Johnny Tesoro de Bardel Entertainment nous parle du rigging subtil dans l'animation de Carol & the End of the World

Dans la comédie dramatique Carol & the End of the World de Netflix, une planète se précipite vers la Terre. Une mort imminente est inévitable. La plupart des êtres humains se lancent dans une course à l'hédonisme pour tenter de vivre pleinement leurs derniers jours. Mais pas Carol.

Malgré l'insistance de son entourage, Carol veut simplement poursuivre sa routine. À la fin de tout, elle parvient enfin à établir des liens et à comprendre les gens qui partagent ses idées et commence à vivre pour la première fois - selon ses propres termes, tranquilles et doux. Animée par Bardel Entertainment, Carol & the End of the World est une série animée très inhabituelle, dans le meilleur sens du terme.

Nous avons eu la chance de nous entretenir avec Johnny Tesoro, responsable de l'animation chez Bardel Entertainment, au sujet de l'animation subtile dans Carol & the End of the World, des héroïnes improbables et de la création d'une histoire d'apocalypse au cours d'une pandémie mondiale.

Quel a été l'implication de Bardel dans Carol & the End of the World?

Johnny : Il arrive que les clients nous demandent des choses différentes. Parfois, ils nous fournissent un scénario et nous nous occupons de tout le reste.

[Netflix] avait un directeur artistique de son côté. Ils avaient une équipe de scénaristes, alors nous avons fait tout ce que nous appelons la post-production. Les décors, la construction, les personnages, l'animation, les effets, l'animation, le compositing et l'éditorial. Ce qui est très similaire à la façon dont nous avons contribué à Rick and Morty et Solar Opposites.

En ce qui concerne l'animation des personnages, c'est relativement évident. Nous nous occupons de la pose et de l'animation des effets. Parfois, le client recherche un effet très spécifique et nous fournit un modèle. Mais bien souvent, notre équipe chargée des effets est simplement chargée de faire des recherches et du développement par ses propres moyens.

Notre tour de magie consiste à ne pas révéler au public que nous réalisons un pipeline découpé, ce qui nécessite beaucoup de dessins à la main. Tous les personnages ne sont pas redessinés. Mais nous redessinons judicieusement les mains, par exemple, ou les traits du visage, ou les torses, pour donner une impression de trois dimensions que l'on verrait davantage dans un film en prises de vues réelles ou dans un film en 3D.

Les expressions faciales et le langage corporel sont tellement nuancés que le public pourrait douter qu'il s'agisse d'un film réalisé dans un pipeline découpé.

Johnny : Je suis très heureux que ce soit votre réaction, car s'il y a eu un moment de doute dans votre esprit, c'est qu'il s'agissait d'un pipeline découpé et que nous avons fait notre travail correctement.

Je dois également reconnaître la puissance de Toon Boom Harmony en ce qui concerne l'animation des personnages. Bien souvent, lorsque nous travaillons sur des détails nuancés dans la performance, en particulier pour le jeu d'acteur, l'utilisation de déformateurs et d'outils d'animation est essentielle. L'utilisation de déformateurs et la façon dont Harmony nous permet de faire du rig nous permet d'avoir une performance de très haute qualité que vous n'obtiendriez pas avec un autre logiciel.

Et cela ne cesse de s'améliorer. Nous avons récemment assisté à une démonstration d'Harmony 24 et nous avons pu constater à quel point la puissance de ces nouveaux déformateurs est impressionnante! Et nous étions déjà relativement satisfaits de ce qui existait déjà dans Harmony 20 et actuellement dans 21 pour nous. Je pense que la puissance d'Harmony permet aux créateurs et aux studios comme nous de raconter des histoires que l'on ne pourrait pas raconter avec d'autres logiciels.

Comment s'est déroulée la création d'une pièce intime sur la fin du monde? D'une certaine manière, c'est comme si nous avions tous survécu à notre propre version de la fin du monde.

Johnny : Il était rafraîchissant d'essayer quelque chose de différent en termes d'ambiance et de ton par rapport à ce que nous avons l'habitude de voir dans le domaine de l'animation.

À mon avis, cependant, je ne pense pas qu'il y ait eu un lien entre la pandémie et l'histoire. La manière dont nous racontions l'histoire était au premier plan de nos préoccupations. Nous travaillions pendant la pandémie. Il y a beaucoup d'incertitude et le travail était une distraction bienvenue pendant cette période. Je pense donc que nous nous sommes concentrés sur la réalisation de quelque chose de beau et d'artistique.

Mais dans le cas de Carol, il s'agit plutôt de trouver un endroit où s'intégrer, malgré le chaos de sa situation. Elle trouve une tribu de personnes partageant les mêmes idées et qui font face à leur destin imminent de la même manière, par la distraction et la répression.

Je pense que le parallèle avec la pandémie est un peu limité, car dans le monde réel, nous avions tous de l'espoir. En fin de compte, nous espérions tous qu'il y aurait un vaccin. Nous espérions tous que cette situation serait temporaire. L'histoire de Carol montre plutôt comment nous nous comporterions s'il n'y avait pas d'espoir. Mais le divertissement pendant la pandémie était la vocation de notre industrie et nous espérons avoir apporté un peu de légèreté dont nous avions bien besoin à ce moment-là.

Carol elle-même est un choix d'héroïne vraiment rafraîchissant, surtout dans une histoire de fin du monde. Comment s'est déroulée la création d'une série sur une femme d'âge moyen aux manières douces?

Johnny : Vous savez, c'est vraiment rafraîchissant que le créateur ait décidé d'utiliser un personnage féminin dans cette histoire. Et aussi une femme d'âge moyen. Et une femme qui a un affect très plat.

En particulier au début de son arc, elle souffre de dépression. Du point de vue de l'animation, elle est très discrète. C'est donc l'antithèse des mouvements caricaturaux, ce que la plupart des animateurs ont l'habitude d'animer. Nous avons donc dû trouver un moyen de la rendre intéressante, tout en restant fidèles à son stoïcisme.

Cependant, l'arc de son personnage change et elle devient plus animée - pardonnez le jeu de mots - au fur et à mesure que la série progresse. C'était vraiment très amusant et étonnant d'essayer de changer la façon dont elle se comporte du premier au dernier épisode. Beaucoup d'entre nous ont apprécié qu'elle soit sur une moto et qu'elle fasse du surf autour du monde. C'était une façon très convaincante et gratifiante d'aborder l'animation.

Dans l'animation de personnages, par exemple, nous recherchons toujours des accents dans les dialogues. Le volume et le ton changent. Et Carol est vraiment, vraiment plate. Nous en parlions beaucoup en réunion. Comment la rendre encore intéressante?

Elle est le personnage principal. Le public va-t-il graviter autour d'elle? Vont-ils être repoussés par elle parce qu'elle est si plate? La solution que nous avons trouvée a été la juxtaposition entre elle et les personnages plus animés, comme Louise, qui est une boule de positivité. C'était très amusant.

J'adore la nourriture, alors je vais utiliser une analogie alimentaire. C'est comme une tarte. Il y a un peu de sel pour rendre le goût sucré encore plus doux. Ce qui a rendu les séquences et les scènes plus convaincantes, c'est de la montrer en train de jouer avec ses parents, par exemple, dans le premier épisode. Ils sont nudistes.

Cela m'a rappelé la série Daria de MTV. C'est l'une des rares séries où le personnage principal est l'homme de la situation. L'essentiel de l'humour vient du fait que Daria garde la tête froide alors que tous les autres personnages sont ridicules. Dans Carol & the End of the World, nous en apprenons beaucoup sur Carol, pas nécessairement dans ce qu'elle exprime, mais dans la façon dont elle réagit.

Johnny : Je suis tout à fait d'accord. Et je pense qu'aussi grégaire ou extraverti que nous puissions être, il y a toujours un mélange de traits de personnalité. Je pense qu'elle peut plaire à un large public. Il y aura toujours quelqu'un qui se sentira un peu ambigu par rapport à ce qui se passe autour de lui. Nous avons tous des moments comme ça.

Pour en revenir à Harmony, les autres logiciels d'animation ne permettent pas d'obtenir des mouvements subtils, très lents et nuancés comme le fait Harmony. Parfois, si vous déplacez un personnage très, très légèrement, il est perdu, parce que pour une raison quelconque, le logiciel ne peut pas suivre de très petits incréments de mouvement. La puissance d'Harmony a donc été de pouvoir prendre un personnage très, très lent, méthodique, introverti et d'obtenir de très belles pauses dans l'interprétation et dans la performance.

Nous avons fait ce test d'animation que j'adore et qui n'a jamais été diffusé. Elle est dans sa chambre. Elle se dirige vers sa commode et se regarde dans le miroir, et il y a une pause très longue. Et tout est fait avec ses yeux.

Nous voulions voir à quel point nous pouvions animer avec subtilité en utilisant Harmony. Comment pouvions-nous la maintenir immobile tout en racontant une histoire, sans avoir recours à des artifices. Je pense que nous y sommes parvenus assez bien. Puis elle s'éloigne, se dirige vers le bord de son lit et se laisse tomber, montrant la juxtaposition d'un très petit mouvement à un mouvement plus important.

Miyazaki parle de l'importance du « ma » dans l'animation, des pauses entre les moments. J'ai trouvé que Carol avait bien saisi cela. On peut sentir les personnages réfléchir. Ce genre de nuances, ce genre d'immobilité n'est pas la norme dans l'animation.

Johnny : Je suis d'accord avec vous. Je n'arrête pas de penser à l'arc de son personnage et au tout premier épisode pilote. [Le réalisateur] Dan [Guterman] capture la solitude d'une manière vraiment étonnante. Et je pense que c'est en grande partie grâce aux pauses. Dans une scène, elle prépare son petit-déjeuner. Et il y a des fondus enchaînés très longs.

Cela montre la solitude d'une personne qui vit seule alors que le monde entier cherche à se connecter. Et elle veut juste qu'on la laisse tranquille à cause de sa santé mentale. Il est difficile de raconter cette histoire. C'est un message très, très profond et difficile à transmettre au public. Je pense qu'il l'a magnifiquement capturé, rien qu'avec l'endroit où nous plaçons la caméra, cet espace négatif.

Pour moi, tout cela relève du génie et de la maîtrise et je pense que le film l'a bien rendu. Ce n'est pas quelque chose que l'on voit souvent, en particulier dans l'animation 2D. Nous sommes un peu comme si nous faisions clignoter des lumières brillantes sur les gens et que nous essayions de les distraire.

C'est intéressant quand on donne tout de suite le rythme et le ton. Ceci va être un peu plus ésotérique. Nous voulons que vous vous glissiez profondément dans ce bain chaud qu'est l'univers de Carol.

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