Justin Lovell nous parle de l'aventure derrière The Cloud Train

Dans le prochain court métrage indépendant de Justin Lovell, The Cloud Train, une poursuite inattendue à travers un paysage urbain futuriste conduit notre protagoniste à en découvrir davantage sur le monde - et peut-être sur lui-même. Ce court métrage est un projet passionnel qui s'inspire de l'amour de Justin Lovell pour l'animation à travers les époques et les continents. M. Lovell, qui a participé à des productions récompensées par des prix Emmy, Annie et BAFTA, espère également que The Cloud Train débouchera sur des projets d'animation plus originaux menés par des créateurs.

The Cloud Train existe actuellement sous la forme d'une bande-annonce de 90 secondes, produite avec le soutien d'Atomic Cartoons et de Toon Boom Animation. Le film en cours de production est une lettre d'amour à l'art de l'animation traditionnelle qui présente également les nouvelles fonctionnalités introduites dans Storyboard Pro 24 et Harmony 24. Toon Boom Animation a fourni le soutien technique et a commandité la création de la bande-annonce, et les artistes qui apprennent les processus de travail dans le logiciel pourront ajouter des techniques à leur répertoire en suivant les scènes téléchargeables inspirées par le projet.

Nous avons parlé avec Justin Lovell (créateur, réalisateur et animateur) ainsi que trois responsables créatifs du projet, Jouchelle Miranda (artiste du storyboard), Elton Su (responsable des 2DFX) et Shannon Hamilton (responsable du compositing), sur leur expérience du projet jusqu'à présent.

Comment décririez-vous le The Cloud Train? Et qu'est-ce qui différencie ce projet des autres projets sur lesquels vous avez travaillé par le passé?

Justin : The Cloud Train est un court métrage dessiné à la main que j'ai réalisé il y a environ 15 ans. C'est quelque chose que j'ai toujours voulu reprendre. Ce qui le rend différent, c'est que personne ne nous a dit quoi faire. Nous sommes une bande de créatifs qui font preuve de créativité. J'ai eu la chance d'être entouré d'artistes incroyables et talentueux. Et nous avons certainement repoussé les limites de la qualité et de ce à quoi un projet indépendant peut ressembler.

Nous essayons simplement de nous impressionner nous-mêmes. Si Elton a fait une passe d'effets ou d'éclairage folle, j'en fais part au groupe. Shannon a récemment réalisé une superbe image de synthèse et j'ai été époustouflé. J'en ai fait profiter le groupe. En tant qu'équipe, nous essayons de nous surpasser. Je pense que c'est très important.

Nous n'avons pas à nous préoccuper de : "Est-ce que cela va correspondre à une certaine catégorie pour un nombre X de téléspectateurs ?" "Est-ce qu'on essaie d'avoir le plus grand nombre de téléspectateurs ?" Non, nous faisons simplement preuve de créativité parce que nous aimons faire ce que nous voulons faire. Et je pense que nous constatons que le produit final reflète vraiment ce que nous essayons de réaliser.

Jouchelle : Je me ferai l'écho d'une grande partie des propos de Justin. On peut s'amuser un peu plus. Nous ne sommes pas aussi limités par le pipeline du studio. Du point de vue du storyboard, je pense qu'avoir un plan rotatif dans un film en 2D est assez unique et ambitieux. C'était vraiment amusant à faire. C'était la première fois que je le faisais. Et oui, c'est un joli court métrage.

Elton : Toutes les autres productions sur lesquelles j'ai travaillé utilisent généralement des animations truquées. Celle-ci est entièrement dessinée à la main, ce que j'ai vraiment apprécié. Cela rend le fichier beaucoup plus léger. Il est plus facile d'appliquer les 2DFX puisque je masque mes effets sur les personnages. Et je peux jouer avec différentes formes pour faire ressortir davantage le volume.

Shannon : Oui, pour rebondir sur ce que vient de dire Elton, le fait qu'il s'agisse d'un dessin à la main et que nous soyons tous habitués à des rigs de personnages simples et compliqués. Pour le compositing, nous avons donc pu créer des formes légères, puis les relier au dessin existant avec des informations sur les images clés. On ne peut pas faire cela avec une animation dessinée à la main, il faut peindre les choses image par image.

Heureusement, nous avons quelqu'un comme Elton qui peut s'occuper de cela de son côté. Ensuite, je peux prendre ses formes et les rendre aussi belles que possible. C'était donc très intéressant de travailler sur ce projet.

Compte tenu de l'état de l'industrie, pensez-vous que les projets indépendants vont devenir plus courants?

Justin : J'espère vraiment que nous nous éloignerons de cette idée selon laquelle nous n'achèterons que des médias franchisés. Prenons l'exemple des films de super-héros. Ils étaient très populaires lors de leur sortie, mais maintenant les ventes que j'ai vues sont en baisse parce que nous sommes un peu fatigués.

Je pense que l'industrie doit vraiment se pencher sur la question et se demander s'il ne faut pas soutenir davantage la propriété intellectuelle originale. Peut-être devons-nous commencer à promouvoir les idées originales de nouveaux créateurs?" J'espère qu'au cours des cinq à dix prochaines années, nous assisterons à un changement radical dans ce que les gens veulent soutenir. Je pense que le contenu original commencera à être encouragé parce que nous commençons à atteindre le plateau du recyclage des mêmes histoires sur un support différent.

Quelle était votre expérience dans le secteur de l'animation avant de commencer à travailler sur The Cloud Train?

Justin : Mon premier emploi à temps plein a été chez Walt Disney Australia, où j'ai gravi les échelons, passant d'un poste d'intermédiaire à celui d'animateur de personnages bruts. Après l'Australie, j'ai passé un an à Vancouver, puis je suis retourné en Australie où j'ai travaillé chez Flying Bark. Puis je suis revenu au Canada pour travailler chez Mercury Filmworks. Aujourd'hui, je suis à Vancouver, où je suis passé d'animateur à superviseur de l'animation, puis à directeur de l'animation. Aujourd'hui, je dirige un projet Disney+ 3D, et cela a été très intéressant de quitter mes racines et de sauter dans une dimension supplémentaire!

J'ai pu intégrer le style de chaque grand studio dans le mien. J'ai pu en quelque sorte fusionner les techniques de chacun et évoluer. J'ai eu la chance de pouvoir m'envoler et vivre dans d'autres pays, depuis la Nouvelle-Zélande, et de continuer à faire ce qui me passionne : raconter des histoires par le biais de l'animation.

Jouchelle : J'ai obtenu mon diplôme en 2015, puis j'ai occupé un rôle plus technique en tant que conceptrice de flash. Je suis ensuite devenue build lead avant de réaliser que je voulais passer à un rôle plus créatif. Je suis devenu une artiste de storyboard en 2017, et j'ai travaillé dans les storyboards depuis lors. Principalement dans les tableaux d'action, sur des émissions allant de la pré-maternelle à la pré-adolescence.

Je connaissais donc très bien les poursuites dynamiques. Travailler dans l'espace 3D était également quelque chose que je connaissais très bien, mais fusionner les deux ensemble était un peu différent pour moi. Depuis que j'ai travaillé sur The Cloud Train, j'ai évolué vers le poste de story director.

Elton : Pour ma part, j'ai commencé lorsque la pandémie a frappé. C'était donc une période difficile. D'habitude, il est difficile de trouver un emploi. Mais j'ai eu la chance de décrocher un emploi chez Kapow Pictures, qui réalise une série animée de type Steve Irwin. C'était une opportunité vraiment amusante.

Grâce à cela, j'ai pu travailler pour Justin chez Atomic en tant que pigiste, ce qui m'a amené à quitter l'Australie pour venir à Vancouver. J'ai travaillé pour Atomic Cartoons, Titmouse, puis de nouveau pour Atomic Cartoons. J'ai également travaillé à temps partiel chez Flying Bark.

Shannon : J'ai commencé en tant qu'artiste d'effets visuels pour des actions en direct et en 3D. De retour à Atlanta, en 2012, mon tout premier contrat était une émission d'Adult Swim. Il s'agissait d'une action en direct avec des arrière-plans en 3D et beaucoup d'écrans verts. J'ai ensuite travaillé pour Cartoon Network et quelques autres émissions d'Adult Swim qui étaient principalement en 2D - comme Aqua Teen Hunger Force, Squidbillies, ce genre d'émissions - qui étaient plutôt drôles. Et c'était amusant de travailler dessus. Je suis également allé à Floyd County, où j'ai travaillé sur Archer pendant un certain temps.

Au bout d'un moment, je n'ai plus trouvé beaucoup de travail [aux États-Unis], alors j'ai été recruté au Canada pour travailler sur le film My Little Pony en 2017. C'est là que j'ai rencontré la plupart des gens de Wildbrain. J'y suis restée pendant environ sept ans, jusqu'à devenir superviseur sur Carmen Sandiego. Ensuite, je crois que j'ai rencontré Justin à Atomic Cartoons sur La Nuit au musée : Le Retour de Kahmunrah. Et c'est là que tout a commencé. Une fois le contrat terminé, mon visa a expiré et je me suis retrouvée ici, aux États-Unis.

Qu'est-ce qui vous a incité à travailler sur The Cloud Train?

Justin : Il y a plusieurs raisons à cela. Je travaille sur ce film depuis une douzaine d'années. Je l'ai mis de côté pendant un certain temps, parce que j'avais réalisé quelques courts métrages et qu'ils avaient été ratés. J'avais vraiment besoin de travailler sur mes compétences en matière de narration, et c'est ce que j'ai fait. Une fois que j'ai rejoint Atomic Cartoons et que j'ai commencé à gravir les échelons, j'ai commencé à élargir mes horizons en ce qui concerne la façon de raconter des histoires. Je pense que c'est autour de La Nuit au musée : Le Retour de Kahmunrah quand je me suis dit : "Je sens que je suis dans une bonne position."

Nous avons donc réuni une équipe. Nous avons rassemblé les planches. Nous avions des dessins, des environnements, tout était réuni. Il ne restait plus qu'à trouver le temps de faire des tests en ligne pour que l'animation me convienne. Il y a eu beaucoup de collaboration avec les artistes.

En ce qui concerne le moment choisi [pour le projet], le dessin à la main me manque tellement que je me suis dit : "Pourquoi pas maintenant?" Nous avons tous ces gens incroyables et talentueux dans le monde qui sont potentiellement à la recherche d'un emploi, à la recherche de quelque chose à faire. Beaucoup de jeunes animateurs n'ont pas eu l'occasion de faire de l'animation dessinée à la main, alors il y a maintenant une voie qu'ils pourraient emprunter pour avoir un avant-goût de ce que ce serait de travailler sur un film ou une série dessinée à la main. Malheureusement, le dessin à la main n'est pas vraiment la norme à l'heure actuelle.

La scène dans The Cloud Train est centrée sur une poursuite. Quelles sont les possibilités qu'offre une scène de poursuite dans votre métier?

Justin : Les personnalités des personnages définissent leurs choix et la manière dont ils se déplacent, dont ils réagissent aux choses, les obstacles qu'ils essaient de franchir, les chemins qu'ils veulent emprunter et les endroits où ils se sentent en sécurité. Il est très important d'avoir un état d'esprit qui permette d'obtenir cette action, mais aussi de voir les réactions, de la colère à la prise de conscience, voire au flirt, de mettre en place les étapes de l'histoire et de faire en sorte que quelqu'un sache comment projeter cela avec les personnages. Ce n'est pas n'importe quel animateur qui peut faire ce genre de choses.

Je pense que les scènes de poursuite nous touchent tous à un niveau primaire, que ce soit lorsque nous étions enfants et que nous jouions à la tague ou à d'autres sports. D'habitude, les séquences d'action sont assez rapides et l'énergie est maintenue. Mais pour celle-ci, j'ai décidé que nous ne voulions peut-être pas faire autant de coupes et que nous voulions simplement faire quelque chose d'extraordinairement difficile. Mais honnêtement, cela porte ses fruits.

La réponse que je reçois est la suivante : "Pourquoi faites-vous cela? Cela semble trop difficile". Lorsque vous entendez tant de gens dire "c'est impossible", cela devient un peu un défi. Et c'est du défi que naît l'innovation. Nous devenons créatifs dans nos choix. Nous sommes donc en mesure de pousser visuellement la narration et je pense que c'est la raison pour laquelle beaucoup de ces choses, je l'espère, trouveront un écho chez les gens. Cela les touchera de manière positive.

Jouchelle : J'adore planifier la chorégraphie. On ne peut pas se contenter d'avoir [les deux personnages] l'un en face de l'autre. Cela devient tout de suite ennuyeux à regarder. Pour cette séquence en particulier, Justin l'a présentée comme une "danse de poursuite", un truc interactif. Je me suis dit : "D'accord, bien sûr." Essayer de passer du sérieux à l'espièglerie, cette transition pendant que vous courez dans ce train, était une ligne d'action intéressante, pour s'assurer que leurs motivations sont claires. Il essaie toujours de la poursuivre, mais ils s'amusent un peu.

Et puis il y a la complexité supplémentaire de la caméra. Il faut chorégraphier pour que tout le monde soit dans la bonne direction au bon moment. C'est très complexe. Je vais vraiment en profondeur dans les programmes que j'utilise, et je pense que cela profite vraiment à ma façon de travailler. Et cela me facilite la tâche. Pour ce court métrage, Justin ne m'a pas demandé de modéliser quoi que ce soit en 3D, mais lorsque j'ai embarqué et que j'ai su que je devais faire ce plan rotatif, je suis allé de l'avant et je l'ai simplement ébauché pour moi-même. De cette façon, je pouvais être un peu paresseuse et ne pas dessiner l'arrière-plan, je pouvais simplement utiliser ce fichier Blender rotatif à la place.

Je pense que vous êtes la première personne à dire : "J'étais paresseuse, alors j'ai créé un modèle 3D de toute la scène."

Shannon : En ce qui concerne le compositing, il s'agit d'ajouter des lumières et des ombres. J'ai l'impression que dans une scène de poursuite, il faut beaucoup travailler pour obtenir des ombres vraiment dynamiques dans ces poses. Mais heureusement, nous avons nos talentueux artistes d'effets spéciaux, qui m'enlèvent une grande partie de ce poids. Je peux donc me concentrer sur le reste de la composition et faire en sorte que les choses soient jolies.

La pose dynamique, l'éclairage, le flou de mouvement, l'ajout de toutes les couches différentes, en particulier pour la scène rotative en 3D que nous avons, il y a beaucoup d'entrelacs ; des couches qui doivent être comme devant les personnages et ainsi de suite. C'est tout un travail, mais c'est très excitant. Une fois que vous voyez le produit final, c'est tellement gratifiant.

Elton : Les personnages se déplaçant dans le train, j'ai pu jouer beaucoup plus avec les hautes lumières. Parce que les personnages se déplacent dans des zones et des éclairages différents, j'ai pu les faire passer à travers l'éclairage. J'ai pu les faire passer à travers l'éclairage, en allant de l'avant à l'arrière des personnages. Lorsque je l'ai rejoué, la transition s'est avérée très agréable.

Quelle a été votre approche de l'animation traditionnelle dans Harmony? Avez-vous dessiné à l'aide d'une tablette ou scanné vos roughs?

Justin : J'aimerais bien! Je ne sais pas si j'ai envie de rester ici à perforer des rames de papier pour que nous devenions super vieux jeu. Nous n'avons pas le temps. Nous avons utilisé Storyboard Pro pour créer les planches, et nous utilisons Toon Boom Harmony pour faire l'animation, la composition, l'éclairage et les effets. Nous utiliserons tous les produits Toon Boom.

Je veux prendre tout ce que j'ai fait chez Disney, tout ce que j'aime dans le dessin à la main, et l'intégrer dans le logiciel. Tout sera donc dessiné à la main. Nous faisons des ébauches. Nous ferons le nettoyage et la mise en couleur. Tout cela se fera dans le pipeline d'animation, comme s'il s'agissait d'un crayon et d'un papier dessinés à la main, mais ce sera dans le cadre du programme lui-même.

Nous avons modernisé une très ancienne méthode d'animation, mais j'ai l'impression que nous avons conservé cette nostalgie. Nous pouvons toujours voir ce savoir-faire dans chaque image, ce qui est très important pour moi. Ce n'est pas seulement un art. C'est quelque chose que l'on peut apprendre, que l'on peut améliorer et que l'on peut maîtriser. Et il y a un désir pour cela. Je le vois dans l'évolution des médias. Je pense que les gens recherchent des histoires plus profondes, mais quelque chose qui les touche visuellement. C'est ce que j'espère : que les gens se disent "C'est nouveau, mais ça ressemble à quelque chose que j'ai déjà vu".

Je me suis beaucoup inspiré de Miyazaki et de la qualité des films que nous avions l'habitude de voir à l'âge d'or des années 90 avec les films de Disney. J'essaie donc littéralement de prendre tout ce que nous pouvons et de l'intégrer dans un seul projet. Si l'artiste y trouve son compte, j'espère que les spectateurs y trouveront aussi leur compte.

Je suis content que vous ayez parlé de Miyazaki, parce qu'il est très clair, même dans le Kickstarter, que The Cloud Train est influencé par le Studio Ghibli.

Justin : C'est les anime qui m'ont fait entrer dans ce secteur. J'ai regardé Dragon Ball, et je me suis dit : "Des gens sont payés pour dessiner ça? C'est peut-être quelque chose que je peux faire." Et à partir de là, ça a explosé. J'ai découvert le travail de Miyazaki. Lupin III a été une grande source d'inspiration. Et puis Mon voisin Totoro, Le voyage de Chihiro, Princesse Mononoke… la liste est longue. Nous sommes tous comme hypnotisés lorsque nous regardons ses œuvres. Il est difficile de ne pas être inspiré par quelqu'un qui maîtrise si bien son métier. C'est la façon dont il raconte ses histoires, l'amour et la passion qu'il met dans son travail. C'est une source d'inspiration pour beaucoup d'entre nous. Et je pense que le fait que son dernier film soit en lice pour tant de prix montre que le grand public est à la recherche de quelque chose de différent de ce qui a été la norme pendant si longtemps.

Quels sont les défis et les réussites que vous avez rencontrés jusqu'à présent dans le cadre de votre travail sur The Cloud Train?

Jouchelle : Um, les réalisations… C'est qu'on a réussi à le faire? Je pense que nous avons réussi. La rotation a suivi les personnages, en gardant cet aspect ludique, mais aussi en donnant des nuances aux personnages tout au long de l'histoire. Je dirais que c'est une grande réussite.

La difficulté réside dans la prise de vue elle-même. J'ai l'habitude d'utiliser Blender, de faire une capture d'écran d'un arrière-plan et de l'intégrer ensuite. Je n'ai jamais plongé en profondeur dans ce logiciel. Pour ce court métrage, j'ai appris à animer un peu les choses à l'aide d'images clés.

J'ai modélisé le train, puis j'ai grossièrement bloqué les personnages et j'ai ensuite animé leur chorégraphie pendant qu'ils traversaient le train. Et je parle d'un blocage très basique. Ce sont des triangles et des cylindres à ce stade. Je voulais juste m'assurer de la chorégraphie de leurs déplacements dans le train et de la façon dont ils tournaient les uns autour des autres, en m'assurant que j'avais suffisamment de pauses et en sachant où se situeraient certains moments.

Ensuite, j'entrais dans le train et je devais l'exporter deux fois, une fois avec les arrière-plans eux-mêmes, puis une fois avec le blocage. Puis une fois avec le blocage. De cette façon, je pouvais voir la cohérence de mes personnages. Ensuite, lorsque je vais dans Storyboard Pro et que je dessine les personnages, je peux désactiver ce calque et j'ai un arrière-plan propre.

Elton : Je pense qu'une grande partie de ce qui m'inspire [pour les effets de lumière] provient des dessins animés, parce qu'ils ont toujours des formes très intéressantes. Et dans certaines scènes d'action gigantesques, chaque image est en fait une illustration. J'ai donc essayé de reproduire cela en jouant avec la lumière.

Shannon : En ce qui concerne les défis à relever, j'aimerais m'inspirer un peu de ce qu'a dit Elton à propos des formes de lumière et des formes d'ombre. Dans les premières scènes, c'est moi qui mettais en place certaines de ces formes sur les personnages. Une fois que nous sommes arrivés aux scènes plus compliquées, et en voyant ce qu'Elton faisait, je me suis dit : "Oh, Dieu merci. Il est capable de faire ça." Rien qu'en regardant la prise de vue du train, en regardant les reflets se détacher des personnages, j'étais tellement excité à l'idée d'ajouter des gradients et de rendre le tout beau et joli.

En ce qui concerne les défis, le seul véritable défi est le temps. Tout prend du temps. Même lorsque je déplace un dégradé sur un personnage, je dois suivre ce dégradé jusqu'à la tête du personnage pour chaque image. C'est pourquoi je suis très reconnaissante aux nombreux membres de l'équipe qui peuvent m'aider et me faciliter la tâche. D'autant plus que nous faisons de l'animation dessinée à la main.

Justin : Probablement la grande scène de poursuite. Je suis très reconnaissant que nous ayons pu l'aborder, car c'était un monstre qui durait six mois et que j'aurais dû aborder moi-même. Je pense donc que le plus grand défi pour ce plan en particulier a été d'obtenir l'adhésion de tout le monde en raison de son ampleur. Ensuite, il a fallu s'assurer que les personnages restaient fidèles au modèle et que les plans se suivaient bien. Nous avons dû faire très attention à la répartition des plans, nous avons fini par nous séparer en deux équipes.

Nous avons donc le premier rôle féminin et le premier rôle masculin, et les deux équipes comptaient chacune deux ou trois animateurs. C'était le plus grand défi. Mais la plus grande récompense a été de voir tout cela se mettre en place, de commencer à voir le nettoyage des couleurs, de voir Elton passer par là et faire ces mises en valeur. Et maintenant, nous commençons à voir Shannon mettre tout cela en place dans l'ordinateur. Même au stade du storyboard, Jouchelle avait dit que c'était une entreprise de grande envergure.

Je ne pense pas que nous aurions pu y arriver sans avoir les bonnes personnes au bon moment pour relever ce défi de taille qu'est la prise de vue. Nous avons beaucoup de chance d'avoir l'équipe que nous avons eue et tout le monde a su relever le défi. C'était ce plan, donc maintenant que c'est fait, tout devrait aller comme sur des roulettes, n'est-ce pas?

Vous vous êtes associés à Toon Boom Animation pour utiliser des scènes de The Cloud Train afin de démontrer les nouvelles fonctionnalités de Storyboard Pro 24 et Harmony 24. Qu'est-ce qui vous a intéressé, vous et votre équipe, à collaborer avec Toon Boom Animation et Atomic Cartoons?

Justin : Honnêtement, Toon Boom Animation nous a fourni les outils dont nous avions besoin pour réaliser quelque chose d'aussi extraordinaire. Je ne pense pas qu'un film indépendant ait essayé de faire ce que nous essayons de faire, ce qui, je l'espère, nous met sur la voie du succès.

Ils ont donc été en mesure de nous fournir les outils dont nous avions besoin. Et Atomic Cartoons a été très gentil en nous apportant son soutien du côté de la production, en s'assurant que les prises de vue étaient là où elles devaient être et en veillant à ce que la gestion des artistes soit maintenue et que tout le monde respecte les délais et tout le reste. Nous avons eu la chance de travailler avec deux partenaires extraordinaires qui nous ont aidés à réaliser ce projet à la hauteur de ce que nous faisons actuellement.

Y a-t-il une caractéristique d'Harmony ou de Storyboard Pro, ancienne ou nouvelle, que les artistes devraient connaître?

Justin : Grâce aux fonctions 3D, nous pouvons jouer avec l'appareil photo. Et c'est très important aujourd'hui. Je joue un rôle dans le monde de la 3D depuis plus d'un an maintenant et le fait de pouvoir se déplacer et changer la position de la caméra donne vraiment vie à un personnage en changeant légèrement les choses.

Et maintenant, nous avons la possibilité de faire la même chose avec la 2D, ce qui est phénoménal. Pouvoir définir les paramètres et dire "peut-être pouvons-nous laisser tomber la caméra et rendre le plan un peu plus héroïque, peut-être faire en sorte que le personnage ait un peu plus de distance pour se sentir un peu plus seul". Oui, je suis tout à fait favorable à l'intégration de la 3D dans Toon Boom Harmony.

Jouchelle : C'est tout à fait ce que disait Justin. J'aurais aimé que ces nouvelles fonctionnalités existent à l'époque où je faisais du montage.

Si vous préparez une scène que vous êtes sur le point de monter, vous pouvez configurer Storyboard Pro de façon à ce que chaque nouvelle scène que vous créez, et chaque nouveau panneau que vous créez, ait les calques par défaut que vous avez définis. Donc, si vous faites une scène avec Justin et moi et un arrière-plan, vous pouvez configurer ces calques au début. Et ils seront présents tout au long du tableau.

Cela semble être un petit détail. Mais si vous deviez cliquer sur des boutons et taper "Personnage_A", "Personnage_B" et "Arrière-plan" un millier de fois, cela s'accumulerait.

Jouchelle : Cela prendrait beaucoup de temps!

Elton : Qu'est-ce qu'il y a à ne pas aimer dans Harmony, honnêtement? J'ai utilisé beaucoup de programmes d'animation, mais la chose que j'aime le plus dans Harmony est la vue des nœuds. La possibilité de connecter des éléments ici et là pour créer l'effet que vous souhaitez est absolument incroyable. Plutôt que de mélanger les calques pour les placer au-dessus ou au-dessous. L'axe Z vous permet également de déplacer les éléments d'un côté à l'autre de la scène.

Avez-vous des conseils pour éviter que la vue des nœuds ne ressemble à des spaghettis?

Elton : Je me contente de garder les choses aussi organisées que possible. Avec les effets ajoutés, disons que j'ai un effet d'ombre ou le personnage pour tous les effets du personnage masculin - je les mets tous dans une toile de fond. Ainsi, tout est bien rangé dans la boîte.

Shannon : La vue Node est le rêve de tout artiste compilateur. Nous aimons brancher et jouer certaines choses, c'est pourquoi nous n'utilisons que rarement la ligne du temps. Mais pour parler d'organisation, il y a maintenant quelques boutons en haut de la vue Node qui vous permettent de tout réaligner automatiquement. C'est la meilleure chose qui soit pour l'organisation des TOC. Vous n'auriez pas pu demander mieux.

Qu'est-ce qui s'en vient pour The Cloud Train?

Justin : Nous emmenons la bande-annonce à Annecy, ce qui me réjouit au plus haut point, et nous espérons susciter un certain engouement. Nous voulons simplement faire connaître ce que nous essayons de produire, ce que nous essayons de faire. Et gagner un peu de soutien pour le film lui-même. Nous avons déjà une minute et demie d'images et il nous reste cinq minutes. Nous avons tous travaillé dur sur ce film et il serait dommage de ne pas pouvoir le terminer. Quelle est la prochaine étape? Nous espérons pouvoir le terminer.

Avez-vous des conseils à donner aux artistes qui souhaitent travailler sur des projets indépendants?

Justin : Il suffit de le faire. Cela fait quinze ans que je travaille sur ce projet. Et nous avons enfin une bande-annonce qui va bientôt sortir. Ne laissez pas les gens vous dire que vous ne pouvez pas faire quelque chose. Et c'est normal d'échouer de temps en temps, de grandir et d'apprendre. Ne laissez pas ces choses vous empêcher de faire quelque chose.

Si vous voulez faire un film indépendant, ou si vous avez quelque chose de créatif que vous voulez pousser, persistez. Vous pouvez le mettre de côté pendant un certain temps, puis le reprendre lorsque les choses deviennent plus lentes et que vous avez besoin d'un changement de rythme. Ne soyez pas quelqu'un qui dit : "Bonjour, j'ai ce projet et je n'en fais jamais rien". Lancez-vous à corps perdu. Et travaillez lentement.

Jouchelle : Participez à n'importe quel projet, même si vous ne pensez pas être tout à fait prêt à le faire. Principalement parce qu'on peut apprendre beaucoup de choses sur un projet. Et si vous attendez toujours, comme si j'avais refusé le projet de Justin en me disant "Je n'ai jamais fait ce plan avant" ou "Je ne pourrais jamais faire cette séquence", alors je n'aurais pas eu cette expérience. Et je pense que cela s'est très bien passé parce que je me suis sentie plus dévouée à l'apprentissage pour le résultat. Je pense donc qu'attendre d'être totalement prêt pour quelque chose ne fonctionne jamais vraiment. Il faut juste se lancer!

Elton : L'une des choses que j'ai apprises est la gestion du temps. Il est très important de pouvoir consacrer un certain temps à ses projets personnels après le travail, car si l'on n'a pas ce genre d'engagement, on les met en veilleuse. Et parfois, vous l'oubliez. Et petit à petit, cela devient quelque chose qui n'est pas fait.

Mais si vous persévérez, vous vous améliorerez. Au fur et à mesure que vos compétences s'amélioreront, tout ce qui concerne votre projet sera plus intéressant. Lorsque j'ai commencé mon projet personnel en 2020, mes compétences en dessin n'étaient pas aussi bonnes. Aujourd'hui, je me vois beaucoup mieux dessiner. Tout s'est amélioré. Et cela m'a donné envie de continuer à travailler sur ces projets.

Shannon : Ne vous limitez pas. S'il y a quelque chose que vous tenez absolument à faire, allez-y et faites-le. Acceptez le défi. C'est ce que j'aime faire. J'aime les défis. Faites des pauses, ne vous épuisez pas. Mais ne l'oubliez pas non plus. Parce qu'en fin de compte, si vous prenez trop de temps, vous n'allez probablement pas vous y remettre. Je dirais simplement qu'il faut relever le défi et ne pas se limiter, ni limiter sa créativité.

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