Réalisé par Thomas Richner, ONE est un court métrage d’animation qui explore le parcours émotionnel d’athlètes passant des sommets de la compétition sportive à la réalité de la vie après celle-ci. ONE plonge au cœur des défis auxquels sont confrontés les athlètes après leur carrière, en décrivant de manière vivante les sensations fortes de la compétition et les difficultés à se redéfinir.
Thomas et Aaron Cole (producteur exécutif) nous ont rejoints pour discuter des sources d’inspiration de ONE, notamment de leurs expériences communes en tant que nageurs universitaires. Ils abordent également la façon dont leur équipe a utilisé Storyboard Pro et Harmony pour donner vie à cette histoire puissante, de l’animation des personnages aux effets d’ombre et de composition évoquant les ondulations et les réfractions de l’eau.
À travers les hauts et les bas du processus d’animation, ONE se présente non seulement comme un conte visuel touchant, mais aussi comme une source d’inspiration pour ceux qui cherchent à raviver leur passion. Lisez notre entrevue ci-dessous pour mieux comprendre les aspects techniques de la production d’animation, le processus de collaboration entre les créateurs et les défis que représente l’expression d’une émotion brute par le biais d’une animation numérique dessinée à la main.
Pouvez-vous introduire ONE, votre court-métrage d’animation…
Thomas : Avec pour toile de fond l’athlétisme de compétition, ONE est une exploration sincère du parcours d’un athlète lors de la transition entre les hauts faits du sport de compétition et la vie après. ONE explore le parcours émotionnel des athlètes, capturant à la fois l’excitation de la performance de pointe et les défis de la transition hors du sport de compétition.
À travers l’histoire d’un nageur confronté au vide laissé par la fin de sa carrière sportive, le film dépeint de manière saisissante la camaraderie, les triomphes et l’adrénaline intense de la compétition, ainsi que les profonds problèmes de santé mentale qui peuvent souvent survenir une fois celle-ci terminée. Avec les thèmes de la perte d’identité et de la redécouverte d’un but, le récit offre en fin de compte de l’espoir et de la force à tous ceux qui sont confrontés à leurs propres difficultés. Du triomphe à l’épreuve : un voyage animé illustrant le frisson de la compétition et les batailles cachées après le buzzer final.
Au fond, il s’agit d’une histoire sur le fait de s’investir corps et âme dans quelque chose et sur la perte que l’on ressent lorsqu’il est temps de passer à autre chose.
Who are the key team members and your roles on the project? Qui sont les membres de l’équipe clés et leur rôle dans ce projet?
Thomas : Aaron Cole, le producteur exécutif du film – dont l’histoire personnelle est librement inspirée – m’a contacté il y a quelques années pour me raconter une histoire qu’il souhaitait partager sur les défis qu’il avait dû relever après la fin de sa brillante carrière de nageur universitaire. Aaron et moi avons nagé ensemble pendant un an à Denison – je viens juste de me rendre compte qu’il s’agissait là d’un autre niveau du titre de notre film. Aaron et moi avons passé un an à parler de cette histoire et alors que je dirigeais les artistes, Aaron et moi avons eu des discussions régulières sur l’avancement du film tout au long de la production.
Quelle expérience partagée à inspirer ce projet?
Aaron : L’histoire est le reflet de mes propres expériences et a été inspirée par une prise de conscience que j’ai eue il y a quelques années. Elle a été déclenchée par quelques conversations et amis choisis dont je serai toujours reconnaissant, qui m’ont aidé à réaliser que je n’étais pas le seul à ressentir ces sentiments et le vide causés par la perte d’un sport.
Thomas : Après avoir obtenu mon diplôme, j’ai commencé à nager avec les maîtres nageurs de l’UCLA tout en suivant des études supérieures à l’atelier d’animation de l’UCLA. La transition hors du sport a peut-être été un peu plus progressive pour moi, car j’avais une équipe avec laquelle ma femme et moi nous sommes entraînés pendant sept ans lorsque nous vivions en Californie.
Pour tous ceux qui ont eu quelque chose qui était le point central de leur vie et qui leur a soudainement été enlevé, ainsi que le sens du but et le système de soutien qui allaient avec, j’ai immédiatement fait le lien avec l’histoire d’Aaron et la notion de vide laissé dans la vie d’une personne. Pour nous, cette histoire est très personnelle, car elle touche à certains des sentiments et des traditions que nous partagions à l’université.
Mais nous espérons aussi que tous ceux qui partagent une passion avec d’autres peuvent comprendre que la camaraderie et l’épanouissement qui en découlent leur manquent une fois que cette période de leur vie est terminée.
Quelle est la réception du film jusqu’à présent?
Thomas: Nous avons eu trois projections en septembre 2024, nos premières projections publiques et l’expérience a été formidable jusqu’à présent. Notre première projection publique, qui était techniquement notre première mondiale, a eu lieu au BroodX Film Showcase à Toledo, Ohio, le 21 septembre. Le festival, qui en est à sa deuxième année et qui est dirigé par Matthew Deimling Johns, a été une véritable explosion et nous avons fini par remporter le prix du public, ce qui a été une excellente façon de terminer la soirée!
Nous avons été projetés avec plus d’une douzaine d’autres films d’animation liés à l’Ohio en ouverture de l’événement Cartoon Crossroads Columbus la semaine suivante. L’écran était plus grand et Aaron et moi avons tous deux fait remarquer que le film nous avait frappés un peu plus fort en le regardant avec ce public. La dernière projection du samedi a probablement été la plus émouvante pour nous, car nous l’avons projeté dans notre alma mater, l’université Denison, devant de nombreux membres et parents de notre équipe de natation. Ma fille est également une senior qui a obtenu son diplôme cette année.
De nombreux nageurs nous ont dit après coup à quel point le film les avait touchés et ils ont immédiatement compris le thème central que nous nous étions efforcés d’intégrer dans l’histoire, ce qui est plutôt rassurant pour un cinéaste. Nous avons reçu un certain nombre de textes et de messages après ces événements, dont une personne qui nous a dit qu’elle n’arrêtait pas de repasser le film dans sa tête et que cela l’avait incitée à réfléchir sérieusement aux prochaines étapes de sa vie.
En tant que cinéastes et conteurs, si vous pouvez toucher une personne de cette manière, cela signifie beaucoup pour vous! Jusqu’à présent, nous sommes ravis de l’accueil réservé à nos projections. Nous n’en sommes qu’au début de notre processus de projection, mais nous avons déjà prévu une première européenne en décembre à Palerme, en Italie, lors du 44e festival annuel du film sportif Paladino D’Oro, ainsi qu’un autre festival en mars 2025 au Texas. Nous sommes très satisfaits du début de la diffusion du film.
Pouvez-vous partager votre processus de collaboration avec votre équipe pour ONE?
Aaron : C’était un processus nouveau et passionnant pour moi, de faire un film pour la première fois. Honnêtement, d’une certaine manière, cela m’a enlevé un poids énorme que je ne soupçonnais pas. J’ai aimé m’exprimer de manière créative à travers l’histoire et me mettre à l’épreuve d’une manière nouvelle et très différente.
Thomas : Aaron et moi sommes restés en étroite communication tout au long du développement de l’histoire et de la production de l’animation. Nous avons utilisé Storyboard Pro, comme le font de nombreuses productions professionnelles, pour développer l’histoire. Nous avons probablement eu trois ou quatre versions de l’histoire avant de verrouiller l’animatique et de passer à l’animation. Une fois que l’animation a commencé, nos réunions sont devenues un peu moins fréquentes, car nous nous réunissions lorsque nous avions une bonne quantité de travail à examiner et que le film commençait à prendre forme. Mon travail à ce moment-là, en tant que réalisateur, consistait à communiquer directement avec les artistes scène par scène.
Je travaillais avec mon équipe d’artistes de la même manière que de nombreuses équipes à distance fonctionnent aujourd’hui et cela a très bien fonctionné. Je donnais le coup d’envoi à mes artistes avec leurs sections de scènes par le biais d’un appel Zoom. Dans les fichiers de scènes Harmony, j’ai inclus de nombreuses notes et esquisses pour aider les artistes à démarrer chaque scène. Nous leur demandions de bloquer grossièrement le plan (avec principalement des clés et quelques dessins de décomposition grossiers). Ensuite, je revoyais les scènes et leur donnais quelques notes à mettre en œuvre avant qu’ils ne s’engagent à terminer l’animation.
Tous les animateurs ont fait leur propre travail intermédiaire et nous avons été très satisfaits des efforts et de la qualité fournis par notre équipe d’artistes, qui allait de nouveaux animateurs encore à l’école à des jeunes professionnels, en passant par des professionnels chevronnés ayant plus de 25 ans d’expérience. Souvent, des notes envoyées par courrier électronique suffisaient. Mais un croquis et un appel rapide pouvaient parfois être encore mieux. Bien que nous ayons mis en place un Dropbox pour la remise des scènes, comme j’étais également coordinateur de production, j’ai trouvé plus facile de collecter les scènes par courriel et de gérer les fichiers moi-même plutôt que d’avoir des gens qui placent les fichiers dans des dossiers (ou déplacent des fichiers, suppriment des choses) sur Dropbox.
Comment décririez-vous le style visuel de ONE?
Thomas : Dan Root, un professionnel de l’industrie depuis 30 ans, nous a d’abord aidés à définir l’aspect du film. Nous nous sommes inspirés de projets qui avaient retenu notre attention. Ensuite, j’ai mis tout cela de côté et j’ai commencé à réagir au travail de mes artistes. Étant donné qu’il s’agissait d’un court métrage indépendant avec des ressources limitées, nous pouvions apporter quelques corrections ici et là, mais nous ne pouvions pas vraiment refaire de grandes parties du travail. J’ai donc considéré que mon rôle était d’essayer de faire en sorte que le travail de nombreux artistes soit cohérent. Pour en revenir à Dan, la première fois qu’il a vu le film terminé, c’était à l’occasion de l’événement Cartoon Crossroads Columbus.
Dan, qui a animé le premier Space Jam et qui a 30 ans d’expérience dans l’industrie de l’animation, a déclaré qu’il avait été impressionné par la façon dont le film s’intégrait visuellement et que c’était une bonne chose. Nous avons beaucoup travaillé sur les couleurs et ajouté des vignettes floues et noires tout au long du film, ce qui, je pense, l’a rendu visuellement cohérent. J’ai également ajouté un gate jitter tout au long du film, ce qui lui a donné à la fois un aspect cinématographique et une qualité de prise de vue à la main. Étant donné que l’eau joue un rôle important dans l’histoire, ce mouvement subtil de haut en bas de l’image a contribué à immerger les spectateurs dans l’histoire.
Quelles techniques dans Harmony a été les plus utiles pour créer le style visuel du film?
Thomas : J’adore la façon dont Harmony permet d’utiliser une combinaison d’images vectorielles et matricielles. Tous nos arrière-plans ont été peints dans Photoshop et c’était un plaisir de traiter chaque scène et de voir ces arrière-plans apparaître derrière l’animation colorée. Le plan prend vie. J’ai probablement utilisé un peu d’incrustation ici et là pour ajouter à la sensation de flottement des personnages sous l’eau. Je ne sais pas si je l’ai utilisé dans toutes les scènes, mais j’aime toujours ajouter des ombres aux personnages et Harmony facilite ce processus.
Même si vous ne pouvez pas vous permettre d’animer les ombres de chaque personnage tout au long de la scène, vous pouvez souvent créer une ombre à partir de laquelle un personnage se déplace et il existe des moyens d’incruster des formes d’ombres pour leur donner vie sur les personnages. Une autre technique que j’ai utilisée dans Harmony est le nœud de turbulence pour les effets d’eau. Nous avons eu plusieurs scènes où nous ne voulions pas déformer les personnages travaillant sur de l’eau peinte et les effets de distorsion se sont avérés très utiles dans Harmony. Comme d’habitude avec Harmony, la mise en couleur des dessins d’animation a toujours été fluide et rapide! J’aime aussi la rapidité avec laquelle la peinture sèche dans Harmony par rapport à la peinture des cels. Cela simplifie vraiment le processus.
L’une des principales choses que nous avons faites très tôt a été de laisser les dessins d’animation bruts transparaître dans la couleur des personnages. Nous avons demandé à tous les animateurs de conserver leurs dessins bruts dans les scènes, et je les ai passés dans le module de tonalité, de sorte que les lignes brutes apparaissent dans l’animation dans une version plus sombre de la couleur sur cette partie du personnage. Il s’agissait d’une autre tentative pour conserver un aspect cohérent tout au long de l’animation – une sensation de liberté dans l’animation. Je pense que visuellement, cela a contribué à donner au film une impression de cohésion. En tant qu’animateur, j’aime voir les premières ébauches que les animateurs font lorsqu’ils bloquent les scènes et j’étais heureux de conserver ces dessins qui ont souvent le plus de vie dans le film.
En ce qui me concerne, j’aime que les produits Toon Boom soient conçus pour vous donner de la flexibilité, un large éventail de façons différentes de travailler. Et il y a toujours cinq façons différentes de faire quelque chose. Si vous voulez obtenir un look et que vous n’êtes peut-être pas très au fait de tous les modules et de ce qu’ils font, vous pouvez souvent penser à l’animation sous cette caméra et trouver une combinaison de modules avec laquelle vous êtes à l’aise pour obtenir le même effet. C’est ce que je fais souvent et ça marche toujours!
Quel a été l’inspiration pour la palette de couleur utilisée dans votre court métrage?
Thomas : Au début, nous avons fait des études cinématographiques dans lesquelles nous avons examiné les schémas de couleurs de films comme Gladiateur et de films d’animation comme Les Incroyable. Nous avons examiné les scripts des couleurs de certains de ces films et je dirais qu’ils nous ont inspiré. Les scènes dans l’arène de compétition où le personnage principal concourt avaient toutes une teinte rouge – ce qui les reliait toutes, les séparait visuellement des scènes du « monde réel » et leur donnait une sensation de poussière, de chaleur et d’intensité qui semblait convenir aux scènes de combat.
Nous avons poussé les couleurs à être froides et sombres dans les scènes sous-marines où notre personnage principal était perdu et regrettait le sport qui avait été au centre de sa vie pendant tant d’années. Nous avons également essayé de conserver une palette de couleurs simple. Certaines des couleurs clés ont été faciles à sélectionner, car la mascotte de notre alma mater était le Big Red – le rouge allait donc toujours être une couleur centrale dans le film. Une fois cette couleur fixée, les autres couleurs ont été choisies en fonction de ce qui convenait le mieux.
En quoi l’utilisation d’Harmony dans ce projet est-elle similaire ou différente des autres productions sur lesquelles vous avez travaillé?
Thomas : Il y avait des similitudes et des différences. Souvent, lorsque vous collaborez avec des studios à l’étranger, ceux-ci utilisent encore du papier et scannent les dessins dans Harmony, de sorte que vous devez garder les dessins enregistrés tout au long du processus. Dans notre production, les dessins ont été créés directement dans Harmony, ce qui m’a permis de les mettre à l’échelle et de les déplacer selon les besoins. Lorsque vous collaborez avec différentes équipes, vous devez être très clair sur le processus à respecter pour que tout fonctionne d’une étape à l’autre.
Lorsque vous êtes seul à traiter l’œuvre finale au moment où elle est rendue, vous pouvez faire ce qu’il faut pour qu’elle fonctionne au final. L’un des avantages d’Harmony est qu’il permet d’orienter la production et la planification des scènes dans de nombreuses directions différentes. Nous avons utilisé Harmony comme un studio d’animation à l’ancienne, en dessinant à la main la plupart de nos clés et de nos entre-deux. Mais vous pouvez travailler avec des animations de type marionnettes ou des animations de personnages riggés à l’intérieur d’Harmony. C’est ce qui rend Harmony si puissant : la possibilité de pousser le programme dans toutes les directions nécessaires pour servir la production et, surtout, l’histoire.
Quel conseil avez-vous pour ceux et celles qui terminent leurs études en animation?
Thomas : Avant tout, faites du bon travail, qu’il s’agisse d’un petit projet parallèle, d’un cours ou de n’importe quoi d’autre. Quelqu’un qui se porte garant de vous est encore très probablement la façon dont vous trouverez vos premières opportunités. Ne travaillez pas en vase clos – rencontrez des gens, faites-vous des amis, assistez à des projections et rencontrez d’autres artistes. C’est le réseau que vous construisez qui vous propulsera tout au long de votre carrière et il commence dès que vous prenez votre premier cours. L’industrie de l’animation est petite et le bouche-à-oreille circule – faites du bon travail et protégez votre réputation en donnant toujours le meilleur de vous-même pour chaque projet.
En 2024, le paysage est différent de ce qu’il était dans les années 1990. Il ne suffit plus d’avoir un film ou un échantillon d’animation, car beaucoup plus d’artistes font un travail fantastique avec des outils puissants comme Harmony et Storyboard Pro. Il est donc très important de trouver des moyens de se démarquer aujourd’hui. Et, en y réfléchissant, les choses n’ont peut-être pas changé autant qu’on pourrait le penser, car je continue de penser qu’il est essentiel de se mettre physiquement en contact avec les gens. Vivez dans des régions où ce travail est effectué et rencontrez les personnes qui le font.
Si ce n’est pas possible, engagez-vous avec les gens sur les médias sociaux, partagez votre travail, participez aux événements Zoom et contactez les artistes dont vous admirez le travail.
- ONE est actuellement en compétition dans des festivals d’animation. Vous pouvez suivre Cole Richner Productions sur Instagram et YouTube.
- Êtes-vous prêt.e à commencer votre propre film indépendant? Les artistes peuvent télécharger un essai gratuit de 21 jours de Toon Boom Harmony.
