Sphere Animation sur l'animation de la violence outrageante dans Red Ketchup

Red Ketchup est à l'origine une série de bandes dessinées culte publiée au Québec. Apparu en 1982 comme personnage secondaire dans Michel Risque, écrit par Pierre Fournier et illustré par Réal Godbout, Red est un super-soldat albinos du FBI qui a un penchant pour la drogue et la violence. Il devient instantanément le favori des fans, et Fournier et Godbout se mettent au travail pour créer sa propre série.

Une nouvelle série animée inspirée de la bande dessinée Red Ketchup , produite par Sphere Animation et réalisée par Martin Villeneuve, a été lancée sur Télétoon en avril. Nous avons rencontré Logan Schinbeckler (superviseur de l'animation), Diego Serra (directeur de l'animation) et Judith Beauchemin (productrice) pour discuter du processus d'adaptation d'une bande dessinée détaillée et pleine d'action en animation.

Comment décririez-vous votre rôle dans ce projet et à quoi ressemblait une journée typique de production pour vous ?

Diego : Je suis le réalisateur des épisodes de la série. Je suis responsable de l'interprétation visuelle des scénarios, je donne des directives à l'équipe du storyboard et je travaille avec le monteur à la création des animatiques qui seront ensuite transmises aux autres départements.

J'ai aidé à superviser la création réalisée par nos techniciens de conception et nos compilateurs, et je discute avec le superviseur de l'animation, Logan. Nous discutons, nous résolvons des problèmes. J'aide à résoudre les problèmes techniques que nous rencontrons lors de la production des épisodes. C'est à peu près ce que je fais pour cette émission.

Logan : Je suis le superviseur de l'animation. Mon travail est probablement un peu plus simple que celui de Diego, je pense. Je passe environ la moitié de mon temps à vérifier l'animation - vérifier les scènes, m'assurer que les choses sont faites correctement, chercher des révisions, chercher des problèmes, des choses comme ça.

L'autre moitié de mon temps est consacrée à la résolution de problèmes, à la coordination avec d'autres départements, avec d'autres superviseurs, avec la production, à la préparation de l'épisode suivant, etc. C'est à peu près moitié-moitié entre l'épisode que nous sommes en train de faire et le reste.

À quoi ressemblait le cahier des charges de ce projet ?

Diego : C'est une question à laquelle Martin Villeneuve, qui est le réalisateur de la série, répondra probablement mieux, mais j'ai vu le cahier des charges. Il s'agit d'une bande dessinée originale de Red Ketchup datant des années 1980. Dans ce dossier, nous avons également appris qui seraient les personnages de la série et quels seraient les lieux où se dérouleraient les histoires.

Nous avons également discuté du style. Nous nous sommes évidemment inspirés de la bande dessinée, mais il y a aussi d'autres références visuelles. Tintin, Dick Tracy, nous avons eu quelques Sin City, Terminator, Rambo. Nous avons essayé de nous inspirer le plus possible de tout ce qui s'est passé dans les années 1980 et qui a eu une grande influence, et de l'intégrer dans notre travail. Visuellement, ce spectacle est donc très riche. Vous pouvez apprécier certaines de ces influences.

Je sais avec certitude que Réal Godbout, l'un des créateurs de la bande dessinée, s'est beaucoup inspiré du Frankenstein de Mary Shelley pour créer Red Ketchup . Pour raconter l'histoire, Red Ketchup est un super soldat. Il a été créé par un sérum fourni par le Dr. K. Nous nous sommes assurés que nous le voyons dans le flashback que nous avons créé pour la série.

Il y a aussi des passages où le Dr K est obsédé par l'idée de recréer ce qu'il a fait avec le Red Ketchup. Et il essaie d'inventer des clones. Il crée les clones mais ne parvient pas à créer le même type de super-soldat. Dans certains épisodes ultérieurs, on voit des clones qui ont été détruits par Red Ketchup, et un autre personnage les reconstitue. On peut donc y voir les influences de Frankenstein .

Logan : Et visuellement, il y a aussi des choses. Red est très stoïque et rigide, il est très grand et très rectangulaire. Il y a donc aussi de petites allusions visuelles.

Red Ketchup est un film d'action. À quoi ressemblait le processus de scénarisation des épisodes ?

Diego : Cela a été un véritable défi. C'était quelque chose que la plupart d'entre nous ne connaissaient pas vraiment. Nous avons dû apprendre les choses à la dure. Il ne s'agit pas d'un film. Nous avons dû adapter toutes nos scènes d'action à un pipeline en 2D, qui ne dispose pas des mêmes budgets que le cinéma.

Nous avons donc dû réfléchir à la manière de rendre le spectacle divertissant, tout en gérant les ressources dont nous disposons pour la production et en veillant à ce que le processus soit cohérent pour les vingt épisodes que nous avons.

Nous avons définitivement établi un ensemble de règles. Nous avons créé de multiples façons de rendre cela très attrayant pour le public. Nous coupons beaucoup à l'action. Nous simplifions le jeu des personnages. Nous avons donc introduit l'élément des cartes de couleur, qui sont utilisées dans les bandes dessinées, pour montrer les révélations, les émotions, voire la censure.

Nous avons parfois des moments très sombres dans la série, et nous voulons être ouverts à tous les publics. Nous ne voulons pas perturber les différents publics. Il y a donc des scènes sanglantes que nous avons essayé d'atténuer en utilisant des silhouettes et des cartes de couleur. Nous avons dressé une longue liste d'astuces ou de techniques de scénarimage. Et nous sommes très fiers du résultat.

Quels ont été les défis à relever pour adapter une bande dessinée à une série animée ? Quels changements ont dû être apportés ?

Diego : Il y en a beaucoup. Dans les bandes dessinées, il y a beaucoup plus de personnages. Si vous lisez les bandes dessinées, vous constaterez qu'elles sont riches en personnages, en lieux et en accessoires. Mais comme je l'ai déjà dit, il s'agit d'un pipeline en 2D - nous devons nous assurer que nos actifs sont limités. Il y a donc malheureusement des personnages que nous ne verrons pas dans la première saison.

Il s'agit d'essayer de réduire et d'être concis sur la quantité d'histoires qui ont été racontées dans les bandes dessinées. Je crois que nous avons basé nos épisodes sur seulement trois bandes dessinées sur les neuf proposées par Réal et Pierre.

L'histoire n'est donc pas nécessairement celle des bandes dessinées. Il s'agit d'une adaptation pour la télévision et c'est quelque chose que le public doit savoir. Si vous êtes un fan inconditionnel de Red Ketchup, vous ne verrez peut-être pas les choses de la même manière. Vous verrez peut-être qu'il s'agit de Red dans une nouvelle situation, confronté à de nouveaux défis.

La bande dessinée a été écrite dans les années 1980. Nous essayons d'intégrer la culture actuelle. Nous essayons de respecter le public. Et peut-être que nous essayons d'atténuer le langage ou la violence utilisés dans les bandes dessinées.

Mais l'essence du personnage, l'essence du spectacle, est toujours là.

Judith : Une autre différence est que la série est sérielle. C'est différent des bandes dessinées, nous avons donc dû reprendre certaines histoires des bandes dessinées et les intégrer dans un arc qui s'étend sur vingt épisodes.

Red ressemble beaucoup à son homologue de la bande dessinée. À quoi ressemblait l'étape de la conception des personnages ? Qu'avez-vous inclus dans les bandes dessinées et qu'avez-vous laissé de côté ?

Diego : Il y avait beaucoup de détails. Le travail au trait de Réal est très détaillé. Vous avez des plis dans les vêtements, des rayures dans les chemises. C'est un travail très riche, très beau. Mais pour un pipeline en 2D, nous devons toujours simplifier. Vous pouvez donc constater que le personnage est très proche de la bande dessinée, mais ils sont en fait légèrement différents.

Nous avons dû créer les volumes et les rendre animables. Nous avons dû simplifier un grand nombre de lignes. Un exemple clair est la chemise de Red - je ne sais pas combien de lignes sa chemise avait. Nous avions environ six lignes. Nous avons dû les réduire à trois. De plus, s'il se déplace et pivote, ces lignes créent un motif qui peut distraire le public.

Les cheveux de Sally étaient également assez fous. Il y a beaucoup de vagues, beaucoup de boucles. Nous avons vraiment dû le simplifier et l'adapter à l'animation.

Logan : C'était juste simplifier, simplifier, simplifier. Aussi fantastiques que soient certaines de ces illustrations, il y a un peu plus de latitude pour modifier légèrement les proportions d'un personnage d'une planche à l'autre, par exemple, parce qu'il y a beaucoup plus de détails et qu'il y a beaucoup de travail au trait.

Dès que vous transformez quelque chose en dessin animable, en tout cas dans un système Harmony, il y a moins de place pour la différence entre les vues dans un spectacle comme celui-ci, où il y a beaucoup de profondeur et beaucoup de dessin.

De plus, tout le monde porte des vêtements et l'œuvre originale comporte de nombreuses draperies. Beaucoup de vêtements, beaucoup de costumes, beaucoup de tissus suspendus, beaucoup de plis dans le tissu. À un moment donné, lors d'une phase de R&D, j'ai fait un passage entier où j'ai simplement passé en revue les lignes et y ai apposé des croix. Il était trop difficile de l'animer. Il y a trop de choses à suivre et trop de choses à faire avancer.

Des choix très prudents et conscients ont été faits pour s'assurer que le film ressemble toujours beaucoup à la bande dessinée, même si les détails sont en fait très différents.

Diego : Oui, nous avons conservé l'essence des personnages. Et heureusement pour nous, le logiciel avec lequel nous travaillons a cette ligne précise, une ligne texturée, qui imite également l'encre des bandes dessinées. C'est un très bon outil que nous avons utilisé en termes de conception.

Nous avons également travaillé en étroite collaboration avec Réal Godbout. Il consultait au moins les personnages principaux de la série. Nous avons donc pris les références, nous lui avons parlé. Il y a toujours eu un va-et-vient sur ce à quoi Red devait ressembler.

Je dois dire que la chemise était un problème majeur. C'était l'une de ces choses. Réal voulait vraiment conserver l'essence du personnage et rester aussi proche que possible de ce qu'il faisait dans les bandes dessinées. Mais je pense que nous avons fait du bon travail.

Quelles techniques et quels programmes avez-vous utilisés pour animer la série ?

Logan : Il s'agit essentiellement d'Harmony et de Storyboard Pro. Et Photoshop pour une partie de la conception. Les coloristes utilisaient Photoshop. J'ai utilisé Photoshop de temps en temps pour telle ou telle chose. Plusieurs personnes peuvent passer dans Photoshop pour faire une retouche ou réparer quelque chose.

Mais il s'agit d'une véritable harmonie de l'avant à l'arrière. Même la conception - nous commençons à faire de plus en plus de conception dans Harmony également. Nous allons donc aller jusqu'au bout de la complication dans Harmony.

Quels ont été les défis et les avantages de la représentation de l'action et de la violence dans une série animée ?

Diego : La violence dans l'animation est toujours un défi. Les combats sont toujours difficiles parce qu'il y a une interaction avec les personnages. Dans ce spectacle, il y a aussi beaucoup de baisers, donc il n'y a pas que la violence. Tout ce qui a trait aux interactions entre les personnages est toujours intéressant. Il s'agit toujours d'un défi à relever.

Inutile de préciser qu'il s'agit d'un spectacle violent. Il y aura toujours des moments d'impact. Poser les personnages en train de bouger, de se frapper, de s'entrechoquer, c'était nouveau pour beaucoup de gens qui ont travaillé sur la série. Je dirais que 90 % des artistes participant à l'émission sont issus d'un milieu préscolaire. Il s'agit donc d'un changement complet de mentalité.

Nous devons nous adapter, nous assurer que nous voyons et pensons comme Red Ketchup. C'est complètement différent. Il a fallu quelques épisodes pour trouver le bon style, mais maintenant nous avons atteint notre vitesse de croisière et tout le monde sait ce que l'on attend de la série.

Logan : Chaque animateur est différent, et une partie de mon travail consiste à apprendre à les connaître et à cerner leurs forces et leurs faiblesses. Diego a mentionné que les combats, l'ivresse et la danse sont en quelque sorte les choses les plus difficiles pour les animateurs. Mais beaucoup d'animateurs aiment aussi beaucoup ces choses parce qu'elles sont difficiles et intéressantes.

Heureusement, nous avons quelques animateurs qui sont très enthousiastes à l'idée de faire de la violence et qui sont également très bons dans ce domaine. Nous avons donc un petit groupe qui constitue en quelque sorte notre équipe de combat. Il y a aussi des questions de continuité, il faut s'assurer que si l'on fait un montage, les deux scènes ont un sens ensemble.

Il faut un artiste qui puisse faire cette scène de combat parce qu'il y a beaucoup de coupes. Il y a peut-être un artiste qui fait ce petit bout de combat, puis un autre animateur qui fait ce petit bout de combat, pour s'assurer qu'il y a une continuité tout au long du processus. Ils sont bons et passionnés. Les animateurs feront toujours mieux et plus vite lorsqu'ils aiment ce qu'ils font.

Une grande partie de ce travail se fait au niveau du conseil d'administration. Il s'agit de ces montages dont parlait Diego - une sorte d'action entre les coupes, de sorte que vous voyez le début et la fin du mouvement, mais peut-être pas le milieu.

Judith : Dans le premier épisode, il y a beaucoup de sang. Je me souviens des échanges que nous avons eus au début, et c'est quelque chose qui nous a fait dire : "Il nous faut plus de sang." Parce que cela fait partie de l'histoire. C'était donc un défi au début. Mais nous avons réussi à atteindre ce niveau dès le premier épisode, de sorte que nous savions comment continuer par la suite.

Ketchup rouge présente un contenu adulte, comme la sexualité et l'usage de drogues. Comment s'est déroulée la création d'une émission d'animation avec des thèmes pour adultes ?

Logan : En toute sincérité, la chose qui me frappe le plus, qui me fait rire et dont je continuerai à rire avec mes amis, c'est d'avoir des conversations sur les organes génitaux. Devoir s'asseoir là et avoir une réunion sérieuse entre les chefs de service, et se dire : "Bon, alors, comment allons-nous fixer ce pénis particulier ?"

Judith : Et pour obtenir la signature d'un créateur sérieux sur Red naked.

Diego : Ce fut un long processus. C'était intéressant. Ou même d'aborder la question de la consommation de drogues. Red est un toxicomane. Nous avons donc exagéré dans l'une des scènes, et nous avons un tas de cocaïne que Red doit sniffer en entier. C'est un peu le clou du spectacle. C'est une occasion que la plupart d'entre nous n'auront probablement pas l'occasion de saisir à nouveau au cours de leur carrière. Il s'agit donc de quelque chose de très différent.

Ce que je retiendrai de l'émission, c'est que nous essayons de raconter de grandes histoires avec moins de moyens. Les scénarios sont complexes et nous essayons de résoudre les problèmes et de trouver le visuel le plus simple et le plus attrayant.

Outre le sujet, en quoi l'animation pour adultes diffère-t-elle de l'animation pour enfants ?

Logan : En fait, c'est plutôt le style. Il y a différentes sortes d'"adultes". Il y a de l'humour pour adultes, et il y en a certainement. Mais le terme "adulte" est devenu plus large. C'est un peu plus général. Nous sommes également un sous-ensemble de la catégorie "adulte", en raison du style, du fait qu'il s'agit d'une bande dessinée et du contenu.

Il y a des thèmes adultes, de l'humour, du langage, mais il y a beaucoup d'émissions qui sont classées comme adultes, mais la plupart d'entre elles ne sont pas animées différemment d'une émission pour enfants. Si vous regardez une émission de Nickelodeon destinée aux enfants de six ans et une émission comique pour adultes, l'animation n'est pas très différente.

Alors que dans cette émission, le style de conception est beaucoup plus réaliste. Parce que nous essayons d'être fidèles aux bandes dessinées, le style de conception est très inhabituel dans l'industrie moderne. Vous l'avez peut-être davantage vu dans les années 80 ou 90, époque à laquelle le livre a été écrit. Mais dans l'industrie moderne de l'animation, il est très rare de voir ce style de conception. L'animation est donc très différente parce qu'elle doit l'être.

Nous avons fait appel à des animateurs expérimentés qui n'avaient jamais animé dans ce style, ou qui n'avaient jamais travaillé avec des dessins d'un tel niveau de réalisme et de détail. Il a donc poussé chacun, à chaque étape, à sortir de sa zone de confort, même avec des éléments pratiques intéressants comme la nudité.

Il y a ensuite les effets visuels et la composition. Les effets traditionnels dessinés à la main sont très présents dans ce spectacle. Il y a des explosions qui ont pris trois jours à un artiste. La composition et les effets de ce spectacle sont vraiment lourds. Beaucoup de scènes ne sont que des effets. Ou comme Judith l'a mentionné avec le sang, il y a beaucoup de scènes où le sang éclabousse et vole, puis il y a une mare de sang et nous devons la suivre.

Il faut prévoir le niveau de détail et de réalisme de la structure, des personnages, de l'anatomie ; l'anatomie est couverte de vêtements. Il ne s'agit pas seulement d'un bras de nouille.

Comment la nature comique de la série a-t-elle influencé le style d'animation ?

Diego Serra : La comédie que nous présentons dans la série est basée sur les scripts et sur les voix qui nous ont été fournies. Nous avons la chance d'avoir une très bonne équipe de dessinateurs et d'animateurs qui ajoutent un peu plus aux lignes. Vous pouvez avoir une réplique, vous pouvez avoir une voix off, mais c'est la façon dont ils poussent la scène qui rend la scène encore plus drôle.

Il y a aussi des moments de gêne ou de silence, où il n'y a pas de scénario, mais nous pouvons quand même essayer d'intégrer une réaction ou quelque chose pour pousser le moment un peu plus loin. Il est toujours possible d'en ajouter un peu plus. Mais nous n'avons travaillé qu'avec le scénario et les acteurs vocaux.

Logan : Beaucoup de choses dépendent de l'interprétation vocale. L'acteur vocal fera une énorme différence en termes de planification, d'imagination et d'exécution du storyboard.

Dans certaines situations, le timing de la comédie est différent de celui de l'animation. Comprendre le timing d'une comédie n'est pas donné à tout le monde. Il m'arrive donc de devoir faire une petite révision, de revenir en arrière et de dire : "Il faut juste retarder de six images", juste pour que la blague tombe. Mais même cela n'est pas très courant. C'est surtout dans les conseils d'administration et les scénarios que cela se passe.

Quelle partie du projet a été la plus intéressante ou la plus difficile à animer ?

Logan : La réponse est la même pour les deux questions, à savoir le style de conception. Il est si réaliste, si détaillé et si complexe. C'est très différent de toutes les émissions sur lesquelles j'ai travaillé au cours de ma carrière. Et c'est très différent de toutes les émissions que j'ai vues à l'antenne récemment.

Il y a très peu d'émissions dans l'industrie moderne qui font ce style de conception avec ce niveau de détail. C'est donc à la fois un défi et un plaisir. C'est vraiment intéressant quand il faut faire un effort pour que quelqu'un lève le bras parce qu'il y a une épaule, et qu'il faut penser à l'emplacement de la couture de sa veste. La plupart des personnages des séries actuelles n'ont pas vraiment d'épaules.

Même si nous avons fait le tour de la question et simplifié les choses, il reste encore beaucoup de choses à faire. Ensuite, on ajoute les scènes de combat, puis tous les effets et ainsi de suite. Essayer de respecter la bande dessinée originale a été un défi de taille. Mais c'est aussi probablement ce qui est le plus intéressant et le plus amusant pour les personnes qui y travaillent.

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