Table ronde de l’industrie de l’animation : La pratique rend-elle parfait?

 

Sidney:Bonjour, je m'appelle Sidney Gale. J'ai obtenu une licence en animation en 2020. Dès la sortie de l'université, j'ai commencé à réaliser de petits projets d'animation en freelance, ainsi que beaucoup de travail personnel. J'animais et dessinais tout ce que je voulais. 

Et cela m'a conduit à mettre à jour ma démo encore et encore jusqu'à ce que je décroche finalement un test avec Spindle Horse. Là, j'ai travaillé sur la finale de la saison 1 de Hasbin Hotel, puis sur la saison 2 de Helluva Boss. Je travaille toujours actuellement chez Spindle, mais j'ai également travaillé sur de plus petites productions indépendantes comme Bleating Heart d'Allie Vanaman et Enceladus V [d'Anna Lencioni]. Et puis je travaille également actuellement sur des projets à venir avec What Pumpkin Games et Jellybox Studios.

Felipe: Je m'appelle Felipe. J'ai rejoint l'industrie de l'animation au Brésil en 2010 et, depuis longtemps, je travaille sur des séries télévisées pour enfants. J'ai également réalisé quelques longs métrages. J'ai déménagé à Vancouver en 2016, où j'ai travaillé sur My Little Pony : Le Film, puis sur les saisons 1 et 2 de Carmen Sandiego. J'ai été superviseur d'animation sur les derniers courts métrages Peanuts pour Apple+, et depuis, j'ai complètement réorienté ma vie professionnelle pour devenir freelance à temps plein dans le secteur de l'animation traditionnelle.

J'ai travaillé sur des projets comme Désenchantée, la partie animation 2D du film. J'ai aussi travaillé sur Le Jour où la Terre a explosé : Un film des Looney Tunes, qui n'est pas encore sorti en Amérique du Nord. J'ai donc hâte de le voir à sa sortie.

Et oui, ça fait une quinzaine d'années que je suis impliqué dans ce projet, et j'ai toujours l'impression d'y être arrivé tout juste. À chaque fois que je rejoins un nouveau projet, je suis extrêmement nerveux et j'essaie simplement de faire de mon mieux, jour après jour.

Eden:Je m'appelle Eden Timm. Je viens de la Saskatchewan. Je travaille dans l'animation en Colombie-Britannique depuis 2012. J'ai débuté comme animatrice 3D, puis je me suis lancée dans la 2D et j'ai alterné entre plusieurs disciplines pendant quelques années. En 2016, je me suis concentrée uniquement sur la 2D, simplement parce que j'aime dessiner quand je peux.

Je suis devenu superviseur en 2018. J'ai ensuite eu la chance de réaliser une émission multimédia pour enfants avec Global Mechanic, Jam Van. C'était une série originale YouTube avec des stars de Broadway comme Lin-Manuel Miranda, Boyz II Men et quelques pop stars. C'était vraiment génial. C'était très chaotique avec tous ces collages en prises de vue réelles, ces constructions harmonieuses et ces dessins à la main.

Et puis je suis allé chez Wild Brain. J'ai travaillé très brièvement sur les courts métrages de Peanut. Ensuite, j'ai réalisé la saison 5 de LEGO Monkie Kid chez WildBrain. Et quand l'industrie a explosé, j'ai pu m'immiscer dans les forums et faire quelques révisions de forums sur LEGO Dreams et réaliser des forums en freelance.

Et je me consacre exclusivement à l'animation depuis début 2024. La semaine prochaine, je commence chez Giant Ant leur long métrage, Tangles, qui me passionne énormément.

Lindsay Knowler: Je travaille dans l'animation depuis près de quinze ans. Je suis aussi une Vancouvéroise. J'ai dû déménager à l'autre bout du pays à plusieurs reprises. Je comprends donc parfaitement ce que ressentent les nouveaux artistes en recherche d'emploi. Et dans l'animation, j'ai travaillé dans tous les studios d'ici. 

Je fais du rigging Harmony. Le rigging 2D, c'est mon métier. Ensuite, j'ai commencé à travailler avec vous chez Toon Boom et je suis devenue spécialiste senior des solutions, un titre élégant pour une formatrice senior. Et c'était probablement le travail le plus incroyable.

Je voyageais à travers le monde pour enseigner aux studios comment utiliser Toon Boom et comment utiliser les programmes de manière vraiment efficace. J'aidais les équipes à prospérer dans un environnement de pipeline. Et puis, lorsque la pandémie a frappé, elle a tout changé dans le secteur. Je pense donc que je suis devenue très curieuse de savoir à quoi cela allait ressembler pour les artistes.

À l'époque, j'avais au moins dix ans d'expérience en studio. Et j'ai vraiment adoré travailler avec des stagiaires. Parce qu'en numérique, nous travaillions tous de chez nous, et ils n'avaient pas vraiment de contact avec les autres dans le studio.

Je me suis donc dit : « Ce serait formidable de créer un environnement où, où que vous soyez dans le monde, vous puissiez toujours entrer en contact avec des professionnels. » C'était probablement l'élément clé qui manque aujourd'hui à l'industrie de l'animation. C'était probablement ce que nous tenions pour acquis à l'époque. On pouvait regarder par-dessus leur épaule et voir sur quoi ils travaillaient.

J'ai donc créé un collectif de mentorat en animation appelé Eat Your Peas. Notre mission est de créer davantage d'opportunités pour les jeunes artistes, de les mettre en contact avec des artistes professionnels et d'avoir un aperçu des coulisses du processus.

Comment définissez-vous la pratique en matière d’art et d’animation ?

Lindsay : C’est une excellente question. C’est difficile à définir, surtout en art et en animation, car il existe de nombreux courants différents. Et il y a différentes choses à pratiquer. Chez Eat Your Peas, nous avons beaucoup parlé de la différence entre style et structure. Beaucoup de gens excellent dans le style grâce à leur liberté de création. Ils ont vraiment affiné leurs compétences.

Mais il leur manque peut-être la structure des volumes sous-jacents. Ce sont des compétences intangibles et invisibles qu’il faut approfondir et répéter sans cesse pour devenir performant. C’est pourquoi nous pratiquons le dessin d’après modèle vivant. Si vous êtes attentif à ce que vous faites et que vous vous entraînez avec un objectif précis, vous constaterez des progrès.

Sidney : Je trouve ça tellement flou. On parlait de la multitude de compétences nécessaires à l'animation. Il ne s'agit pas seulement de dessin : il s'agit de dessin, de timing, de gestes et de structure.

Il est donc très difficile de trouver une pratique globale. Je pense que c'est tout ce qui fait bouger les mains et vous pousse à créer. Si vous créez quelque chose, surtout quelque chose que vous aimez, ce serait une bonne définition pour moi.

Felipe : Les enseignants de musique aiment parfois séparer le temps de pratique du temps de jeu. Faire de l’animation implique tellement de choses. Le dessin, c’est juste ce qui est en surface, n’est-ce pas ? Il y a la physique, le jeu d’acteur, et parfois la psychologie qu’il faut explorer, comme ce qui s’est passé dans la vie de ce personnage.

C’est tellement écrasant de penser à tous les ingrédients qui entrent en jeu dans la création d’une bonne animation. Personnellement, je trouve que la meilleure chose à faire est de séparer la pratique de la performance ; d’animer quelque chose et de séparer les petits éléments nécessaires à une performance et de les aborder un par un.

J’aime commencer par décomposer en petites choses, comme étirer et relâcher un bras de manière solide et convaincante. Je fais donc de petits exercices pour maîtriser les bases. Ensuite, j’ajoute des couches par-dessus.

Eden : Comme tout le monde l’a souligné, la pratique est une notion très abstraite, et son approche doit être différente pour chacun, et le sera pour chaque service. Pour moi, la pratique consiste à faire preuve de curiosité, à observer les choses et à se demander : « Comment ont-ils fait et pourquoi ? », puis à appliquer ensuite.

C'est donc à la fois passif et actif. Il y a l'aspect intentionnel dont parlait Lindsay. Et le passif, c'est un peu comme la pièce de théâtre dont parlait Felipe. Les compétences que j'essaie de développer en m'entraînant sont l'esprit d'investigation, l'enthousiasme et la curiosité. Ensuite, il faut maintenir une certaine régularité pour que cela en vaille la peine. Mais il faut aussi faire preuve de bienveillance envers moi-même, car travailler à temps plein, c'est beaucoup.

Parfois, je suis fermement ancré dans la pratique passive, consistant à observer et à assimiler des informations pendant des mois avant de passer à la pratique active et appliquée, simplement parce que j'ai d'autres responsabilités. Mais les deux sont tout aussi importants. Il faut trouver l'équilibre qui nous convient le mieux et atteindre ses objectifs de la meilleure façon possible.

Ainsi, lorsque j'essaie d'obtenir une promotion ou de passer de superviseur à directeur, je me concentre sur les aspects pratiques, je mets la main à la pâte, je cherche à comprendre comment faire pour montrer aux autres que je peux y arriver. Et lorsque je suis à l'aise dans un rôle, je me contente d'expérimenter et d'explorer passivement.

Quel est votre rapport à la pratique ? Et qu'aimez-vous faire pour vous entraîner et maintenir vos compétences à jour ?

Eden : Ma relation avec la pratique est plutôt chaotique. Quand on travaille dans l'industrie depuis un certain temps, on s'habitue vraiment à la production de haut niveau. On atteint des standards de qualité exceptionnels. Et puis on se lance seul. On se dit : « J'ai compris. Ça va être tellement facile. »

On a la perspicacité et les compétences pour savoir comment faire fonctionner ça. Mais il y a d'autres personnes qui s'occupent des cartes, des décors, des builds, de la composition, du son, parfois de la mise en scène. Et quand on doit tout faire soi-même, on peut facilement s'apitoyer sur son sort.

Donc, pour moi, m'entraîner souvent, c'est comme me surveiller moi-même, du genre : « Ce soir, il faut que tu te mettes au travail et que tu fasses quelque chose d'un peu ennuyeux. Tu vas juste dessiner plein de mains, ça te fera du bien. » « Mange tes petits pois », Lindsay.

Lindsay : C'est exactement ce que représente Eat Your Peas.

Eden : Mais d'autres fois, c'est beaucoup de jeu. J'ai un carnet de croquis à un dollar dans lequel je réalise les choses les plus moches. Je dessine avec des marqueurs Crayola quand je m'entraîne à l'animation. Je l'exporte spécifiquement au format GIF basse qualité, histoire de me détendre.

Lindsay : Je pense que mon rapport à la pratique a vraiment changé, tout comme mon rapport au travail. Je ne travaille plus autant en studio. J'accepte des projets en freelance, mais je ne dirais pas que je travaille à la même vitesse que lorsque je travaillais en studio.

J'ai commencé le surf à Montréal, et c'est très difficile à pratiquer. Mais chaque chute, toutes les trente secondes, me rappelle que c'est amusant. Je ne me blesse pas. Je suis là pour échouer. Mais je suis aussi là pour me relever et continuer d'essayer, que ce soit en m'amusant, en me déconnectant ou en faisant quelque chose d'un peu plus structuré.

En dehors des choses pour lesquelles je suis payé, j'aime vraiment prendre quelque chose que je n'ai jamais fait auparavant, ou quelque chose que j'aimerais approfondir, puis quelque chose avec lequel je me sens vraiment à l'aise, et combiner ces deux choses ensemble.

Une grande partie de ce que je fais est basé sur les personnages, donc ma pratique consiste spécifiquement à examiner l'anatomie et le geste, puis à faire en sorte que ces deux choses s'affrontent ou à voir comment je peux les faire coexister pacifiquement. Pendant un petit moment, j'ai enseigné un cours de dessin gestuel de six heures. Pendant la première moitié, nous faisions des études basées sur Line of Action. Mais ensuite, l'après-midi, nous recevions des animaux et des personnes vivants et nous faisions des dessins d'après nature, ce qui est très, très important.

Voir quelque chose dans la vraie vie active différentes parties de votre cerveau que de simplement regarder un écran. Nous ferions également des sorties scolaires. Nous irions visiter le zoo, un cours d'acrobatie, des cafés.

Felipe : Vous entendre parler de dessin gestuel : c’est un objectif que je me suis fixé pour cette année. Si une de ces séances de dessin subtiles a lieu en ce moment, n’hésitez pas à m’inviter. J’aimerais bien y participer. Pendant longtemps, à mes débuts dans l’animation, faute de soutien, j’ai dû trouver mes propres moyens d’acquérir les compétences que je souhaitais.

Pendant longtemps, l'animation traditionnelle a été au cœur de mes recherches personnelles. Mes séances consistaient à chercher en ligne des séquences entières de vieilles scènes de films Disney. Je les importais dans Toon Boom avec un arrière-plan transparent. J'allais régulièrement sur le site d'Andreas Deja, car il propose une multitude de contenus de qualité. J'essayais de comprendre comment les gens de l'époque planifiaient leur travail, comment ils géraient l'espacement, comment ils géraient les performances, comment ils exprimaient graphiquement certaines choses.

J'ai longtemps eu du mal à produire des œuvres personnelles, car je ne suis pas un concepteur de personnages par nature. Chaque fois que je devais créer quelque chose pour moi-même, je restais bloqué sur la partie conception. Je dessinais une silhouette très approximative, en réfléchissant aux formes. Ensuite, je commençais à animer de manière très libre. Au bout de quelques jours, le mouvement me dictait le design souhaité. Cela me permettait de m'entraîner davantage.

 

View this post on Instagram

 

A post shared by Felipe Almeida - Traditional Animator (@felipea.nimation)

Avez-vous rencontré des idées fausses sur la pratique et pensez-vous qu’il est possible de pratiquer d’une manière qui pourrait ne pas être aussi utile ?

Eden : Je trouve que beaucoup de gens se mettent dans une situation où ils ne veulent pas rester trop longtemps. Je pensais que je devrais m'entraîner à la peinture numérique, car c'est ce que font les « vrais » artistes. Mais j'ai découvert que peu importe la fréquence de mes exercices, cela ressemblait davantage à des devoirs que je redoutais. Et c'est une façon de s'entraîner qui n'est pas utile.

Et il y a des moments où je suis tellement obsédée par l'idée de m'améliorer que je finis par me faire du mal. Il faut prendre soin de soi. Il faut penser à boire de l'eau. Il faut penser à se reposer.

Lindsay : Il existe de nombreuses façons de s’entraîner sans s’améliorer. Faire constamment la même chose, ou ne pas vraiment prêter attention à ce que l’on fait, est probablement la principale cause de perte de temps. Car on ne progresse pas. On ne s’améliore pas sans retour.

L’autre problème est l’impatience. Je pense que beaucoup de gens s’impatientent face à leurs résultats. Ils ne sont pas satisfaits de ce qu’ils produisent, ce qui peut devenir très frustrant. Et cela gâche beaucoup d’opportunités.

La meilleure façon de s’entraîner est vraiment d’enseigner aussi. Enseigner, c’est apprendre une langue. C’est probablement comme ça qu’on s’entraîne le plus vite, mais ce n’est certainement pas quelque chose qui vous viendra à l’esprit.

Sidney : Je pense que tant qu'on crée quelque chose, il est difficile de se tromper. Je me retrouve parfois dans un état d'esprit où je suis tellement absorbé par la perfection que je laisse tomber et ne reprends jamais.

Tant qu'on franchit ce premier obstacle, ce n'est pas forcément bon. Il faut juste le faire.

---

• Si vous avez apprécié la table ronde, suivez Lindsay Knowler, Sidney Gale, Eden Timm et Felipe Almeida.
• Prêt à vous perfectionner en animation ou en rigging de personnages ? Les artistes peuvent télécharger une version d'essai de 21 jours d'Harmony Premium.
• Besoin d'un peu plus de conseils ? Améliorez vos compétences grâce à une formation en ligne animée par un instructeur, conçue et dispensée en ligne par des experts de Toon Boom.