs et les importais dans Harmony sous forme de vecteurs. Cela me permettait d'analyser directement le timing et l'espacement, ce qui m'a beaucoup appris sur les principes de l'animation.

Mike : On nous demande souvent s'il est nécessaire de savoir dessiner pour devenir animateur, mais il y a beaucoup plus que cela. Comme la synchronisation et l'espacement.

Felipe : Exactement. Il est essentiel de comprendre le tableau chronologique, même si les productions modernes utilisent des systèmes différents. Planifier son plan permet de maintenir la cohérence. Lorsque je dispose d'un diagramme de temps clair, mes intermédiaires deviennent plus faciles, car la plupart des décisions sont déjà prises.

L'accès aux fichiers Harmony des professionnels de l'industrie aurait été inestimable pour mon apprentissage. Le fait de voir des animations de haute qualité avec des diagrammes de temps clairs aurait rendu mes études beaucoup plus efficaces.

Mike : C'est comme si l'on pouvait avoir un aperçu non seulement de l'œuvre d'art, mais aussi du flux de travail et de l'organisation de l'artiste.

Felipe : Ma vue en nœud est méticuleusement organisée. Je la traite comme mon espace de travail physique. La propreté m'aide à rester concentré et j'espère que d'autres pourront apprendre à organiser efficacement leur environnement numérique.

Qu'est-ce qui vous intéresse dans l'animation traditionnelle?

Felipe : L'animation traditionnelle a toujours été mon objectif. J'ai grandi avec l'animation japonaise des années 80 et 90 et le premier film que j'ai vu était Le Roi Lion. Même lorsque j'ai dû travailler dans d'autres styles, j'ai toujours pratiqué l'animation traditionnelle pendant mon temps libre. C'est là que réside ma passion et je trouve même des moyens de glisser des éléments traditionnels dans mes projets chaque fois que c'est possible.

Mike : Harmony Premium offre cette flexibilité, vous permettant d'animer de manière traditionnelle tout en utilisant des rigs.

Felipe : Tout à fait! La possibilité de combiner l'animation traditionnelle et l'animation par rigging est un avantage considérable et j'essaie toujours d'en tirer parti.

Quels conseils avez-vous pour les artistes qui commencent un projet personnel?

Felipe : Mon premier conseil est de partager votre travail en ligne. Créez un compte Instagram, connectez-vous avec d'autres artistes et n'hésitez pas à poser des questions. Les moments où j'ai le plus appris sont ceux où je m'engageais activement avec les autres. Créer des liens est inestimable.

J'ai toujours aimé partager mon processus sur Instagram et je m'efforce de fournir des réponses réfléchies aux questions. Alors, n'attendez pas le moment parfait ; commencez simplement à publier et à apprendre des commentaires.

Où les gens peuvent trouver ton travail en ligne?

Felipe : Instagram est ma plateforme principale pour partager mon travail professionnel et personnel. J'ai également un Patreon, où j'approfondis mes processus et un Gumroad pour le partage des fichiers Harmony. Je prévois d'améliorer ces deux plateformes avec plus de ressources comme des séquences d'images et des leçons d'animation.

Absolument. L'animation prend du temps, mais l'impact émotionnel de ces quelques secondes peut changer des vies. Si je suis ici aujourd'hui, c'est grâce à des moments comme les larmes de Simba dans Le Roi Lion. L'amour et le savoir-faire qui caractérisent l'animation - qu'elle soit traditionnelle, en images de synthèse ou en stop motion - méritent d'être partagés.

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• Vous souhaitez découvrir d'autres œuvres de Felipe Almeida? Ne manquez pas de le suivre sur Instagram au @felipea.nimation et de trouver d'autres liens sur son Linktree.
• Prêt.e à démarrer votre prochain projet d'animation numérique traditionnelle? Les artistes peuvent télécharger une version d'essai de 21 jours d'Harmony Premium.