Nicole Rodriguez s'entraîne avec des dessins animés de fans de la comédie musicale Beetlejuice

Nicole Rodriguez est une artiste de storyboard qui a travaillé sur des productions pour Bento Box, Cartoon Network, Titmouse et SpindleHorse. Pendant son temps libre, Nicole se consacre à des projets personnels afin d'affiner ses compétences en matière de storyboard, notamment deux animatiques de fans du film Beetlejuice .

Elle a mis en ligne la première animation il y a deux ans, en s'inspirant d'"Invisible (Reprise)" et de "Say My Name". Les chansons mettent en scène l'adolescente solitaire Lydia Deetz sur le toit de sa nouvelle maison, où elle rencontre pour la première fois le démon éponyme, Beetlejuice.

Il y a deux mois, Nicole a mis en ligne une animation de suivi sur le thème "The Whole 'Being Dead' Thing". Chantée par Alex Brightman dans le rôle de Beetlejuice, elle sert d'introduction macabre (et drôle !) à la production théâtrale. Beetlejuice est un personnage plus grand que nature, ce dont Nicole tire parti dans ses animations en brisant visuellement le quatrième mur tout en utilisant une imagerie surréaliste digne d'une véritable adaptation animée.

Nous avons rencontré Nicole Rodriguez pour discuter du travail dans l'industrie de l'animation pendant la pandémie, de la nature du fan art et du courage nécessaire à la poursuite de la création.

Qu'est-ce qui vous a incité à réaliser des animations pour YouTube ? Et des animations de fans pour Beetlejuice : The Musical en particulier ?

J'étais encore assez novice en matière d'embarquement. J'ai été révisionniste sur Steven Universe et j'ai ensuite été pensionnaire de The Owl House pendant un petit moment. Lorsque j'ai réalisé ma première animation, j'essayais d'apprendre. Je n'ai pas suivi d'école de scénarimage, j'ai donc dû apprendre grâce à mes amis et à la pratique. Et j'étais un grand fan de la comédie musicale Beetlejuice, parce que je l'avais vue récemment à Broadway.

Je ne me sentais pas assez confiant pour écrire quelque chose. J'aime la musique et les comédies musicales, et embarquer pour la musique est très amusant ! Je voulais m'en servir comme d'un vaisseau pour apprendre l'embarquement. C'était donc un outil d'apprentissage et un moyen de me prouver que je pouvais le faire, car l'embarquement m'a beaucoup intimidée pendant un certain temps.

Pour la deuxième animation, je voulais simplement faire quelque chose de plus grand et montrer que j'avais beaucoup appris depuis la première. Je ne pensais pas que cela deviendrait une entreprise aussi importante. Et pendant que je le faisais, je me suis dit : "Oh, attendez, ça va prendre beaucoup de temps." Mais j'étais prête, et je ne m'étais jamais engagée à terminer un projet à si long terme auparavant.

À quoi a ressemblé le processus de scénarisation de ces animatiques de fans ?

J'ai tendance à faire des vignettes en premier. Le plus rapidement possible. Je noterai chaque idée de plan que j'ai afin de déterminer si les flux de plans fonctionnent et si j'aime la façon dont les choses se déroulent. Parfois, je dois le voir en action, surtout s'il y a un mouvement de caméra ou autre. Je dois le tester pour voir s'il fonctionne comme je le souhaite dans ma tête.

Une fois que toutes les vignettes ont été créées, je commence à faire des ébauches, et j'insiste sur le jeu de Beetlejuice parce qu'il est le personnage principal. Pendant un certain temps, je me suis vraiment concentré sur cette activité, où je faisais tout le travail d'acteur. C'était pendant la pandémie, alors je l'ai diffusé sur Twitch parce que je me sentais tellement dans ma petite boîte. C'était un peu un exutoire. J'ai pu parler aux gens. Ou bien ils parlaient dans le chat. C'était amusant.

En ce qui concerne le nettoyage, j'ai décidé, et c'est en partie pour cela que cela a pris autant de temps, de tout colorier en niveaux de gris et de limiter les couleurs. Normalement, dans l'embarquement, on ne fait pas cela. Vous ne devriez pas le faire, car cela ne fait que ralentir les choses et aggraver le processus pour tout le monde. Mais comme je n'allais pas l'envoyer en animation ou le transformer en quoi que ce soit d'autre, je me suis dit : "Laissez-moi le rendre joli".

Quelque part, cette artiste incroyablement talentueuse, Jeannette Arroyo, a dit : "Hé, j'aimerais bien faire des arrière-plans." Elle a donc réalisé une partie des arrière-plans, tout comme une de mes amies, Amber Blade Jones, dans la dernière ligne droite. L'intégration des arrière-plans a permis de consolider l'aspect du projet, et je ne pense pas qu'il aurait été aussi bon s'ils n'y avaient pas consacré du temps et de l'énergie.

Il s'agissait d'un processus assez régulier qui s'est étalé sur deux ans. Par intermittence, parce que j'ai aussi un travail régulier. Je n'y ai pas toujours consacré le temps nécessaire, mais je voulais m'assurer qu'ils soient réalisés.

Quelles techniques et quels programmes avez-vous utilisés pour ces animations ?

Il n'y avait que Storyboard Pro, qui était génial. Pour les arrière-plans, ils ont utilisé un mélange de Clip Studio et de Photoshop. J'ai appris beaucoup de choses que l'on peut faire dans le cadre du programme grâce à mon travail à Central Park . Les gens me donnaient des fichiers contenant des choses que je ne savais pas faire, alors j'ai fait de la rétro-ingénierie. Il s'avère que ce n'était pas si difficile.

Les Beetlejuice ont connu de nombreuses itérations au cinéma, dans les films d'animation et sur scène. Comment s'est déroulé le processus de conception de votre interprétation ?

C'était étonnamment rapide. Je n'ai jamais travaillé professionnellement en tant que designer. Mais j'ai dessiné mes propres objets et j'ai dû concevoir des objets auparavant, pendant mon temps libre. Je voulais quelque chose qui soit un peu un mariage entre la pièce de théâtre, qui est ma version préférée, et le fait d'y apporter ma propre touche. En gardant à l'esprit qu'il devait s'agir de quelque chose que je pourrais dessiner un million de fois.

Lorsque j'ai réalisé la première animation, je n'ai pas fait de dessins. J'ai dessiné les personnages une fois, et puis je me suis dit : "Bon, je vais faire avec". Cela a rendu l'ensemble beaucoup plus difficile à réaliser. Je savais que si je devais en faire un autre, je devrais trouver des modèles solides pour ceux-ci et les animer un peu plus simplement.

Il y a eu beaucoup de "ganking" à partir de la pièce de théâtre, mais ensuite j'ai apporté ce qui serait amusant à dessiner pour l'animation. Cela ne m'a pris qu'une journée. Ce n'est pas toujours le cas, mais j'ai dessiné un ou deux modèles différents et cela m'a plu. Cela a donc fonctionné.

Comment avez-vous choisi la palette de couleurs limitée ? En particulier, quand utiliser la couleur ?

Je faisais des tests pour voir comment je voulais qu'il soit nettoyé. Lorsque je l'ai fait en ligne, sans valeurs ni remplissage, j'ai eu l'impression qu'il avait besoin d'un petit quelque chose. J'ai donc essayé de mettre un peu de gris ici et un peu là. Lorsque j'ai opté pour des niveaux de gris et des couleurs limitées, c'était pour faire ressortir davantage certains éléments.

Les cheveux verts de Beetlejuice sont emblématiques, il était donc logique de les avoir. Ensuite, il y a une partie où il joue du ukulélé et où tout est en couleur pendant un petit moment, ce qui donne un effet que l'on n'obtiendrait pas autrement. Cela change le ton.

Une chose qu'ils ont mise en œuvre dans la pièce de théâtre, et que j'ai trouvée très amusante, c'est que ses cheveux sont un peu comme un anneau d'humeur. Elle reflète ce qu'il ressent. Cela a été une grande source de motivation. Cela l'a également fait ressortir, car c'est le personnage principal de la chanson.

Quelles parties de ces projets ont été les plus intéressantes ou les plus difficiles à animer ?

J'ai pris la décision très intelligente de faire tous les squelettes des chœurs et des figurants. C'était très ennuyeux parce que même si vous simplifiez les squelettes, ils sont vraiment ennuyeux à dessiner plusieurs fois.

Il y a un passage dans "The Whole Being Dead Thing" où plusieurs d'entre eux jouent de la musique dans un groupe. Et comme je suis une folle, je voulais qu'il soit vaguement en phase avec la musique. Ils ne jouent pas les bonnes notes ou quoi que ce soit d'autre. Mais les tambours sont possibles. Obtenir de quelqu'un qu'il joue de la batterie de manière convaincante - j'ai réussi à le faire parce que ce n'est pas l'objectif principal. Vous pouvez vous en tirer parce qu'il s'agit d'un squelette en arrière-plan.

Quels ont été les défis à relever pour adapter une comédie musicale en animation ? Dans quelle mesure avez-vous respecté la chorégraphie de la comédie musicale ?

Honnêtement, je n'ai pratiquement pas utilisé de chorégraphie sur scène. La seule chose que j'ai gardée à l'esprit, c'est que pour "The Whole Being Dead Thing", ils ont un cercueil qui est au centre de la scène et autour duquel ils font des choses. La seule chose que j'ai prise, c'est un cercueil qui sert de référence pour certaines prises de vue. Et pas de la même manière.

Il n'est pas très difficile de transposer des éléments musicaux à l'animation. Ils sont tous deux tellement exagérés et l'animation est déjà considérée comme une scène. Vous devez mettre les choses en scène de la même manière. J'ai plutôt l'impression que les comédies musicales se prêtent bien à l'animation. J'ai toujours voulu que les œuvres musicales fassent l'objet d'un film d'animation. Vous pouvez faire beaucoup de choses très amusantes que vous ne pourriez pas faire autrement.

Surtout avec cette comédie musicale. Les effets de scène et les chorégraphies étaient tellement exagérés. C'est presque un dessin animé.

Quels sont les projets personnels sur lesquels vous travaillez actuellement ou sur lesquels vous espérez travailler à l'avenir ?

J'essaie actuellement de m'améliorer dans l'écriture. Parce que, que ce soit par moi-même en tant qu'indépendant ou en m'adressant à des studios, je veux présenter des émissions. J'ai quelques projets différents en tête que j'essaie de réaliser. J'ai toujours un million de petits projets, mais c'est l'essentiel : créer des pitchs qui me permettront peut-être d'écrire une émission.

J'apprends également à mieux faire de l'action boarding. Je n'y travaille pas activement en ce moment, mais j'aimerais m'y remettre. Il y a une émission de Donjons et Dragons qui s'appelle Dimension20 qui est géniale parce qu'elle est très descriptive. Il y a une course-poursuite en moto qui serait parfaite pour apprendre le genre de film d'action que je veux faire.

En dehors de l'animation, je réalise actuellement une bande dessinée pour Oni Press avec Erin Cabelly et Eugene Levitzky.

Quels conseils donneriez-vous à d'autres animateurs (ou aspirants animateurs) désireux de mettre leurs projets personnels en ligne ?

Faites-le ! J'ai attendu si longtemps. La seule chose que je regrette, c'est de ne pas avoir fait tout cela plus tôt. L'embarquement m'intimidait tellement. Fabriquer mes propres objets m'intimidait tellement. C'est toujours le cas, mais j'essaie de me forcer un peu, parce qu'on se sent tellement bien quand on termine quelque chose.

En réalité, la seule chose qui vous incitera à le faire, c'est de le faire. Même si vous pensez qu'il est nul, parce qu'il y a de fortes chances qu'il ne soit pas nul et que d'autres personnes l'apprécient. Et vous allez apprendre ! C'est la meilleure façon d'apprendre.

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