Leo Garcia sur le télétravail et l'art du story-board

Leo Garcia est un artiste de storyboard qui a débuté dans l'industrie en tant que stagiaire de production à Cartoon Network en 2016. Il est ensuite devenu artiste compositeur junior au Studio Duncan en 2018, avant de se lancer dans le storyboarding. Aujourd'hui, il est réviseur au conseil d'administration de Nickelodeon.

Nous avons rencontré Leo pour en savoir plus sur son parcours dans le domaine du storyboard. Nous discutons de sa carrière de storyboarder, de son expérience de télétravail depuis le Mexique, ainsi que de deux de ses projets personnels, Frog King et Package Deal.

Comment avez-vous commencé à vous intéresser à l'animation et comment cet intérêt s'est-il transformé en carrière ?

Leo : J'étais un enfant classique, j'adorais dessiner. J'étais assis en classe et je dessinais des bandes dessinées avec mes amis. La maison de mon enfance était très centrée sur l'animation, nous avions une longue étagère entièrement remplie de cassettes VHS de films classiques de Disney, comme Blanche-Neige et Cendrillon. Ma famille connaissait ces cassettes sur le bout des doigts. Nous avons également regardé de nombreuses séries télévisées sur Nickelodeon.

Mais lorsque le lycée est arrivé, j'ai perdu tout intérêt pour ce sujet. Quelques années plus tard, lorsque je suis entré à l'université, j'ai réalisé que j'étais curieux de l'animation. Mais comme je n'avais pas dessiné depuis mon enfance, je ne pensais pas être assez bon pour entrer dans un programme d'animation. Au lieu de l'animation, j'ai décidé de me spécialiser dans le cinéma. Dans ce programme, nous avions une classe où nous devions faire beaucoup de coordination ; je devais engager des acteurs, repérer des lieux de tournage. J'étais stressée à l'idée de faire cela parce que je ne suis pas très sociable, je n'aime pas vraiment parler aux gens.

J'ai réalisé que si j'étais étudiant en animation, je pourrais dessiner tout cela. C'est à ce moment-là que j'ai décidé que l'animation était ce que je voulais faire. J'ai donc commencé à consacrer tous mes efforts à l'amélioration du dessin et à l'apprentissage, et j'ai finalement opté pour une spécialisation en animation. Lorsque j'ai obtenu mon diplôme, j'ai effectué un stage à Cartoon Network. Ce stage m'a permis d'acquérir une véritable expérience de l'animation dans le monde entier, ce qui a véritablement cimenté ma passion pour ce secteur.

Comment s'est déroulée votre carrière depuis la fin de vos études ?

Leo : Je suis maintenant un artiste de storyboard. Je travaille en freelance, mais j'ai aussi accepté des contrats à temps plein avec des studios. Le projet le plus récent sur lequel je travaille est Kamp Koral chez Nickelodeon. Ma position sur la série est celle d'un révisionniste animatique. C'est un travail amusant parce que je peux ajouter des blagues ici et là.

Récemment, nous avons fait un gros épisode pour lequel ils avaient besoin d'une aide supplémentaire, alors j'ai été engagée en tant que "plusser". Nous prenons l'épisode et le remodelons légèrement en ajoutant des blagues, en donnant du punch à certaines blagues et en ajoutant des poses amusantes. C'était très gratifiant. Le fait de participer à Kamp Koral m'a beaucoup appris sur la comédie burlesque, ce qui n'était pas le cas auparavant.

En tant qu'artiste actuellement basé au Mexique, avez-vous tendance à travailler principalement avec des studios américains ou travaillez-vous également au niveau local ?

Leo : Juste après avoir obtenu mon diplôme universitaire, je suis allé au studio Duncan à Pasadena pour travailler sur les effets visuels de Mary Poppins Returns. Cet emploi a été obtenu grâce à un ami que j'avais rencontré en ligne et qui venait de décrocher un emploi dans cette entreprise. Elle m'a recommandé et j'ai été engagé. Depuis, j'ai également travaillé sur des projets au Mexique. J'ai participé à Villainous, une série produite par A.I. Animation Studios pour Cartoon Network et HBO Max. J'ai fait du storyboard pour cette série, puis j'ai été repéré pour participer à une émission de Netflix appelée Wonderoos.

La beauté du secteur de l'animation aujourd'hui, c'est qu'il existe de nombreuses possibilités de travail à distance, ce qui m'a permis de travailler pour des studios aux États-Unis et au Mexique. Il s'agit d'un changement récent qui s'est produit en raison des restrictions imposées par les pandémies au cours des dernières années. Cela a obligé l'industrie à trouver des moyens de faire fonctionner le modèle du travail à domicile. Je me souviens avoir entendu dire, avant la pandémie, que le travail de révision ne pouvait pas être effectué à distance parce qu'il nécessitait beaucoup de collaboration et de communication. Mais quatre ans plus tard, les révisions à distance se passent très bien.

Trouvez-vous qu'il existe des différences entre les studios américains et les studios mexicains ?

Leo : Je trouve qu'il y a des différences. Ici, au Mexique, l'industrie de l'animation est principalement axée sur l'externalisation. Beaucoup de travaux commerciaux, beaucoup de publicités et de travaux spécifiques. Bien que nous fassions beaucoup de travaux d'animation, nous n'avons jamais eu de filière complète pour une émission réalisée ici.

C'est ce qui rend Villainous si unique. Il ne s'agissait pas seulement d'un spectacle mexicain. C'est une émission de Cartoon Network qui a fait irruption sur la scène mondiale. Il s'agissait d'un travail différent du travail commercial habituel effectué ici au Mexique. La production de séries télévisées est relativement récente ici, et il y a donc quelques problèmes de croissance, mais je suis impatient de voir comment l'industrie se développe ici.

Pour ce qui est de comparer l'industrie mexicaine à l'industrie américaine, je dirais que la plus grande différence réside dans le fait que l'industrie américaine de l'animation existe depuis si longtemps. Elle est très bien établie dans tous les formats d'animation, qu'il s'agisse de longs métrages, de séries ou de travaux commerciaux.

Pouvez-vous nous dire comment vous avez appris à utiliser Storyboard Pro et comment il vous a aidé tout au long de votre carrière ?

Leo : Lorsque j'étais à l'université, il y avait un cours sur la conception d'écrans. C'était la première fois que je montais à bord d'un bateau, et j'ai dû utiliser Photoshop pour le faire. Je me souviens d'avoir trouvé frustrant d'aborder Photoshop parce qu'il n'offrait pas les fonctionnalités dont vous aviez besoin. Par exemple, il est très difficile d'embarquer quelque chose quand on ne peut pas aller d'un panneau à l'autre.

Ce n'est que lors d'un autre cours à l'université que j'ai appris à utiliser Storyboard Pro. C'était un cours très amusant, car nous devions tous réaliser un court métrage en seulement dix semaines. Tout au long du processus, nous n'avons reçu que peu ou pas de commentaires, si ce n'est que nous avons présenté notre travail pour qu'il soit critiqué. L'objectif était vraiment de pousser chaque élève à créer sa propre vision.

Pendant ces dix semaines, j'ai appris Storyboard Pro et Harmony. C'était une période très amusante parce que j'apprenais non seulement à utiliser le logiciel, mais aussi à l'utiliser à mon avantage. Lorsque j'ai travaillé sur mon film de thèse, mon approche du story-board s'était transformée en un flux de travail très familier que j'utilise encore aujourd'hui.

Qu'est-ce qui vous plaît le plus dans le métier de storyboarder ?

Leo : J'adore le fait que le storyboard ressemble à un grand puzzle pour moi. Lorsque je commence et qu'il n'y a rien sur la page, j'ai généralement imaginé plusieurs moments clés dans ma tête. Je commence par noter ces moments. À partir de là, je travaille à rebours pour compléter les pièces manquantes. C'est un véritable casse-tête que de savoir comment j'arriverai à ces moments clés.

J'aime aussi la façon dont le storyboard peut être utilisé pour communiquer visuellement des choses qui ne sont pas dans le dialogue, ou des choses qui pourraient être implicites. C'est vraiment passionnant d'utiliser un langage visuel plutôt que de transmettre une histoire au public. En tant que storyboarder, je joue un rôle important dans la création de ce langage visuel.

En plus d'utiliser le dessin pour communiquer, je peux aussi m'amuser en cachette. Je peux dissimuler des éléments en arrière-plan d'une scène ou créer des œufs de Pâques que le public doit trouver.

Pourriez-vous nous parler un peu de votre processus de scénarisation ? Comment abordez-vous le story-board ?

Leo : Si je commence le processus de storyboarding à partir d'un scénario, j'aime le décomposer en différentes difficultés. Je décide des scènes qui seront les plus difficiles à scénariser, de celles qui seront de difficulté moyenne et de celles qui seront les plus faciles.

Ensuite, je fais autant de vignettes que possible, en les abordant par niveau de difficulté. Cette étape de la vignette n'a pas besoin d'être précieuse. Je me contente généralement de griffonner des vignettes à la main sur du papier légal. Étant donné qu'une vignette ne peut contenir qu'un nombre limité d'éléments, j'utilise cette partie du processus pour déterminer les éléments de base, tels que l'aspect d'une silhouette, le type d'éléments que j'introduirai dans les prises de vue et ce qu'il faut communiquer avec chaque prise de vue. Étant donné que les vignettes présentent peu d'enjeux, c'est la partie du processus qui permet d'essayer différentes choses. La mise en place de vignettes est fastidieuse, mais très importante. C'est la feuille de route à laquelle je me réfère lorsque je commence à embarquer.

Une fois que j'ai commencé à le numériser, j'aime commencer par des poses faciles, comme des têtes parlantes. Avec ces scènes, je peux généralement passer directement au nettoyage. Pour les scènes plus complexes, j'aime ajouter une ébauche, c'est-à-dire passer d'une vignette à une ébauche, puis au nettoyage. Le nettoyage est très amusant parce que si vous avez un bon modèle, vous pouvez expérimenter la façon de transporter ce personnage dans des poses.

En bref, mon processus consiste à aller de l'ébauche au nettoyage en passant par les ébauches. Je dirai cependant que je saute un peu partout. J'ai indiqué que je marquais les scènes en fonction de leur difficulté. En effet, j'aime commencer par les scènes les plus difficiles. Et dans les moments où je n'ai pas envie de relever un défi, je peux facilement changer de vitesse pour travailler sur une scène plus simple.

En tant que réviseur de scénarimages, quelles sont les fonctions les plus utiles de Storyboard Pro ?

Leo : La fonction de table lumineuse de Storyboard Pro est une véritable bouée de sauvetage. Sans cela, je ne serais pas en mesure de faire les conseils que je veux faire. Il est très utile de suivre l'évolution de la situation dans ce même panneau. Il m'arrive de copier un poste d'une scène antérieure dans un nouveau panneau, puis d'utiliser la table lumineuse pour le référencer, afin que les tailles restent cohérentes.

L'auto-matte est mon autre fonction préférée. Le fait de pouvoir appuyer sur un bouton et d'avoir un personnage effacé me fait gagner beaucoup de temps.

Vous avez publié sur votre site les story-boards de deux de vos projets personnels, Frog King et Package Deal. Qu'est-ce qui a inspiré ces deux histoires ?

Leo : Frog King est l'un des premiers échantillons que j'ai réalisés peu après l'université. Je voulais vraiment créer un extrait où l'on ne sait pas exactement ce que font les personnages, ni où ils vont. Je n'avais pas écrit beaucoup de dialogues auparavant, et c'est pourquoi j'ai mis l'accent sur ce point lors de la création de Frog King. C'était amusant de prendre ce petit morceau d'une histoire plus grande, et de trouver comment communiquer au public de petites bribes de ce qui se passait dans le récit plus large. Il s'agissait d'un défi, car je ne pouvais pas donner aux spectateurs tous les détails. J'ai plutôt essayé de donner suffisamment d'informations pour que l'histoire puisse être suivie et qu'elle soit intéressante.

Les deux personnages principaux de l'échantillon sont des enfants qui ont des graines pour têtes. C'est peut-être drôle, mais si j'ai choisi de faire des semences, c'est en partie parce que je voulais une excuse pour dessiner beaucoup de plantes ! Mais j'ai aussi trouvé que les graines étaient un excellent moyen d'illustrer l'idée de grandir. Par exemple, la sœur cadette des deux enfants a un germe, ce qui signifie qu'elle est plus mature que son frère aîné, qui n'a pas encore son germe.

Mon autre échantillon, Package Deal, faisait en fait partie d'un test pour un spectacle comique à Disney. On m'avait demandé de rédiger une histoire originale de mon cru. Les seules consignes étaient que l'histoire devait mettre en scène deux enfants vivant une aventure dans une ville. À l'époque, j'étais allé à New York une fois dans ma vie et j'avais trouvé le métro très amusant. À partir de là, j'ai su que je voulais que ces deux enfants utilisent le métro de New York pour livrer quelque chose, alors que l'un d'entre eux s'inquiète de leur niveau de maturité. Vous remarquerez peut-être que la tension liée au fait de grandir est un thème de mon travail !

La création de Package Deal a été pour moi l'occasion de me lancer dans l'écriture d'une comédie, et j'ai également trouvé que les décors étaient amusants. L'une des choses que j'ai préférées dessiner dans cet échantillon, c'est lorsque les deux enfants sont assis dans le métro et qu'ils sont éclairés par des lumières qui se déversent sur eux. J'aime me laisser aller à de petits moments comme celui-là.

Avez-vous des conseils à donner aux artistes d'animation en devenir ?

Leo : Je pense qu'il est très important de faire des choses qui vous passionnent. Il est très facile de tomber dans cet état d'esprit où l'on essaie de faire ce que l'on sait que les studios et les recruteurs veulent voir. Mais je trouve que lorsque vous faites quelque chose qui vous ressemble, votre enthousiasme et votre passion se manifestent davantage. Ne vous inquiétez pas si vos idées sont trop bizarres ou pas assez bonnes. Faites quelque chose pour vous.

Par exemple, personne ne m'a dit que les gens voulaient voir Frog King. C'était l'un de ces projets que j'avais envie d'écrire. Je me suis donc dit, pourquoi ne pas en faire un échantillon. En fin de compte, j'ai constaté que les gens réagissaient mieux à Frog King qu'à tous les films que j'ai réalisés et qui répondaient à des attentes. Allez-y et faites des choses qui vous rendent heureux !

Avez-vous des projets à venir que vous aimeriez partager ?

Leo : Je suis en train de développer un roman graphique intitulé Galaxy Vacation. Il s'agit d'une tragédie romantique entre deux garçons extraterrestres. L'histoire est pleine de drame et centrée sur les relations interpersonnelles. C'est très gratifiant d'écrire et de dessiner, et je suis donc très enthousiaste à propos de ce projet.

Galaxy Vacation est en fait né d'un projet d'émission, mais je ne voulais pas attendre pour le réaliser. J'ai réalisé que je pouvais tout simplement commencer à travailler sur l'histoire sous forme de roman graphique. J'apprécie ce format parce qu'il m'appartient totalement. Je n'ai pas besoin de le présenter à qui que ce soit, ni de faire des présentations. Le développement d'un spectacle ou d'un film peut impliquer de nombreuses autres parties. Mais en réalisant ce projet moi-même, je peux vraiment me concentrer sur ma propre vision.

J'ai récemment terminé la première version de l'ébauche, et j'ai maintenant beaucoup de commentaires sur le développement visuel de la part de personnes en qui j'ai vraiment confiance. Il faudra un certain temps avant qu'il ne soit terminé, alors restez à l'écoute. J'aimerais beaucoup qu'il soit publié, mais d'abord, je veux qu'il soit diffusé, alors je vais le publier en ligne.

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