Megan Lloyd sur son animatique pour Nerdy Prudes Must Die

Dans la comédie musicale et d'horreur de Team StarKid, Nerdy Prudes Must Die, le fantôme d'une brute du lycée revient sur le campus pour se venger des intellos responsables de sa mort. C'est un regard hilarant, bien qu'éprouvant, sur la dynamique sociale du lycée et les réalités émotionnelles de l'adolescence.

Megan Lloyd est réalisatrice et artiste de storyboard dans l'industrie de l'animation américaine. Elle a notamment réalisé Star Trek: Lower Decks et fait du storyboard pour Dreamworks, Nickelodeon, Marvel et Netflix. Pendant son temps libre, Megan crée également des animatiques de médias non animés sur son compte YouTube ThirdChildFilms ainsi que sur TikTok, où elle compte actuellement plus de 100 000 adeptes.

La vidéo de Megan Lloyd pour la chanson culminante de Nerdy Prudes Must Die dépeint l'histoire d'une manière qui ne peut pas être capturée sur scène. Voici ce que Megan Lloyd avait à dire sur le processus de production de ces vidéos, qui mélangent des éléments d'animatique et d'animation pour un effet dramatique.

C'est vraiment passionnant! La première animation que j'ai vue était une fantaisie saphique sur une reprise de Sabrina Carpenter sur TikTok.

Megan : C'est drôle, j'ai en fait réalisé cette vidéo pour faire une pause dans Nerdy Prudes. Et c'était très amusant à faire, également avec Storyboard Pro. C'était un fan art de la pochette produite par Morgan Clay. Je l'aime beaucoup en tant que chanteuse et en tant que productrice musicale. C'était en quelque sorte la première fois que je partageais des personnages originaux en ligne depuis l'université.

Voir l'accueil positif, puis ce que j'appelle la « deuxième vague » lorsque les gens ont réalisé que les deux personnages étaient des femmes, a été très gratifiant. C'est une histoire que j'aimerais transformer en film.

Jenna : J'ai également vu quelques-unes de vos animations de The Magnus Archives. J'adore la façon dont vous avez animé John en train de se morfondre.

Megan : Oh, et il est par terre.

Jenna: Il est par terre, puis Martin lui laisse la tasse de thé. J'ai vu d'autres animations de ce moment et les gens peuvent en faire une scène très dramatique, très lourde. Mais vous avez pris le contre-pied et l'avez rendue hilarante.

Megan : Je suis donc ravie que vous en parliez. C'est en fait la première vidéo verticale que j'ai réalisée avec Storyboard Pro. Je travaille dans le domaine de l'animation télévisuelle. Nous travaillons en écran large. J'ai réalisé cette vidéo de huit minutes de The Magnus Archives sur le final de la quatrième saison. J'y ai consacré des mois et des mois de travail. Et elle a plutôt bien marché en ligne.

Mais j'ai l'impression que peu de gens l'ont regardée. En fait, lorsque j'essayais de la télécharger sur TikTok, je la téléchargeais en écran large, avec de grandes barres noires en haut et en bas, et je recevais sans cesse des avertissements concernant les droits d'auteur. Je devais répondre à chaque fois en disant : « Non, ce n'est pas un film. Ce sont mes dessins. J'ai dessiné ça. »

Mais il serait trop tard et l'algorithme l'aurait enterrée et déconseillée. J'ai donc décidé que je ferais mieux d'essayer de faire des vidéos verticales. En fait, j'ai obtenu le modèle Storyboard Pro de mon amie Anna Lencioni, qui est l'une de vos ambassadrices Toon Boom.

Je lui parlais de travailler dans un format vertical. Elle m'a dit : « Oh, oui, j'ai un canevas personnalisé que j'ai sauvegardé. Je te l'enverrai. » Depuis, j'ai fait quelques vidéos de The Magnus Archives effrayantes et quelques-unes de The Magnus Archives comiques, juste pour m'habituer au format vertical.

Comment le format vertical modifie-t-il votre processus?

Megan : Le jeu des acteurs est le même et les choix de montage et de rythme que je fais sont les mêmes. Mais la façon dont j'utilise mon arrière-plan et dont j'empile mes personnages est très différente.

La principale différence est que j'exagère davantage la taille des personnages. Il est amusant de constater que cela n'a pas beaucoup changé mon travail à la caméra, mais que cela a changé la façon dont je conçois mes personnages.

Jenna : Il est intéressant que vous parliez de la conception des personnages, car j'adore la façon dont vous avez conçu The Distortion dans votre animatique pour l'épisode de The Magnus Archives où l'archiviste s'entretient avec Michael. Lorsque j'ai entendu l'épisode pour la première fois, je l'ai imaginé comme un nuage de fumée. Je pensais qu'il n'était pas tout à fait solide et qu'il tourbillonnait autour de lui-même.

Megan : Oui, j'adore ça. Avant d'entreprendre un projet. Je rassemble des références. [Je me suis notamment inspiré d']Eris dans Sinbad : La légende des sept mers de Dreamworks. C'est quelqu'un qui parle, puis se transforme en fumée et apparaît ailleurs.

La raison principale pour laquelle j'ai fait cette scène avec Michael est qu'il est la chose qui m'a le plus effrayé dans toutes The Magnus Archives. La combinaison du jeu troublant de Luke Booys et des filtres utilisés par les concepteurs sonores.

Et il est censé être un personnage impossible. Il est censé être quelque chose que votre esprit [ne peut pas comprendre]. Et je pense que la chose qui m'a vraiment fait craquer dans cette séquence, c'est quand il rit et qu'il laisse des visages supplémentaires.

Jenna : Oui.

Megan : Ce qui m'a beaucoup amusé avec Michael, c'est d'essayer de comprendre comment un personnage aussi effrayant pourrait continuer à surprendre le public. Ce n'est en fait que la moitié du clip que je voulais animer. Il y en a plus à la fin de cet épisode.

Il y avait quelque chose d'intuitif dans la façon dont vous avez exécuté son mouvement. Visuellement, c'était très logique parce que l'archiviste est attaché à une chaise. Il est donc immobile. Et puis il y a ce mouvement très fluide du personnage qui contraste.

Megan : Je ne voulais pas me contenter de faire un plan pour la réplique de l'archiviste, un plan pour la réplique de Michael, puis de couper dans les deux sens. Je voulais donc introduire l'idée d'être encerclé par un requin dans l'eau.

J'essaie toujours de faire en sorte que Michael soit toujours en mouvement et à la dérive et que John soit coincé dans son fauteuil. Et chaque fois que Michael essaie d'être sincère ou de dire la vérité, il devient plus humain, et chaque fois que The Distortion gagne, il est tordu et tourne dans la spirale.

Ce qui nous amène à la comédie musicale d'horreur Nerdy Prudes Must Die.

Megan : Oui, la scène que j'ai animée est ma scène préférée de la série. Nerdy Prudes Must Die raconte l'histoire d'un groupe d'intellos d'un lycée qui, au cours d'une farce qui a mal tourné, tue accidentellement la brute de l'école. Et ils le cachent. Et parce qu'ils ont tué la brute dans ce qui s'avère être une maison hantée, celle-ci sort de sa tombe et commence à les traquer un par un.

Dans la grande veine comique de la série originale, après la mort de la brute, la vie de tout le monde s'améliore. Les enfants populaires commencent à se montrer compréhensifs à l'égard des enfants impopulaires et les personnes qui ne pouvaient pas se fréquenter auparavant se mettent ensemble. Tout le monde se sent tellement mieux. Et Richie, qui est l'un des personnages que j'ai dépeints, est la mascotte de l'équipe de football de l'école. Au tout début de l'animation, on peut voir son costume de mascotte dans les vestiaires.

Il vient juste d'être accepté par l'équipe de football et de se lier d'amitié avec tout le monde et il est littéralement au plus haut niveau émotionnel qu'il ait jamais connu. C'est alors que l'on entend la brute commencer à murmurer son nom. On passe alors à cette grande finale, « Nerdy Prudes Must Die », qui nous prépare à un acte II horrible, où la brute commencera à poursuivre et à tuer ces nerds un par un.

C'est aussi un excellent concept pour une comédie musicale. Une bonne vieille histoire d'horreur pour adolescents, mais avec de la comédie.

Megan : Souvent, dans les histoires de slasher ou d'horreur, ce sont les nerds qui obtiennent ce pouvoir. Les gens qui ont été harcelés, les gens qui ont été impuissants toute leur vie. Il y a Carrie, il y a Jason.

Et c'est très drôle dans cette comédie musicale, parce que la chanson de présentation de la brute s'appelle Literal Monster, parce qu'il a déjà le plus de pouvoir à l'école. Il peut déjà tourmenter les gens, puis il obtient un pouvoir cosmique phénoménal qu'il utilise pour faire encore plus de mal.

Jenna : Je pense que beaucoup de contenus horrifiques tournent autour des adolescents parce qu'ils reflètent la réalité émotionnelle exacerbée de cet âge. À cet âge, on peut avoir l'impression que la brute hante littéralement ma vie et essaie de me tuer, même si ce n'est pas la réalité littérale.

Megan : Et malgré tous les pouvoirs magiques dont il dispose dans la série, Max [l'intimidateur] continue de tuer par l'intimidation. La série commence avec la police qui enquête sur la mort de Richie. Ils sont dans les vestiaires de l'école et ils parlent de la façon dont ce gamin a été nourri de violet et a tourbillonné jusqu'à la mort.

Jenna : C'est sans doute la pire façon de partir.

Megan : Puis l'émission se transforme.

L'une des raisons pour lesquelles je pense que la fin de la chanson Nerdy Prudes est si efficace est qu'elle ne montre pas Richie se noyer. On ne le voit pas non plus se faire torturer ou tuer. La chanson elle-même, comme vous le voyez dans mon animation, le montre poursuivi dans l'école et la brute qui le domine dans cet horrible jeu du chat et de la souris.

Dans l'émission originale, il y a ce lent moment où Richie est à terre en train de pleurer et Max marche lentement vers lui en riant. Le public est censé s'imaginer qu'il est en train d'être traîné vers la mort.

Puis je me suis dit : « Je ne veux pas montrer le meurtre proprement dit. Mais je veux le montrer en train de se faire traîner. » Nous entrons maintenant dans l'aspect technique du choix de la caméra. C'est en fait le dernier plan qu'il m'a fallu animer, parce qu'il est très long et qu'il contient beaucoup de subtilité dans le jeu des acteurs.

La toute dernière image que nous voyons du visage de Richie, il établit un contact visuel avec la caméra. J'espère que c'est trop rapide pour être remarqué dès le premier visionnage. Je voulais qu'il y ait un moment fugace où il puisse briser le quatrième mur et regarder le public.

Il est tout à fait possible d'être horrifié sans bombarder quelqu'un qui fait défiler son fil d'actualité avec des images manifestement dérangeantes. Combien de temps l'animation a-t-elle duré?

Megan : J'ai passé environ cinq mois à travailler sur ce projet. Je l'ai commencé en février, avec beaucoup d'orgueil dans le cœur. J'ai commencé la fin de semaine du jour du Président et je me suis dit : « Je parie qu'il me faudra trois jours pour faire le storyboard. Je vais tout faire en une fin de semaine de trois jours. »

À l'origine, j'avais prévu de ne faire qu'un storyboard avec un nombre limité d'images pour chaque plan. Lorsque j'embarque, que ce soit pour le travail ou pour moi-même, si je le fais sur une chanson, j'écoute mon matériel de base. Si j'ai un scénario, je le lis plusieurs fois. Et même s'il s'agit d'une chanson, je finis par imprimer les paroles.

La première chose que je fais, c'est de prendre mon scénario et de marquer l'endroit où j'imagine que la caméra va couper. Avec les prises de vues réelles, vous avez l'avantage de filmer la couverture de vos scènes sous plusieurs angles que vous pouvez choisir au montage. Avec l'animation, vous devez d'abord décider de votre montage. C'est l'objectif premier des storyboards : déterminer les angles de caméra et le blocage des acteurs. Une grande partie de ces décisions précoces relèvent désormais de la responsabilité des artistes de storyboards.

Malheureusement, ce que nous constatons aujourd'hui dans le secteur de l'animation, c'est qu'une grande partie de la charge de travail créative initiale est confiée aux artistes de storyboards parce que des postes comme ceux de minuteur d'animation et de maquettiste sont supprimés. On attend des artistes de storyboards qu'ils s'occupent de la mise en page et du chronométrage. Pensez à #StandWithAnimation alors que notre comité de négociation travaille sur leur nouvel accord.

Pouvez-vous nous en dire plus sur votre processus de production pour ce type de projet?

Megan : Je lis mon scénario et je fais une petite marque à chaque fois que j'imagine la caméra en train de couper. Si je pense à un plan spécifique, je le griffonne parfois sur le côté.

Ensuite, j'aime travailler à partir d'un son. J'aime bien chronométrer mes planches. Si vous écoutez mon animation, il s'agit de la version de la bande sonore de l'enregistrement de la distribution et de la performance en direct que j'ai collée ensemble pour conserver tous les moments de jeu que j'aimais le plus. Ainsi, si vous entendez un coup de tonnerre ou un grand coup de vent, je l'ai superposé pour cacher les changements de qualité sonore de l'enregistrement. Je fais tout mon montage sonore dans Audacity et j'ai quelques couches supplémentaires d'effets qui ont été ajoutées par la suite dans Storyboard Pro.

Ma première ébauche de quoi que ce soit est tellement ratée et tellement odieuse. J'ai des amis qui sont d'excellents dessinateurs de vignettes. Ils pourraient rendre leur premier jet en guise de finale et c'est seulement leur perfectionnisme intérieur qui les pousse à ajouter tous les cheveux, les vêtements et tout le reste. Mon premier jet est très griffonné, parce que dans mon premier jet, je travaille principalement sur la synchronisation et le montage de mes plans. Je fais donc cette première ébauche et parfois cela me fait changer les plans que je veux.

Il y a un plan dans Nerdy Prudes qui a le plus changé, c'est lorsque Max soulève Richie du sol et le fait flotter au-dessus du gymnase. J'avais placé la caméra à côté d'eux, en les regardant droit dans les yeux, parce que je me disais : « Oh, je dois utiliser mon espace vertical. Je vais les montrer tout petits en bas de l'écran, puis, comme un ascenseur, je les montrerai en train de monter. »

Et lorsque je suis passé de l'étape de l'ébauche à celle du nettoyage, je me suis dit : « Oui, mais la caméra a toujours regardé l'action en face. Et comme c'est une séquence d'action, je veux secouer ma caméra. » J'ai donc fini par changer le plan pour une prise de vue en hauteur, en regardant vers le bas. Max et Richie commencent toujours en bas de l'écran et se dirigent vers le haut. Mais maintenant, ils se déplacent également vers la caméra. Ils se déplacent donc en trois dimensions.

Je sais que la scène originale se déroule dans les vestiaires. Je commence dans les vestiaires et j'explique qu'il y est replacé à la fin. Mais dans l'histoire de Nerdy Prudes Must Die, il y a un rassemblement juste avant le grand match. Richie meurt pendant la mi-temps du grand match. J'ai adoré l'idée de ce point culminant, puis de Richie coincé dans ce gymnase avec tous les déchets et tout ce qui traîne, parce que même les concierges sont partis au grand match. Personne n'a encore nettoyé le rassemblement des supporters.

Une autre raison pour laquelle je voulais qu'il y ait des déchets et du papier partout, c'est que le vent est invisible. Je voulais qu'il y ait du vent dans plusieurs séquences. C'est pourquoi il y a tant de papier de cahier sur le sol du gymnase.

Ensuite, je divise le film en séquences pour y travailler plus longuement à la fois. Storyboard pro est un programme très robuste, mais je ne pense pas qu'il soit conçu pour que quelque chose d'aussi lourd soit dans un seul fichier, surtout pas avec l'âge de mon ordinateur. Donc mon brouillon et ma première version sont tous dans le même fichier. Lorsque je travaille sur des plans plus détaillés, je les divise en plans, ou en deux ou trois plans à la fois. Lorsque tout est terminé, je les réimporte dans mon fichier d'origine. L'un des outils que j'aime le plus dans Storyboard Pro est la capacité d'exporter, d'extraire des plans et de créer automatiquement de nouveaux fichiers à partir de ceux-ci.

J'adore les grandes marges de Storyboard Pro parce que la plus grande remarque que je reçois quand je fais du storyboard, c'est que je place toujours la caméra trop près. Je dessine donc toujours en dehors de mes marges, puis, lorsque j'examine mon fichier final, je prends la caméra et je l'élargis d'environ 30 % sur l'ensemble de l'image.

Storyboard Pro n'est pas conçu pour la composition ou la coloration. C'est quelque chose qu'il faut absolument faire dans un programme comme Toom Boom Harmony. Mais je n'ai pas encore Harmony, alors je peins dans Storyboard Pro. J'ai un ensemble de brosses texturées que j'aime utiliser. Je change littéralement la résolution de la caméra et les paramètres du projet pour que l'image soit aussi grande qu'une toile numérique dans n'importe quel autre programme.

Pour Nerdy Prudes, à l'origine, mon objectif était de faire un storyboard. Puis j'ai décidé de l'animer entièrement, ce qui implique beaucoup plus d'images et de dessins. Je n'avais pas animé quelque chose d'aussi compliqué depuis l'université.

Je n'avais rien fait avec une synchronisation labiale depuis mon cours Animation 102. Je dois donc vraiment féliciter mon amie Jess [A.M.], qui est une animatrice professionnelle.

Un plan en particulier dont je suis très fière est celui où Richie se lève pour dire « I'm not a loser ». On dirait que c'est un mouvement de caméra, mais tout dans ce plan est dessiné. Je travaillais sur ce plan depuis longtemps et j'étais très satisfait de l'animation que j'avais de Richie.

Mais je pensais qu'il manquait quelque chose. Je l'ai donc envoyé à Jess et elle m'a suggéré de faire deux dessins supplémentaires entre le moment où ses mains sont levées et celui où elles sont baissées, parce que mon instinct me disait qu'il fallait que ce soit rapide.

Selon vous, où se situe la limite entre l'animatique et l'animation à ce stade? Y a-t-il une limite précise?

Megan : Pour moi, dès qu'il y a synchronisation labiale, c'est de l'animation. C'est la limite pour moi. En tant qu'artiste de storyboards et même en tant que réalisatrice, c'est quelque chose que j'essaierais de mettre en avant. J'ai dirigé par le passé des artistes de storyboards qui avaient un nombre excessif d'images et j'essaie de leur demander de ne voir qu'un à trois dessins par plan de caméra dans leur ébauche.

Étant donné que le storyboard se situe dans la phase d'idéation d'un projet, il est très possible que vous receviez des notes qui pourraient vous amener à changer une petite chose ou à recommencer votre séquence depuis le début. J'insiste donc auprès des personnes qui deviennent artistes de storyboards pour qu'elles essaient de ne pas faire le travail de quelqu'un d'autre.

Je considère les storyboards comme si je les utilisais pour planifier quelque chose. C'est un storyboard. Mais si je l'ai coloré, que je l'ai éclairé, qu'il y a du son et qu'il y a des éléments, je vais commencer à l'appeler animation. Si vous regardez mes premières vidéos, mes vidéos de The Magnus Archives, mes vidéos d'Hamilton, j'avais l'habitude d'appeler tout cela animatique, mais j'essaie de plus en plus de dire « Non, c'est une animation ».

C'est intéressant d'être un artiste de storyboards. Vous êtes un touche-à-tout dans votre métier. Vous êtes directeur de la photographie. C'est vous qui décidez où va la caméra et comment elle est bloquée. Vous êtes un acteur. Vous devez jouer les personnages. Et même en tant qu'artiste de storyboards, vous êtes un réalisateur, car c'est vous qui décidez où vos acteurs vont marcher et quels plans seront choisis.

Il peut donc être très facile de se dire : « Oh, oui, mais je veux aussi l'éclairer et le nuancer. Et je veux faire encore plus de travail d'acteur. » C'est là encore que je vous conseille de mettre votre amour et vos efforts dans les moments qui vous passionnent le plus. Mais si vous voulez que votre carrière dure longtemps, je pense que vous devez trouver un niveau de cohérence qui vous permette de travailler huit heures par jour pendant des mois.

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• Les animatiques et les projets d'animation de Megan Lloyd sont disponibles sur YouTube, Instagram, TikTok et Bluesky.
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