David B. Levy est un directeur du développement et de la production et l'auteur de livres à succès sur l'industrie de l'animation, notamment Votre carrière dans l'animation : Comment survivre et prospérer . David est actuellement chef de studio chez Pinkfong USA. Parmi ses nombreuses qualifications, il a donné des conférences et enseigné à Parsons, SVA, NYU, RISD et Pratt, et a été président de la section new-yorkaise de l'ASIFA.
En juin 2022, David a participé au livestream de Toon Boom Animation pour discuter de son livre, Your Career in Animation, ainsi que de sa carrière dans l'animation. Notre conversation porte sur les cultures de travail au sein des studios d'animation, le processus de candidature à un premier emploi dans l'animation, la manière de trouver des mentors tout au long de votre parcours, ainsi que sur l'évolution du secteur de l'animation depuis la publication de la première édition de son livre en 2004. Vous pouvez visionner l'interview originale dans son intégralité et trouver ci-dessous des extraits transcrits de notre discussion.
David : Il est important de se souvenir de vos débuts, de toutes les inconnues concernant votre avenir, de votre première chance et de ce que vous pouviez faire dans le cadre de votre premier emploi. C'est beaucoup de choses qui passent par la tête d'une personne lorsqu'elle postule à un emploi ou passe un entretien.
J'ai vraiment l'impression que peu importe où vous allez et à quelle étape de votre carrière vous vous trouvez, vous ne pouvez pas oublier d'où vous venez. Cette responsabilité de pouvoir regarder de nouveaux talents qui n'ont pas nécessairement fait exactement ce que vous voulez qu'ils fassent - ils n'ont pas sur leur CV qu'ils ont été animateurs sur une émission préscolaire en 2D avec des personnages à quatre pattes, ce que vous avez besoin qu'ils animent maintenant. Mais ils peuvent avoir une bobine d'un film d'étudiant où ils ont fait cela magnifiquement. Ils peuvent aussi avoir de superbes dessins et c'est ainsi qu'ils aiment dessiner naturellement. Il y a tant d'autres éléments à prendre en compte qui peuvent faire de cette personne ce qu'elle est, et la somme de ses expériences.
Je pense donc que c'est une très bonne chose à garder à l'esprit. D'autant plus que nous essayons de créer des lieux de travail plus diversifiés et plus inclusifs. En faisant cela, vous ouvrez une communauté beaucoup plus large de candidats qui ne sont pas encore entrés dans le royaume. Ou ne sont pas les choix les plus intuitifs. En tant que responsable du recrutement, j'essaie vraiment de respecter cette règle.
David : Je pense qu'à première vue, il serait facile de penser qu'il s'adresse aux nouveaux venus : les étudiants, les artistes d'animation sur le point d'obtenir leur diplôme. C'est absolument pour eux. Mais ce n'est pas exclusivement pour eux. Il s'adresse également à des personnes comme moi, qui sont à un stade avancé de leur carrière - je ne dirai pas à quel point - mais qui ont des choix différents à faire et des opportunités différentes en fonction de la carrière qu'ils ont menée jusqu'à présent. Je ne voulais pas que ce groupe, qui représente une part très importante de l'industrie, soit négligé dans un livre comme celui-ci.
Il m'incombait de m'assurer, par le biais des entretiens et de la collecte de tous les témoignages, qu'il y ait des personnes à tous les stades d'une carrière. Il y a des gens qui supervisent depuis trente ans, d'autres qui recrutent depuis dix ans, des animateurs qui ont deux ans de carrière, des designers, des directeurs artistiques. Chacun en est à un stade différent.
Vous pouvez faire des recherches et en savoir plus sur eux sur leurs propres réseaux sociaux. J'encourage les lecteurs à le faire. Vous bénéficiez donc d'un large éventail de perspectives, car je ne voudrais certainement pas que ce soit uniquement mon point de vue ou ma carrière jusqu'à présent. Cela a permis, je pense, d'obtenir un aperçu beaucoup plus large du secteur aujourd'hui.
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David : Je dois revenir à la première édition, que j'ai commencé à écrire en 2004. C'est aussi une histoire amusante, parce qu'il s'agit en fait d'une histoire de carrière. Je venais d'avoir l'opportunité d'enseigner à l'École des arts visuels dans le cadre d'un cours de 15 semaines destiné aux personnes âgées. C'est le cours qu'ils suivent à la fin de leurs quatre années d'études à la SVA qui leur apprend à trouver un emploi dans l'industrie.
J'ai eu l'occasion de l'enseigner. C'était l'un de mes cours préférés lorsque j'étais étudiante, j'étais donc enthousiaste. La première chose à faire en tant que professeur auxiliaire est de rédiger le syllabus. Il faut toujours jeter le programme précédent : "Ils ne savaient pas ce qu'ils faisaient". On recommence, ou du moins on regarde ce qu'ils ont fait, et on essaie de l'améliorer. J'ai préparé mes sujets de conférence pour les 15 semaines. Et je me suis dit : "Oh, c'est aussi une liste de chapitres. Cela ressemble à un livre. Pourquoi ne pas avoir ce livre ?" Et ce fut un moment d'eurêka.
J'avais déjà pris contact avec un éditeur à New York. J'ai fait la promotion de quelques livres imprimés localement, dans une petite imprimerie située à deux pas de chez moi. J'ai emmené leur publiciste déjeuner avec ce que j'avais rédigé comme une liste de chapitres et une petite lettre d'accompagnement. Parce que cela ressemblait à quelque chose qu'ils imprimeraient. Ils ont réalisé de nombreux livres sur l'industrie de l'art. Et elle a dit : "Wow, je pense que nous allons vouloir ce livre".
L'éditeur m'a appelé et m'a dit : "D'accord, c'est super, mais il nous faut un exemple de chapitre". J'ai donc rédigé un exemple de chapitre, à titre indicatif. Je l'ai fait en quelques semaines et je l'ai envoyé. J'ai reçu en retour un courriel contenant trois questions. Il m'a dit : "Eh bien, combien de pages cela fera-t-il ? Êtes-vous prêt à changer le titre ? Et combien de temps vous faudra-t-il pour l'écrire ?" Lorsque j'ai lu cet e-mail, j'ai littéralement blanchi, car on ne pose pas ces trois questions si l'on ne veut pas le livre. J'ai donc répondu aux questions. Et puis j'ai reçu un e-mail en retour : "Vérifiez votre fax. Votre contrat de livre est dans le fax. Veuillez le signer et le renvoyer."
Si je vous raconte cette longue histoire, c'est parce que c'est ainsi que j'aborde ma carrière. Il s'agit d'établir ces liens. Rien ne se passe dans le vide. C'est l'activité que j'ai trouvée très utile tout au long de ma carrière dans l'animation. Vous créez vos propres opportunités, vous créez votre propre chance et vous créez vos propres liens.
David : Absolument, oui. Cela semble très déstabilisant et chaotique. Mais quand vous regardez en arrière, vous réalisez que vous êtes la cohérence de cette histoire. C'est vous qui faites ce voyage. Vous regardez en arrière et vous vous dites : "D'accord, j'ai été ici pendant trois ans. Et j'ai fait ça. Et cela m'a conduit à l'opportunité suivante". Il y a en fait un ordre à suivre quand on se retourne. Ce n'est pas toujours le cas. Mais elle est bien présente si l'on prend le temps de l'apprécier.
David : L'une des premières occasions que j'ai eues, et dont je suis très reconnaissant, a été de réessayer, de montrer que les choses avaient changé. Certaines choses sont embarrassantes parce qu'il a fallu attendre si longtemps pour qu'elles se produisent, comme le mouvement #MeToo et les initiatives D&I. Ceux-ci n'étaient pas en tête de liste comme ils auraient dû l'être. Mais nous avons tous compris le message, je l'espère à ce stade. Et c'est à nous tous qu'il incombe de construire chaque jour un secteur meilleur et plus diversifié.
Je voulais m'assurer, en réalisant une autre série de 100 entretiens pour le nouveau livre, que la diversité et l'inclusion étaient la mission. Quelles sont les personnes les plus étonnantes que je puisse trouver, de tous horizons, qui travaillent dans l'animation ? Pas seulement les personnes avec lesquelles je prends un café et avec lesquelles je travaille déjà. C'était une formidable opportunité.
D'autres changements, comme les plateformes de streaming, et le fait qu'il y a toutes ces niches de public qui n'avaient pas d'émissions pour les servir auparavant. Et le fait qu'il s'agisse d'arcs de saison s'explique par la manière dont le contenu est distribué sur les plates-formes où l'on peut le regarder en boucle. Vous pouvez avoir des épisodes qui se rejoignent et qui seront joués dans un certain ordre intuitif de l'histoire. Cela n'a jamais fait partie de la proposition moyenne d'une série d'animation, et c'est maintenant une proposition attendue pour certains âges du public. C'est vraiment génial !
Il y a aussi le tabou qui existait auparavant, comme l'autoédition. Auparavant, il s'agissait d'un stigmate. "Oh, je me suis autoédité. J'ai essayé de le faire imprimer, mais j'ai choisi la voie de l'auto-édition." Aujourd'hui, l'auto-édition est synonyme d'auto-distribution. Pensez à tous les grands dessinateurs de bandes dessinées, illustrateurs, concepteurs et animateurs qui publient eux-mêmes du contenu et le distribuent. Ils incubent leur marque, leurs histoires, leurs récits, sans aucun garde-fou. Sans personne pour dire non. Et avec une portée considérable. Les plateformes et le monde traditionnel observent et tirent des enseignements de cette situation, et tentent d'intégrer ces personnes dans le courant dominant. Je pense que le moment était bien choisi pour rafraîchir le livre.
David : Absolument, oui. Cela montre simplement qu'il existe une autre façon de développer le contenu, où les artistes, les écrivains, les créateurs peuvent faire de l'art simplement en créant des œuvres, en trouvant un public, en s'améliorant en public. C'est une opportunité qui n'a jamais existé. J'ai l'impression que l'analogue le plus proche était le monde du cinéma indépendant - l'époque de Spike et Mike - et les festivals du film où Mike Judge pouvait être découvert avec Beavis et Butthead, quelque chose qu'il avait fait dans sa cave ou dans son garage en tant qu'animateur outsider. Aujourd'hui, il est beaucoup plus accessible à un plus grand nombre de personnes.
David : C'est drôle, parce que souvent, quand les gens entendent ma liste, ou si je dis que Linda Simensky est mon mentor depuis l'université... elle n'a jamais signé de papier pour être mon mentor. Il n'y avait pas de contrat. Je sais qu'il y a beaucoup de mentorats et de mentorés officiels dans le cadre de jumelages d'entreprises - il y en a eu un chez Disney lorsque j'y étais, où j'ai participé aux deux côtés - mais beaucoup de ces choses peuvent être des arrangements non officiels.
Pour moi, ils ont toujours été officieux. Je ne sais même pas si l'autre personne savait qu'elle était mon mentor. Et c'est probablement ainsi qu'il devrait en être. Vous savez, parce que j'apprenais d'eux, je voulais leur demander leur avis et savoir comment ils faisaient les choses. En fait, il s'agissait d'être amis. C'est ce qu'il a toujours été.
Le premier que j'ai rencontré était Howard Beckerman, qui vient de fêter ses quatre-vingt-dix ans cette année. Il vient des Terrytoons, de Heckle et Jeckle et de toutes ces choses géniales. Il était mon professeur préféré à l'école des arts visuels. Bien que je ne sois pas du tout quelqu'un qui puisse faire des ronds de jambe à qui que ce soit, il m'a pris sous son aile, a vu que j'avais des idées et m'a encouragé en tant que conteur d'histoires. Et m'a pris très au sérieux. Mon estime de soi était nulle à l'époque. Le fait qu'il remarque la seule chose pour laquelle j'avais des aptitudes, alors que je ne savais même pas que c'était vrai, m'a donné un énorme coup de pouce sur le plan émotionnel et de la confiance en moi. Savoir qu'il y aurait une place pour moi quelque part, d'une manière ou d'une autre, était incroyable.
La même chose s'est produite au studio de Michael Sporn, mon premier employeur. Il m'a fait confiance pour devenir assistant de studio dans le cadre d'un apprentissage rémunéré. Il m'a permis de l'aider dans tous les domaines de la production. Et c'était un peu sa façon de faire. J'ai vraiment pu essayer toutes les chaises du studio. J'ai pu découvrir [the studio] à travers lui et la culture qu'il a fondée. C'est juste une chose que je dois toujours mettre en évidence lorsqu'on me pose cette question.
Lorsque je travaillais à Nickelodeon, dans le cadre de mon prochain emploi, lorsque quelqu'un était coincé dans une longue scène, vous savez, vous lui disiez bonne nuit. Vous partez et le pauvre Dan est toujours là. Il anime sa scène et est peut-être resté jusqu'à minuit ce soir-là. C'est souvent ainsi que les choses se passent. Mais dans le studio de Michael Sporn, lorsque vous aviez une pile de choses... Disons que nous faisions tous des story-boards, des mises en page ou des peintures de cellules, peu importe ce que c'était. Si vous voyez que la pile de l'autre personne est plus épaisse que la vôtre, que vous avez terminé et qu'il reste une heure dans la journée, vous direz : "Donnez-moi un peu de ça". Et vous prendriez une partie de leur travail. Vous les aiderez à terminer.
Puis tout le monde a quitté le studio à six heures. Nous allions parfois boire une bière au coin de la rue, et nous avions le sentiment que c'était un sport d'équipe dans tous les sens du terme. C'était assez magique de voir qu'il pouvait en être ainsi. C'est une chose que j'ai certainement apprise de lui.
Linda Simensky ; elle a été à l'avant-garde du développement chez Nickelodeon, au début de l'ère des créateurs, en construisant la phase suivante chez Cartoon Network, puis en l'amenant chez PBS Kids et en la stimulant pour le public le plus jeune. Et maintenant, je vais sur Duolingo. C'est une personne qui aime être présente pendant les années de formation. C'est une bâtisseuse. Elle a identifié cette partie d'elle-même.
Quand je regarde ça, je me dis : "Wow, c'est aussi ce que j'aime". Il a fallu qu'elle le dise pour que je comprenne que c'était une motivation pour moi. Il est tellement plus excitant d'être l'outsider. Il est plus important de viser l'objectif que de faire partie de l'équipe gagnante, de se présenter et que tout aille pour le mieux.
Ce ne sont là que quelques-uns de mes mentors. Je pense que les personnes à la recherche d'un mentor doivent se souvenir qu'il faut rester décontracté. Il ne s'agit pas nécessairement d'un processus officiel et maladroit. Vous ne devez pas prendre tout ce que la personne dit comme un billet d'or. Retirez les éléments qui s'appliquent à vous et à ce que vous cherchez à faire. Tirez-en des enseignements, car personne n'est un clone complet de votre orientation.
David : Malheureusement, c'est une chose que même ceux qui ont déjà travaillé ont parfois besoin d'entendre. Je vais vous raconter une histoire : J'avais un ancien étudiant qui était un excellent artiste de storyboard. Elle a participé au story-board de quelques émissions, puis a pris du temps pour devenir mère. Puis elle est revenue dans l'industrie. Elle aurait dû être embauchée en deux secondes ! Mais elle a eu des difficultés. Je lui ai donc demandé : "D'accord, envoyez-moi votre lettre de motivation. À quoi ressemble-t-elle ? Laissez-moi voir comment vous postulez à des choses".
Elle postulait à des postes de scénariste. Elle m'a envoyé la lettre de motivation et s'est présentée comme animatrice 2D. Et si vous lisez le paragraphe 4 de la lettre de motivation, vous verrez qu'il est écrit : "Je fais aussi des story-boards". Et je me suis dit : "Attendez une minute, vous postulez à des emplois de scénariste ! Le responsable du recrutement, les ressources humaines, qui que ce soit qui regarde cela, ne font pas immédiatement le lien avec le fait que vous postulez pour le bon emploi". Elle ne recevait pas de rappels et n'obtenait donc pas les entretiens qu'elle méritait.
Aidez [the hiring managers] à établir ces liens. Ne leur demandez pas de faire du travail supplémentaire. Faites des lectures supplémentaires, faites des recherches supplémentaires sur vous-même. Postulez pour les tâches pour lesquelles vous êtes qualifié, qui vous passionnent et que vous avez déjà accomplies. Ou ce que vous apprenez à faire. Et faites en sorte qu'il soit aussi clair que possible que c'est ce que vous êtes. Vous pouvez être bon dans cinq domaines, mais pour cette application, vous devez être très précis.
David : Absolument. Et il ne s'agit pas d'un CV unique. Il ne s'agit pas d'une lettre de motivation unique. Vous pouvez avoir votre modèle, mais vous pouvez le personnaliser pour chaque opportunité à laquelle vous postulez. Rendez-le plus pertinent par rapport à l'emploi auquel vous postulez.
Mon autre conseil est de ne pas postuler à tout ce que vous voyez. En effet, ce sont les mêmes personnes qui reçoivent toutes les candidatures pour ces postes et elles vont voir "Oh, vous avez postulé à huit choses". Même si vous aviez huit lettres de motivation spécifiques, huit CV spécifiques, cela paraîtra toujours très étrange et montrera que vous ne savez pas vraiment qui vous êtes ou ce que vous voulez.
Soyez donc attentifs. Postulez vraiment pour les choses qui en valent la peine. Surtout si vous avez une référence. Lorsque vous connaissez quelqu'un au studio, vous n'allez pas vous adresser à cette personne huit fois pour obtenir huit références. Il faut être très prudent à ce sujet. Cette référence est précieuse de part et d'autre. Quand c'est le bon, et que c'est le plus important, c'est là qu'on utilise le nickel de référence. Parce que vous ne voulez pas vous éparpiller.
David : Une carrière dans l'animation peut se résumer à deux voies. Il y a le généraliste et le spécialiste. Le généraliste ressemble à ce que j'ai décrit dans mon studio Michael Sporn. Mon premier emploi, où l'on attendait de moi que je sois capable d'aider dans tous les domaines où l'on avait besoin d'aide ce jour-là. Cela signifiait donc des animations en arrière-plan, des mises en page, de l'entre-deux, de l'écriture. Tout ce que vous voulez.
La plupart des emplois ne sont pas comme cela dans les grands studios, car plus le projet est important, qu'il s'agisse d'une série ou d'un long métrage, plus les rôles sont cloisonnés. On attend de vous que vous soyez un spécialiste de ces équipes. Mais si vous êtes un généraliste dans l'âme et que vous ne pensez jamais être le spécialiste qui devrait travailler sur ces productions, il existe d'excellents parcours de généraliste dans les petits studios, où cette diversité de compétences est un atout.
David : Si vous regardez Logan Hugueny-Clark et Ross Bollinger, qui sont tous les deux dans le livre dans la section indie - ce sont tous les deux des créateurs de YouTube, et ils ont tous les deux une grande popularité sur YouTube. Ils emploient chacun une équipe de personnes qui les aident à créer leur contenu. Ils ont du personnel. Ils gagnent bien leur vie en tant que studios d'animation indépendants utilisant YouTube pour la distribution. Ni l'un ni l'autre ne se sont engagés dans cette voie, parce que ce n'est pas le chemin qu'ils avaient imaginé pour eux-mêmes en tant qu'étudiants typiques, il y a une douzaine d'années, lorsqu'ils ont obtenu leur diplôme.
Je pense qu'ils ont regardé [their situations] et se sont dit : "Je ne suis pas fait pour ce genre de choses." Ou "Je n'obtiendrai pas de travail dans Bob l'éponge". Puis ils ont trouvé le succès ailleurs. Je pense qu'il s'agissait presque d'un plan B, mais je crois qu'ils ont compris qu'il s'agit d'une voie extraordinaire. Et ce n'est pas la deuxième place. C'est vraiment un ajustement fantastique !
C'est tout l'intérêt d'une carrière. Si c'était aussi simple que "Je voulais ceci. Et j'ai obtenu cela. La fin", nous ne parlerions pas du tout. Ce serait tellement clair et net. J'aime le fait qu'ils soient ouverts à une réussite différente de celle qu'ils imaginaient dans l'industrie. Je pense que c'est une façon de voir les choses.
L'autre chose qui est très drôle, c'est qu'au moment où j'écrivais cette édition mise à jour, je me dirigeais vers l'animation pour les activités sociales à Disney+. Les principaux comptes étaient Walt Disney Animation Studios, Pixar et Lucasfilm. Nous produisons du contenu original pour les trois, ce qui est vraiment passionnant. J'avais une équipe de gens formidables, des producteurs et des animateurs. Des personnes travaillant en interne avec Disney, comme une petite boutique. Ce minuscule petit blip sur le vaisseau mère. Personne à CalArts n'a jamais pensé à cela.
DreamWorks Animation dispose d'une équipe interne, peut-être un peu plus importante, dans laquelle j'ai un ami animateur. Ils animaient des séquences de titre pour des émissions, faisaient des révisions et des promotions spéciales. Toutes les techniques différentes sont utilisées avec beaucoup d'art. C'est toute une équipe interne qui est pratiquement inconnue. J'ai l'impression que tous les grands studios ont une version de ce principe. Il existe de grands secrets. Vous pourriez passer toute une carrière loin du tapis rouge et ne pas avoir l'impression d'avoir manqué quelque chose.
David : C'est une question délicate pour beaucoup de gens. Plus on est bon élève, plus il est probablement difficile de comprendre qu'il y a un autre monde à comprendre et à apprendre. Imaginons que vous obteniez votre diplôme avec un film d'étudiant exceptionnel et que vous soyez prêt à mettre le feu aux poudres. Votre niveau de talent et de développement à cet âge ne passera pas inaperçu. Mais il y a aussi cette idée de "Ok, maintenant c'est un studio. Maintenant, vous travaillez pour la vision de quelqu'un d'autre." Il y a des cadres qui donnent des notes. Et il y a un showrunner. Et il y a un calendrier, un budget et des reprises.
C'est un autre processus d'apprentissage. Même si l'on est un étudiant extraordinaire et que l'on est prêt à tout, il y a un tout autre niveau d'apprentissage qui commence avec le premier emploi. Je pense donc que les gens devraient avoir l'humilité d'apprécier cela. Beaucoup d'entre nous commencent à des postes de débutants, qu'il s'agisse d'assistants de production, de réviseurs de story-boards ou d'accessoiristes. De grandes personnes ont commencé par un tel chemin, ont prouvé ce qu'elles pouvaient faire, ont pris confiance en elles et se sont construites. Mon conseil est donc de comprendre qu'il y a une hiérarchie dans un studio. Et ce n'est pas pour rien qu'il existe des postes de débutants.
David : Je pense que le chapitre sur les lanceurs est toujours intéressant pour les gens parce qu'il est entouré de mystère. La situation n'est plus ce qu'elle était à un moment donné. Aujourd'hui, il y a tant de grands créateurs qui ont parlé ouvertement de leur processus et qui ont écrit des livres. Joe Murray a un ou deux livres sur la réussite d'un créateur d'émission. Et vous pouvez vraiment l'entendre de la bouche du cheval sur YouTube. De nombreuses personnes ont participé à des panels lors de Comic Con et ont parlé de leur création et de leur processus. Mais le mystère reste entier.
Je pense qu'il y avait beaucoup de mythes à dissiper, notamment l'idée de ce qu'il faut avoir. Jusqu'où doit aller la bible ? À quoi faut-il s'attendre ? J'ai l'impression qu'il y a eu tellement d'informations erronées que c'était bien d'essayer de mettre un peu d'ordre dans ce chaos.
David : Absolument. Ce qui est vraiment important pour moi, ce sont des histoires comme celle de Mo Willems, qui a gravi les échelons de l'animation. Il a fait des courts métrages pour Sesame Street, puis une série pour Nickelodeon qui faisait partie de KaBlam ! Puis ils lui ont donné une émission spéciale pour la Saint-Valentin, d'une durée d'une demi-heure. Puis il a eu sa série Cartoon Network, Sheep in the Big City, qui a duré deux saisons. Il a ensuite été scénariste en chef de Kids Next Door, mais je pense qu'il s'est dit : "Ce n'est pas vraiment pour moi."
Il n'avait pas vraiment l'impression que l'animation lui permettait de faire ce qu'il savait faire de mieux ou de montrer qui il était en tant qu'artiste ou créateur. Il est devenu un incroyable auteur de livres pour enfants, et beaucoup de ses livres pour enfants sont devenus des films d'animation. Son dernier projet est une nouvelle émission spéciale de HBO, " Naked Mole Rat" (le rat taupe nu). Mais sa réussite montre que même lorsque l'on atteint le but que l'on s'était fixé, ce n'est pas nécessairement la fin du chemin. Je trouve cela très inspirant.
David : Je vais revenir à mon premier employeur, Michael Sporn, qui disait que l'animation avait le potentiel d'être la plus grande forme d'art. Je suis tout à fait d'accord avec lui parce que c'est un médium basé sur le temps - c'est de l'art, c'est de la couleur, c'est du mouvement, c'est de l'action, c'est du son. Il y a tellement de choses à dire à ce sujet. Et tout cela à partir de rien. Il n'y a pas d'appareil photo à installer et à cadrer sur place. Il n'y a rien avant que vous ne preniez ce crayon ou ce stylet et que vous ne commenciez à faire des marques. C'est enivrant à ce niveau. Il y a un aspect unique à cela, celui de faire l'impossible.
Je peux expliquer pourquoi je fais ce que je fais. J'aime pouvoir entrer en contact avec d'autres personnes. Et c'est vraiment une chose étrange parce que les animateurs ne sont pas devant la caméra, comme un acteur ou un interprète qui veut faire cela avec son corps. Ils prennent le risque de monter directement sur scène. Mais au lieu de cela, nous mettons notre âme image par image sur l'écran.
J'ai eu cet exemple lorsque ma mère est décédée, et je me sentais très mal. J'avais une dizaine de jours avant mon prochain projet. Et je voulais faire quelque chose de ce temps, au lieu de rester là à me sentir triste. J'ai trouvé mon ami en train d'interpréter une magnifique chanson pour enfants - elle durait une minute - et j'ai commencé à l'animer. Et je le faisais de manière directe. Je ne l'ai pas planifié et je n'ai pas fait de storyboard. Et je n'ai pas compris comment passer d'un plan à l'autre. J'ai juste fait en sorte que ce soit un flux de conscience.
Lorsque j'ai eu terminé, j'ai simplement joué. Je me suis dit : "Oh mon Dieu ! C'est une chanson sur les parents et les enfants." Et je suis un parent. C'était cathartique. Je ne comprenais même pas, mais je savais que je devais le faire. J'avais cet exutoire, en tant qu'animateur, en tant que cinéaste.
C'est ce film qui m'a fait connaître. Il a participé à des festivals de cinéma et Nick Jr. l'a diffusé comme film du matin pendant une décennie. Cela m'a vraiment permis de comprendre que si j'écoute la voix de quelque chose que j'ai besoin d'exprimer, lorsque je fais quelque chose pour moi, cela sera bien plus puissant qu'une tendance que je poursuis, ou un style que quelqu'un fait sur Cartoon Network. C'est une chose unique entre nos mains. Et le fait que nous puissions réaliser ce film dans nos salons, en ce moment même, sur nos iPad Pros, ou sur tout autre support, est incroyable. C'est une période incroyable pour être dans ce secteur.
David : Nous en avons parlé un peu plus tôt. Nous discutions d'une vidéo, célèbre sur YouTube : Pourquoi j'ai quitté mon emploi chez Disney. Vous pouvez rechercher les points de frustration des personnes qui ont ressenti cela. Les personnes que j'ai vues passer à autre chose après avoir essayé l'animation pendant quelques années avaient une idée très précise de ce qui était censé se passer. Et quand. Je pense que lorsque nous posons des jalons en fonction de notre carrière ou de notre participation à une production particulière, il est parfois difficile pour l'univers de nous rencontrer.
J'ai toujours pensé qu'il fallait utiliser le temps passé en dehors du travail pour arriver là où l'on veut aller. Lorsque je travaillais pour Nickelodeon sur Blue's Clues et que je faisais du story-board, je ne faisais pas d'animation. Et l'animation m'a manqué. J'ai donc réalisé un petit film. Lorsque j'ai terminé le film, je l'ai montré à mon réalisateur de Blue's Clues. Et il m'a dit : "Wow, tu devrais faire de l'animation pour nous ! Pourquoi faites-vous du story-board ?" J'ai répondu : "C'est le poste que vous aviez ouvert quand j'ai postulé." Il m'a dit : "Peut-être que tu veux changer."
J'ai changé et je suis devenu réalisateur quelques années plus tard. Cela a vraiment changé ma carrière. Et c'est parce que je suis rentré chez moi et que j'ai fait le plus dur. Nous sommes tous fatigués à six heures, ou quand vous vous arrêtez. Vous n'avez pas envie de rentrer chez vous et de recommencer à travailler. Mais je sentais que j'avais quelque chose à dire. Plus important encore, j'ai ressenti le besoin d'investir dans ma propre amélioration et de voir où je pouvais aller. Et je ne pensais pas que c'était la responsabilité de Nickelodeon. Je pensais que c'était le mien.
David : J'ai aimé assister à des conférences et à des tables rondes, que ce soit dans le cadre d'un festival du film ou d'un Comic Con. Ce qui est amusant, c'est que vous voulez qu'ils signent quelque chose. Lorsque vous êtes dans la file d'attente à la fin de la conférence, les personnes qui sont dans la file d'attente avec vous sont aussi très cool. J'ai l'impression que nous l'oublions. Certaines personnes commencent naturellement à parler à tout le monde, mais beaucoup de gens ont une vision étroite. Comme "C'est Genndy Tartakovsky !" Mais toutes les personnes qui font la queue avec vous sont aussi enthousiastes que vous. Ce sont de futurs collaborateurs, des pairs, des gens qui ont les mêmes intérêts que vous. C'est vraiment bien d'apprécier ces personnes aussi.
Faites tomber la pression. Fixez-vous un objectif du type : "Cet après-midi, le premier jour de CTN Expo, je vais essayer de parler à deux personnes". Cela fait deux personnes en cinq heures. Vous pouvez le faire. Commencez dans la zone de confort qui vous convient. Et peut-être que lorsque vous commencez à parler à ces deux personnes, leurs amis viennent à votre tour et avant que vous ne vous en rendiez compte, vous faites partie d'un groupe et vous avez trouvé votre tribu. J'adore ces événements !
Pour moi, le travail en réseau n'est pas quelque chose que l'on fait au début d'une carrière pour mettre les choses en route. C'est une activité à laquelle on consacre du temps tout au long de sa carrière, car elle permet d'entrer en contact avec d'autres personnes qui s'intéressent à ce que l'on aime. Et établir des liens avec de futurs collaborateurs. C'est vraiment une chose excitante et amusante à faire.
David : Il n'y a pas qu'une seule façon de faire. C'est ce que j'aime dans l'animation. Si vous êtes intéressé par le secteur de l'animation et que vous n'avez pas encore vraiment tâté le terrain, vous pouvez créer une page Instagram ou poster des tests d'animation. Ou de petits éléments de contenu autonomes. Et commencez à demander : "Avez-vous des aptitudes pour l'animation ? Avez-vous l'intérêt ? La vision ? Le désir de vous réveiller le lendemain matin et de réaliser le prochain film ?" Je pense qu'il s'agit là de marqueurs très importants pour déterminer si vous devriez, à n'importe quel âge, vous engager dans un autre domaine. Et je le recommande également aux étudiants.
